lunes, 30 de noviembre de 2009

Bypass en Vera Vera Teatro.-

Tras diez años de distanciamiento, cuatro amigas se reúnen con motivo de la despedida de soltera de una de ellas. Sin embargo, el reencuentro servirá para comenzar a decirle adiós a las culpas y sacar los trapitos al sol: las pulsiones se sobreponen a las convenciones, surgen los replanteos. “Mantener la ilusión de una vida segura es más dañino que asumir el reto de buscar lo que deseamos”, explica la autora y directora Jimena Repetto.

Por E. V.
Fotografía de Sofía Lobo

Buenos Aires, noviembre 30 (Agencia NAN-2009).- La pieza tiene como protagonista a un grupo de jóvenes que promedian los 30 años y que se reencuentra en una despedida de solteras, cita que concluirá inesperadamente. Todo comienza en 1997 cuando, durante un viaje de egresados, cuatro amigas hacen un pacto: la primera en casarse deberá pagar el stripper de la despedida de soltera. Pasan diez años y Socorro lo hace: se unirá en matrimonio con Tincho, a quien conoció justamente en Bariloche. Ahora bien, no todo es lo que aparenta: esa noche salen a luz viejos anhelos, rencores, dudas y deseos postergados. Articulada en torno a esos conflictos avanza Bypass, una comedia de enredos pasada por ácido lisérgico. La obra, escrita por la joven dramaturga Jimena Repetto y dirigida junto a Melisa Freund, se podrá ver en el Vera Vera Teatro (Vera 108, Villa Crespo) el próximo sábado y el viernes 11 de diciembre a las 21.

Poblada de situaciones desopilantes, la obra es el retrato de un grupo de amigos que comparten grados de insatisfacción. Así, se presentan interpretaciones compactas, sobre todo por la palpable conexión entre ellos y por la precisión en el aprovechamiento de las situaciones. Actúan Natalia Ávila (Rochi). Andrés García Dietze (Tincho), Celeste Morchio (Clara), Juan Santiago Privitera (Agusto), Julieta Sánchez (Socorro) y María Soledad Manes (Flavia). Mientras Socorro, Flavia y Rocío celebran la despedida de la libertad de la primera, Clara, la Miss Bariloche 1997, llega tarde a la reunión, pero (intencionalmente) se reencuentra con el novio de su amiga.

En Clara se manifiesta explícitamente el planteo de la obra, el “qué hubiera sido, si…”: “Yo tengo una carrera, una vida, un ex novio… Lo que yo quiero es justicia, que las cosas sean como siempre debieron ser”, reclama. En Bariloche, a ella le gustaba Tincho, abogado y futbolista amateur, pero Socorro lo enamoró primera. Como si el tiempo no hubiera pasado, ella, vestida de médica, trata de seducirlo y le revela a él un secreto de su novia. Rechazo de por medio, Clara lo golpea con un trofeo. En trance, él recuerda el viaje a Bariloche y se da cuenta de que ya no quiere casarse y que vive una vida ordinaria junto a Socorro.

Así, el drama va resolviéndose desde el ensueño: la exacerbación de la fantasía logra crear un efecto de verdad para Tincho. “Quería escribir una obra en la que se mezclaran niveles de realidad. O sea, un plano real, uno onírico y uno que conjugara ambos. Ése fue el mayor desafío, porque en definitiva nada es lo que parece y hay muchas formas de ver las cosas”, explica a Agencia NAN la dramaturga Jimena Repetto, también poetisa y novelista.

De vuelta en la fiesta, Agusto, amigo de Tincho y compañero de equipo de fútbol, hace de stripper. Y como no todo es lo que parece, Socorro se va con él. Pero no es a esta mujer a quien el nudista quiere, sino a su amigo, aunque no pueda obligarlo a abandonar a su futura esposa. Mientras tanto, el futuro esposo descubre en el mundo de los sueños que desea a Agusto. Y ya se adelantó que Clara desea a Tincho, aunque la verdad sea que ella sólo se quiere a sí misma. En resumen, Bypass presenta una historia de cruces, desengaños amorosos y deseos relegados.

--¿Qué la motivó a contar esta historia?
--Creo que la historia siempre es más fuerte que uno. Se impone. Supongo que ésta se impuso por el deseo de contar cierto estado de los vínculos en nuestra generación o en nuestra sociedad. A la vez hay un deseo de develar las formas edulcoradas y extremistas en las que se construye culturalmente ese sentimiento extraño que es el amor.

--¿Se trata de una obra de jóvenes desencantados que no asumen lo que quieren, que postergan sus deseos para mantener una vida segura?
--Supongo que se trata de jóvenes a los que les cuesta asumir lo que desean, pero a quién no le cuesta. Nos pasa un poco a todos, ¿no? Mantener una vida segura, o esa ilusión, siempre es más dañino que asumir el reto de buscar lo que deseamos. Incluso hay deseos contradictorios que colapsan en estos personajes. Creo que siempre hay cierta fragilidad en el acontecer. Por otro lado, debería haber cierta fortaleza para seguir un camino ante las contingencias. Uno debería tratar de cambiar un estado de la cuestión con coherencia hacia lo que uno quiere y cree, y, a la vez, respetando el deseo y las necesidades del otro.

--¿Le parece que eso ocurre en los jóvenes que están llegando a los 30?
--Creo que ir atrás de los sentimientos es difícil para todos, antes y después de esa edad. La sinceridad con uno mismo es un objetivo atemporal. Puede que cerca de los 30 uno se pregunte si realmente va por el camino que quiere, porque hay un paradigma social que impone certezas en la adultez. La pregunta sería si se llega con certezas absolutas. Yo creo que muchas veces no, y pareciera que la adultez se define por la capacidad y necesidad de decisión.

Con la cumbia “Vete de aquí” y otras canciones kitsch, la pieza recrea un ambiente propicio para la recepción psicológica de la trama, por momentos onírica. A su vez, el dispositivo escénico (la habitación de un departamento, con una bola de boliche y trofeos de fútbol) refuerza la intencionalidad de la historia. De esta manera, la obra consigue sostener durante todo su desarrollo el mismo nivel de interés.

Blog: http://bypassteatro.blogspot.com

viernes, 27 de noviembre de 2009

Tracy Lord: "Apuntamos a llegar a todos lados con un mismo mensaje".-

Claudio, Lucas, Matías, Pablo y Andy: el quinteto de Temperley vive el idilio de tener un LP editado por primera vez, República, y con una unidad interna como la de pocas bandas, llegan al indie local con la idea de dejar una huella fuerte y sincera.

Por Alejandro Grimoldi
Fotografía de prensa de Tracy Lord

Lomas de Zamora, noviembre 27 (Agencia NAN-2009).- Una unidad compacta y colmada. Como "el sistema", Tracy Lord es total: se proyecta plenamente en la vida de cada uno de sus integrantes como un destino único, como una sola vocación expresada en las partes de un todo. Desde el tatuaje con el emblema de la banda en el brazo del baterista Matías hasta el detallado arte de República, su primer LP, las manifestaciones de Tracy Lord están completamente cargadas de ella misma. La idea se advierte fácilmente en los cauces de rigor: su sitio web y sus MySpace, Youtube, Flickr, Twitter y demás. Todo está perfectamente organizado y al día, con los mismos colores, tipografía y estilo, para desplegar exhaustivamente el concepto de la banda. "El punto de partida de todas las cosas es Tracy Lord, todas las decisiones que tomamos en cualquier aspecto de nuestra vida giran en torno suyo", explica el cantante Andy y el resto asiente como si todos hubieran dicho lo mismo.

Este quinteto de Temperley se terminó de formar en 2004, pero recién a principios de octubre de este año salió a la venta su primer disco "profesional", producido por el ex El Otro Yo Ray Fajardo. "El rock que hacemos es parte del grunge --dice Andy-- y buscamos a Ray, que viene de un palo más alternativo, porque queríamos buscar más identidad. La idea era modernizar el estilo". El resultado son trece temas de un rock crudo y riffero que conserva un aire noventoso pero a la vez integra la sonoridad más pulida y sintética de los tiempos que corren. Con su ópera-prima bajo el brazo, un videoclip debut filmado con Guillermo Tragant (de la agencia Furia) para el primer corte de difusión, un nuevo corte rotando en la radio y una organización bien afirmada y encaminada, los Tracy Lord se preparan para despedir el año en la Soul to Soul Party, el sábado 25 de diciembre en Peteco's, y luego salir a "repartir el disco por todos lados".

El nombre de la banda rinde tributo a una famosa actriz porno de los 80s, Traci Lords, pero lo escribieron distinto por una cuestión legal. "Una cosa que nos unía cuando nos empezamos a juntar es que todos conocíamos a Traci, teníamos un pasado onanista", explica Andy. Pero el sentido de la banda tiene poco y nada que ver con el mundo de la pornografía; se trata más bien de un mensaje sensible, de un proyecto de vida conjunto y de un anhelo de universalidad en el rock y el Arte en general. Su música Tracy Lord va acompañada de una armazón iconográfica que busca retratar visualmente sus ideas. Todo República tiene una fuerte impronta conceptual, con un concienzudo diseño que evoca la estética constructivista de los años veinte en Rusia y que parece retratar la fundación de un nuevo estado, de una nueva época. Es un estilo que la banda replica en vivo con su vestimenta. Pero además, en sus fotos y su primer video los acompaña un elefante, el mismo que Matías tiene tatuado en su brazo y que aparece delineado sobre una estrella blanca en el logo que los identifica.

--¿Por qué un elefante y una estrella?
Andy: --El elefante es un animal que está siempre en manada y nosotros siempre estamos juntos, la bancamos juntos y tomamos las decisiones juntos. Buscábamos un símbolo que fuera natural y pudiera significar eso. Además, es un animal simbólicamente muy "power", lo que también nos identificaba. De fondo está la estrella de cinco puntas que simboliza la perfección, pero con una pata un poco más larga que representa la distorsión.

--¿Y el título del disco?
Andy
: --Se llama República porque simboliza una nueva elección. El concepto que buscábamos para el disco era hacer algo nuevo y sincero. Tratamos de dar una elección desde un punto de vista poético y artístico, no es ningún tipo de bandera política. Dentro de lo que es hoy el rock es fácil tomar una postura cómoda de hacer música sin esforzarse. No es nada fácil hacer algo nuevo, pero creo que es un desafío digno.
Matías: --En el librito está impresa la frase final del disco: "Es todo, considéralo". La quisimos dejar impresa porque estamos diciendo "no queremos pasar desapercibidos", queremos dar una elección de algo nuevo y diferente.
Pablo: --Esto es lo que somos, podrá ser original o no, pero tratamos de serlo, de dar algo nuestro, que tenga una identidad. El disco termina diciendo: todo lo que pasó es lo que somos, considéralo, esto es lo que tenemos para dar.

--¿Cómo se relaciona eso con la imagen soviética del disco y de ustedes?
Andy: --Además de que nos gusta la imagen, el constructivismo apunta a lo social y eso tiene que ver con lo que es Tracy, que busca, desde el arte, ir a lo social.
Pablo: --El constructivismo surgió en la revolución rusa con un 70 por ciento de la población analfabeta. El régimen tenía que comunicar los mensajes de la revolución de una manera fácil para que todos lo pudiesen entender. Ese contenido social, el que todos nos sintamos identificados con el mensaje, es lo que nos gusta del constructivismo. No tratamos de hacer algo musicalmente llano, pero sí que el mensaje sea fuerte y directo.
Andy: --Lo que buscamos es tomar las herramientas del constructivismo para comunicar algo de manera directa, apuntando a cosas como el amor o la sociedad, pero con un mensaje nuestro. Tratamos de que te llegue, seas del palo que seas, de la "rama" social que seas, de la religión que seas. Apuntamos a llegar a todos lados con un mismo mensaje.
Pablo: --Lo social no es sólo política sino todo lo que nos agrupa y nos une como personas: las cosas como el amor, el respeto por el otro; eso es lo que nos interesa.

--Obviamente, todo esto queda expresado en sus canciones…
Andy: --En general, las canciones hablan de amor y un poco sobre temas sociales. El amor obviamente nos identifica a todos y en lo social hablamos mucho de ecología, que es algo que nos interesa y es muy importante. O hablamos de lo que es la sociedad hoy y el espacio que tiene la gente. Una de los temas más sociales es "25mil por día", que es el número de muertos de hambre que hay en el mundo por día. Cuando pensás en esos números te das cuenta que es más que un Luna Park de gente que se muere por día (NdE: técnica y lamentablemente, la cantidad corresponde a más de cuatro Luna Park colmados).
Matías: --Pero todo esto no significa que tengamos una bandera política.

Con todas estas ideas en mente, la banda contactó a Ray Fajardo a fines del año pasado y entró a grabar en Estudio Quinto con la idea de terminar el disco en un mes y medio. "Tardamos nueve meses", admite Pablo, y explica que los plazos se fueron extendiendo en la medida en que Ray se fue interesando por el material. En ese tiempo, el ex-El Otro Yo obró como un conductor que fue desarrollando la potencialidad del disco y como un guía en un proceso de mucho aprendizaje: "Para nosotros es un referente dentro y fuera del estudio, es un gurú", define Andy.

--¿Por qué terminaron de decidirse por Estudio Quinto?
Andy: --Además de que el estudio es muy bueno en lo que es estructura, lo que más sacamos de ahí es el apoyo al arte que dan. Hay estudios donde te están poniendo el reloj al lado y así te concentrás más en no perder guita que en armar un disco. Ante todo, apuntábamos a hacer un disco que nos hiciera felices, a pasarla bien en la grabación y a aprender mucho.

--¿Cómo fue trabajar con Ray?
Andy: --Fue excelente, una experiencia de mucho aprendizaje y experimentación. Sobre todo porque teníamos tranquilidad y tiempo: al mes y medio estábamos todavía grabando las batas, ¡estuvimos una semana para afinarla!
Matías: --Ray nos dio una mano enorme. De él surgió decir "esto lo tenemos que llevar al máximo de lo que pueda ser". Él vio el crudo que le entregamos al principio como algo a proteger y él con toda su locura y las máquinas que le fue metiendo terminó dándole una modernidad con la que quedamos re conformes.
El Negro: --Sí, se metió mucho con la banda, le caímos muy bien, le gustó mucho el material, se dio cuenta de que podía transformarlo cómo él quería. Hizo la mezcla, los arreglos, el mastering. Se metió tanto que lo llamabas a las tres de la mañana y estaba laburando en el disco de Tracy. Se fue de gira a México con El Otro Yo y se llevó la computadora para seguir laburando allá.

--¿Cuál es su balance de República?
Andy: --El disco rindió bastante más de lo que esperábamos. Una de las cosas que más nos enorgullece es que creemos que tiene un sonido con mucha identidad. Nos abrió los ojos a lo que es la unión que tenemos: íbamos a todos lados todos. El apoyo humano da la energía que se nota en la música y la convivencia en el escenario, en la sala, en la banda, como amigo. Para lograr lo mejor de nosotros la tenemos que estar pasando bien.

República lleva el sello de la Unión de Músicos Independientes y, por ahora, los Tracy Lord hacen su propio camino, pero con el disco en la calle hace apenas un mes, todavía no pueden saber qué rumbo tomarán las cosas. Por lo pronto, deben lidiar con los desafíos de la independencia, siempre poniendo a la banda como objetivo primordial.

--¿Cómo se relacionan la meta de sacar adelante la banda con la necesidad de trabajar?
Andy: --El trabajo es un hobby, el trabajo es éste. Salimos a laburar como una pantalla.
Matías: --Por ahora es un medio para vivir, pero desde el momento en que decidimos encarar esto, tuve sumamente claro que la prioridad es Tracy Lord. Partiendo de esa base, no vamos a ser ilusos y pensar que las cosas van a venir así nomás.
Pablo: --De alguna manera hay que juntar el mango, pero la apuesta seria es ésta.
Andy: --Tampoco es que buscamos guita. Nuestra felicidad está en tocar, ese es el momento número uno.

--¿Qué es lo que destacan de la autogestión?
Andy: --Tenemos muchas libertades como músicos independientes, pero creemos que no hay gran diferencia con lo que puede ser estar con una discográfica.
Pablo: --Es como un paralelismo entre laburar en relación de dependencia y ser cuentapropista. Como cuentapropista hacés más sacrificio pero tenés más satisfacción cuando se te dan las cosas, y de la otra manera podés desligarte de un montón de asuntos, tenés menos riesgos, pero quizás terminás cumpliendo un horario con reglas.

--¿Aceptarían la oferta de un sello?
Matías: --No hay que desechar nada, es muy difícil saber hacia a dónde vamos a apuntar. Tampoco es que estamos desesperados porque venga un sello.
Pablo: --Este momento nos pidió ser independientes. Vamos a explorar el camino de la autogestión porque el momento nos lo pide y en muchos aspectos está bueno. No sabemos lo que va a pasar mañana, en parte porque depende de factores externos a la banda, pero es bueno haber recorrido este camino y haber tenido esta experiencia.
Andy: --La pasamos muy bien haciendo lo que hacemos ahora, del modo en el que lo hacemos. Ojalá siempre la pasemos igual, estemos en la situación de vida que estemos.

jueves, 26 de noviembre de 2009

El arte, el amor y la necesidad zurcidos con el mismo hilo.-

Tras flotar en la nebulosa de la indecisión post-adolescencia, Uriel Valentín encontró la forma de volcar su vocación artística en objetos que, además de enamorarlo, le dan de comer: retazos de tela, carretes de hilo, pinceles y un poco de guata se transforman, cuatro horas de trabajo manual después, en miniaturas de Woody Allen, Julio Cortázar, Evita y Perón, entre los más de 100 otros personajes de la cultura popular joven --y no tanto-- que vende a través de un blog.

Por Luis Paz
Fotografía gentileza de Uriel Valentín

Buenos Aires, noviembre 26 (Agencia NAN-2009).- "Quiero entrar en tus cosas, revisar, abrir cada cuaderno y dejarlo en su lugar. Y buscar en tu libro de secretos del mar, darle cuerda a tus juguetes y verlos funcionar. Quiero estar entre tus cosas, quiero estar entre tus cosas". Es difícil precisar cuántas veces esos versos de Daniel Melero entonados por María Gabriela Epumer se reprodujeron en la conciencia de Uriel Valentín. La primera fue en algún momento de 2000, cuando la fallecida guitarrista y cantante recién publicaba Perfume y Uriel comenzaba el milenio con más dudas que certezas, más dificultades que posibilidades y más frustraciones que adornos. Casi una década después, esas relaciones cambiaron para el artista plástico de 27 años criado en Boulogne y curtido en Bellas Artes: ya sabe por dónde ir, aunque no sea el único camino; y algunos pesares se han ido, en buena medida gracias al buen momento del que gozan sus obras más conocidas, los muñecos de personajes de la cultura popular que vende a través del blog Mediodescocido.

De no haber sido por ese tema, las cosas podrían haber sido muy distintas. Y si el destino en verdad no existe, al menos Uriel sabe que dentro de un mes alzará la copa por la casualidad. "En el comienzo de la década, con 20 años y en plena crisis, ese tema me daba vueltas y vueltas en la cabeza. Quería regalarle algo a mis afectos pero no tenía un mango. Y en ese tema encontré la respuesta: un juguete, un muñeco, algo mío que al regalarlo quedara aunque yo me fuera de ese lugar o pasara lo que pasara". Cuando la iluminación llegó, en medio de una época oscura en la vida de Uriel, que por entonces recién se recuperaba del fallecimiento de su madre y recién salía al mundo adulto luego de recibirse en Bellas Artes y de terminar sus estudios secundarios en una nocturna, tomó retazos de tela, un carrete de hilo, pinceles y un poco de guata y le dio forma a un Kurt Cobain alado de unos 30 centímetros. "Eso es lo que generan las crisis, las económicas y las personales --y en su caso llegaron de la mano--: abrir la bocha para ver cómo sobrevivir". Luego vinieron las Frida, los Cortázar, las Marilyn, los Woody, las Evita, los Perón… pero para llegar a ellos, primero debió seguir sobreviviendo.

Clásico

"Creo que empecé a desear ser artista a los ocho o nueve años". Si el destino sigue sin existir, habrá entonces otra casualidad allí: su padre, Víctor Hugo, y su madre, Viviana, tuvieron mucho que ver con aquello. Ella escribía, él pintaba y las salidas a teatros, conciertos y galerías eran comunes en el hogar de Boulogne, en el partido bonaerense de San Isidro, durante la década del 90. "El arte siempre estuvo en casa y soy un agradecido de ese apoyo de mis viejos, que no siempre pudo ser económico, pero siempre me impulsaron a hacer lo que deseaba". Un momento rastreable ocurrió a mediados de los 90s, cuando Víctor Hugo encaró a Uriel con una de las mejores propuestas que un pibe de 12 años interesado en el arte puede recibir: "Estuve averiguando en Bellas Artes y podrías hacer tu secundario ahí, son todas materias relacionadas con el arte", así de simple.

Pocos años después, muchas cosas cambiaron. Viviana falleció como consecuencia de un cáncer, Víctor Hugo entró en shock y Uriel, con apenas 14, entraba a su juventud y a Bellas Artes a la deriva, con una seguidilla de dos repeticiones de grado en su secundario. Por una decisión ideológica suya y de su padre, que "siempre pensó que la educación pública aportaba otras cosas además de contenidos", aunque básicamente por la estrechez de dinero, Uriel siguió frecuentando Bellas Artes de tarde y se cambió a otra escuela por la noche. "En las escuelas del estado no estás tan mimado y eso hace que aprendas otras cosas: tantas libertades te ayudan a ponerte tus propios límites", concede. Y la nocturna completó su instrucción en la vida: "Cuando ves a compañeros de cuarenta o cincuenta que se rompen el orto laburando todo el día y a la noche van a estudiar, te caen las fichas y te ponés las pilas".

Pero era difícil: la partida de Viviana lo había dejado "en cualquiera, colgado de una nube" y fueron años difíciles, de evasión non sancta entre cebada y humo, y de instrospección divina en su modesto atril. "Fueron cuatro o cinco años en los no sabía qué hacer. Tenía mi título de magisterio pero no quería dar clases; intenté con la música pero sabía que no era lo mío. Así fue desde los 19 hasta los 23 o 24", hasta que, recordando la voz de Epumer, empezó otra etapa.

Contemporáneo

Se anotó en el IUNA con la firme decisión de sobrevivir con su arte. Pero no le gustaba la postura academicista que señala que allí --en los conservatorios, academias e institutos—se hacen los artistas. ¿Se nace artista? "En el magisterio estaba creído de que si no naciste con un talento artístico, fuiste, pero no es así. Muchos compañeros grosos, con una facilidad tremenda para dibujar, no sé dónde quedaron. Y otros, con muchísimo esfuerzo, llegaron a ser lo que quisieron. El artista se va haciendo. Las escuelas ayudan, pero no son lo único".

En esa época, comenzó a frecuentar Plaza Francia para intentar vender los muñecos que primero había pensado como regalo. "Los artesanos tienen otra filosofía, yo no soy tan hippie, aunque tuve mi etapa". Un día conoció el apriete de un artesano que lo mandó a mudar de allí si no hablaba con "el Indio". Uriel no planeaba pelearse con nadie para poder vivir y, desde la soledad de su cuarto, abrió un blog y con ayuda de las herramientas virtuales gratuitas, dio forma a Mediodescocido, su distribuidora online. Así generó contactos, algunos con chicas que creían que su arte era "tierno", aunque tal vez "demasiado"; otros profesionales que le valieron una exposición en la galería Appetite. "Y ahí vino el click y decidí apostar a esto", hace memoria.

Si bien Uriel es un artista plástico multifacético y realiza logrados cuadros en los que conjuga lo pop, la clase B, la psicodelia y el arte urbano, se hizo conocido por sus reproducciones de personajes de la cultura popular joven, no sólo rockeros, sino también pensadores, escritores, tangueros, cineastas, políticos, líderes carismáticos, personajes animados y de videojuegos. "Muñecos" que pueden ser muchas cosas a la vez: juguetes, adornos, peluches, figuras vudú u obras de arte, según los resignifican sus compradores. "Al ser formato muñeco, tienen características de juguete. Que yo les cambie el concepto es otra cosa, porque aunque los entienda como obras únicas y todas sean artesanales, cosidas distinto, pintadas diferente y con ropa variada, tampoco puedo estar pensando en qué van a hacer con ellas".

Su poder de decisión sobre venderlos o no llega hasta donde el conocimiento del fin del muñeco llega, pero no deja de estar atado a las necesidades económicas. Cuando le pidieron uno con clavos, pudo negarse. Lo mismo recientemente, cuando le pidieron figuras del matrimonio Kirchner pinchados como en una práctica oscurantista. "Es mi laburo y necesito la guita, pero siempre preferí resignar una salida, un recital u horas de sueño a entregarlo para fines con los que no concuerdo", destaca Uriel, vestido de camisa a cuadros y bermuda militar e investido de una mansedad más fácilmente rastreable que la alegría que le provoca sobrevivir con lo suyo.

Es un tipo curtido por la paciencia obligada por centenares de muñecos hechos. "Distintos habré hecho entre 100 o 120, no puedo decir cuántos con seguridad porque de muchos no me acuerdo y no tengo registro, porque recién hace poco pude comprarme una cámara para sacarles fotos y mostrarlos", se disculpa. Todo el amor que tiene por cada uno queda traspasado a la obra en entre tres y cuatro horas. A veces son cuatro o cinco figuras las que, al final del día, empaca en las cajas que su novia y concubina le ayuda a armar y diseñar. La cuenta no es muy difícil: algunas jornadas se extienden durante 20 horas. La razón tampoco: "Hay que comer". Sabe que la crisis no terminó, más allá de los titulares de los diarios, pero no extraña la década anterior: "Volvieron los 60s, los 70s y los 80s, y cuando regresaron todos festejamos. Pero los 90s son nuestra década infame; el arte, entonces, si no era careta, tenía una carga de desconsuelo que no sé si quiero recuperar".

Lo rescatable del menemato, reconoce, es que en esa época el arte urbano se revalorizó (o empezó a tener valor por vez primera en Argentina), de la mano de jóvenes irreverentes que cruzaron las estéticas de todo lo que tenían al alcance --videojuegos, libros, películas, bandas-- y sentaron las bases para que, diez años después, los artistas callejeros y también los independientes dejaran de ser parias y fueran mirados de otro modo. Porque en definitiva, de eso entiende que se trata su arte y también su trabajo: de resignificar. "Mi deseo hacia los muñecos es que a la gente les interesen, que los quieran aunque sea mínimamente como los quiero yo, que los alegren, que les sirvan para alegrar a otros". Aunque parezca un deseo aislado, responde a un concepto mucho mayor: "Hoy hay gente como uno que desea tener arte original en su casa, que no se conforma con que el arte sea para otras personas, de otros barrios o con otros trabajos. El arte puede ser para todos", asegura más que convencido.

A pocas cuadras o, como mucho, un colectivo hasta Once, el arte está disponible para todos en reproducciones de Klimt, Van Gogh o Rivera comercializadas en los Todo Por Dos Pesos. La competencia es, así, desleal para con los artistas que no desean seriar su trabajo, sino seguir haciéndolo de un modo artesanal. Y aunque los costos de eso sean muy altos aún, "todo se puede charlar", entiende Uriel. "Lo que más me importa es el interés de la gente. Si hay interés y no hay posibilidad económica, se charla. Lo esencial es que esté la pregunta: en el arte, el solo hecho de que te interese ya me parece una iniciativa re grosa". Y ése es el modo de hacer que representa y defiende hoy.

Moderno

Hacer futurología no es tarea ni del arte ni del periodismo. Pero la charla con Uriel, que no permite que el protector de pantalla se apodere de su notebook y sacude el mouse lentamente en cada ocasión que ocurre, entra en los carriles futuros: ¿qué viene ahora? ¿y después? "Sigo haciendo cuadros, aunque más para mí, y ahora que los muñecos se venden más eso me da un resto para quedarme algunos porque tengo la idea de exponer todo junto el año próximo", comienza. También señala que, aunque le encantaría poder producir más arte, no está dispuesto a que sus obras pierdan el aura: "Me ofrecieron ayuda y ponerme más gente, pero el arte no puede ser seriado, no tengo ganas de hacer reproducciones de mil muñecos iguales. Ahí si que lo que hago pasaría a ser como un peluche o un muñeco y no más que eso".

Olmedo, Luca y su novia parecen asentir sus dichos desde fotografías en la pared. Los mira y continúa: "No pueden seguir cerrándonos las puertas, el arte independiente es lo que pasa ahora y los espacios clásicos tienen que renovarse". Uriel habla entre sus herramientas, sus cuadros, sus muebles. Imaginarlo trabajando es como imaginar a Bukowski escribiendo encerrado en una habitación de hotel, en soledad, entregado al hacer.

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miércoles, 25 de noviembre de 2009

Muestra Ambulante: “Una excusa para cuestionar la cultura del miedo”.-

Exposiciones, recitales, obras de teatro y danza, muestras de historieta, graffitis, presentaciones de libros, talleres y proyecciones son sólo algunas de las actividades en las que se puede "intervenir" hasta el 5 de diciembre en la quinta edición de la Muestra Ambulante, montada en el barrio platense Meridiano V. El fin: “Discutir el barrio de las persianas caídas, donde la relación con el otro se da a través de la sospecha, y no por medio de la vocación de diálogo y la confianza”, explica Daniel Badenes, uno de los organizadores.

Por Carolina Sánchez Iturbe
Fotografía de Daniel Ayala

La Plata, noviembre 25 (Agencia NAN-2009).- Parece un sueño. Centenares de expresiones artísticas navegan en la calle, se acomodan entre baldosas y adoquines y descansan en rincones insospechados para, de la mano de quien las admire, cambiar de formas y sentidos. Una incontable cantidad de mirones juega a ser intervención, se convierte en parte de las veredas, las calles, las instituciones sociales, los comercios e incluso de las casas y garajes de los vecinos, que --en una escena aún más surrealista-- abren su privacidad al mundo para convertirla en un lugar de interacción. Mientras los cuerpos caminan por la quinta edición de la Muestra Ambulante, los roles desaparecen: el dueño de casa olvida el miedo a que su propiedad sea expropiada, el comerciante olvida el terror a la inseguridad, el visitante olvida el prejuicio y la timidez, el artista olvida su ego. Todos pasan a ser parte de lo mismo, conservando sus diferencias, aprehendiendo de ellas.
Un barrio cambia, la gente admite que el espacio público puede no ser de paso y sí de permanencia, de interrelación; no teme y se asocia con completos desconocidos.

Un barrio cambia. No es casual que Daniel Badenes, uno de los integrantes del Grupo La Grieta, colectivo cultural que históricamente se ha encargado de organizar esta movida (aunque desde hace poco se sumó a la tarea el Colectivo de Gestión Cultural y Comunicación Medio Limón), le jure a Agencia NAN que el arte “es sólo una excusa”. En la Muestra Ambulante se exhiben numerosas realizaciones artísticas provenientes de las más variadas disciplinas en las calles, los comercios, las instituciones comunales y las casas de Meridiano V, un barrio platense pintoresco por su estilo añejo, que se sostiene en el recuerdo de la vieja estación provincial de trenes que funcionó hasta la última dictadura militar. El tiempo se detuvo, la nostalgia reinó y algunos vecinos recuperaron el lugar para convertirlo en un centro cultural. Esos mismos vecinos, o quizás otros, son los que este año abren las puertas de sus casas ante el anuncio de la llegada de una nueva creación colectiva.

“La Muestra Ambulante es una intervención artística, pero también política y social”, asegura Badenes con convicción. Es que los objetivos de este programa multidisciplinario no se organizan únicamente en torno a la estética y el entretenimiento. Según el muchacho de cabellos rizados --que, aunque la cantidad de trabajo lo apremie, intenta tomarse el tiempo necesario para explicar su propuesta y la de sus compañeros--, la Muestra Ambulante procura poner en discusión “la ciudad y la sociedad que queremos”, porque a través del arte y de la “mixtura de lenguajes” se intenta plantear la necesidad de establecer redes sociales, de retomar los lazos con el que está al lado, para que las costumbres barriales emerjan y la gente nuevamente se adueñe del espacio público. “La muestra intenta discutir el barrio de las persianas caídas, de las cámaras de seguridad, de los vecinos en alerta, donde la relación con el otro se da a través del estigma y la sospecha, y no por medio de la vocación de diálogo, el saludo y la confianza”, explica Badenes.

Así es como los organizadores de la Muestra Ambulante aseguran conocer la dimensión política de la cultura y valerse de ella para intentar llevar a cabo una pequeña revolución con “la apuesta al lazo social: que no exista ni la lógica del espectáculo, ni los paracaidistas artísticos, ni los grandes nombres, sino la construcción colectiva”. Entonces, el arte se convierte en excusa “para el encuentro, para el diálogo, para cuestionar la cultura del miedo”. Uno de los modos que tienen los organizadores para estimular el diálogo consiste en la obligación explícita que deben cumplir los creadores: “No admitimos que no exista relación entre el artista y el comerciante o vecino que cede el espacio. Queremos que el artista que esté en la carnicería conozca al carnicero, sus prejuicios sobre el arte y sus expectativas; que haya también un encuentro ahí y no sólo en lo que provocamos después en los visitantes”, explica Badenes. En el intento de evitar lo que él denomina el “paracaidismo artístico”, que consiste en expositores que presentan sus propuestas sin interiorizarse en la vida cotidiana del barrio, los organizadores velan porque la movida pueda dejar rastros aún tiempo después de su realización, que se produzca una verdadera transformación del espacio, “un clima de confianza con el vecino, y que a éste le quede en la retina que se puede salir a la calle y que la puerta del garaje es mucho más que ese lugar para entrar el auto”.

A partir de la ruptura del límite entre el espacio abierto y el privado, los espectadores toman protagonismo. Esa posibilidad liberadora de recuperar los lugares comunes y de entender a las viviendas como sitios de encuentro es la que más tarde, a partir de la elección (prevista o casual) de las propuestas --que por rondar las 200 no pueden ser recorridas en su totalidad--, le permitirá al visitante construir un relato único. Por ello, Badenes discute la categoría de “público” y anhela que en la muestra no lo haya, sino sean todos “intervinientes”. Que se pretenda que reine una actitud de “tolerancia cero hacia el encierro” y que “se suba la edad para el juego y la risa” tampoco es casual: no sólo a través de la presencia en la calle se logra la reciprocidad de la gente, sino --y sobre todo-- a partir de lo lúdico, que permite desempolvar la vieja costumbre de jugar en la vereda apropiándose de ella.

Lejos de considerar a su proyecto como un acto superador, Badenes jura que aún hay numerosas discusiones que no pudieron ser resueltas en relación con los objetivos que persigue la muestra. Con la intención de ser un espacio en constante movimiento, el joven periodista asegura que las jornadas de debate que entablan con sus compañeros son numerosas y que siempre pretenden “subir la apuesta” e incluir más aristas a partir de las cuales reflexionar sobre la vida cotidiana. Así, a diferencia de la primera muestra realizada en 1995, el grupo ya no sólo pone el foco en el “enclaustramiento” que vive el arte en los museos, si no también en las costumbres de la sociedad actual y en el peligro de que Meridiano V sea un “circuito gastronómico y centro cultural” en el mapa platense. Por ello, la Muestra Ambulante se propone como un “cortocircuito”: hasta el 5 de diciembre las calles de ese barrio platense estarán constantemente intervenidas por artistas, vecinos y visitantes. A la par, el sueño de sus hacedores se ubica en el deseo de que la experiencia sea retomada por otros colectivos y La Plata se convierta en una ciudad de discusión.

Blog: http://www.muestraambulante.blogspot.com/
C. G. C. C. Medio Limón: http://www.mediolimones.blogspot.com/

martes, 24 de noviembre de 2009

Libros: Perfume de gol (Rodolfo Braceli, 2009).-

El cuentista y novelista mendocino entrega 17 microhistorias que recuperan y revalorizan el rol de las mujeres en torno del fútbol, como madres, hermanas y parejas, pero también como árbitros, como jugadoras y como ensayistas.

Por Facundo Gari

Buenos Aires, noviembre 24 (Agencia NAN-2009).-
Hace ya más de un mes, en la sede central del Standard Bank fue montada una pantalla gigante para que los empresarios y profesionales administrativos ligados a esa institución pudieran disfrutar del último partido de la selección nacional en las Eliminatorias para Sudáfrica 2010, frente a Perú. Habrán sido unos 50 los asistentes, cinco por ciento de mujeres, sumando en esa porción a las bellas promotoras que repartían guirnaldas y cornetas albicelestes a los recién llegados. Ese parece ser el lugar que el hombre ha dejado para las mujeres en este deporte (también en otros ámbitos), el de elemento decorativo. Y esto, avalado aún más por la (celebrable) ausencia de hombres en calzas azules repartiendo silbatos a las muchachas concurrentes. Sucede lo mismo en la televisión: se enfocan culos y tetas (incluso de una referí), y no pectorales velludos.

En un intento por abrir la cancha a las mujeres, el escritor, poeta y ensayista Rodolfo Braceli otorga en Perfume de gol (Planeta) diecisiete cuentos que las involucran como protagonistas de historias de potrero y pelota, narrados con la excelente prosa del mendocino y que renuevan la tradición literaria expuesta por Fontanarrosa, Eduardo Sacheri y Juan Sasturain, entre otros escritores. No se trata de relatos en los que las damas se hallen en un vestuario ajustándose los botines, aunque de estos también haya --como en María, sobre una muchacha que se trasviste para entrar en un equipo masculino de fútbol, aunque finalmente no pueda dejar de pensar en encamarse con uno de sus compañeros—. En rigor, son historias que incluyen a las mujer en variados aspectos del folklore futbolístico, sea en charlas de bar o en incidencias históricas sobre los acontecimientos más importantes del devenir esférico.

Entre estos últimos, en "Dalma Salvadora", la partera Pierina le brinda una serie de recomendaciones a la madre de Maradona para que su hijo salga Maradona.

-- En el tercer mes tendrás que hacer tres días de ayuno: sólo líquidos.
-- Pero voy a tener mucho hambre, Piernina.
-- Y él también. Así vendrá con hambre. Con hambre de gol, hambre de todo […].
-- ¿Y en el noveno mes qué tengo que hacer?
-- Desde el primer día caminar descalza por las mañanas. Descalza, sintiendo que la tierra es la espalda del mundo entero. Esto para que tu hijo venga mundial, ecuménico y planetario… barrilete cósmico…


Ya en "Eva", Bracelli supone que no hubo “pecado original”, y que la primera pareja fue expulsada del Edén por inventar el fútbol pateando manzanas. "Selva" le hace esa pregunta tautológica al hombre que tiene por marido: “¿Me querés más a mí o a Peñarol?”, y "Jacinta", nieta de Jacinto Chiclana, sostiene una charla con Jorge Luis Borges para luego escribir su tesis universitaria “Compasión por la pasión”, sobre la (falta de) relación entre este escritor y el fútbol. También lo incluye en "Leonor", que cuenta la única vez que el autor visitó un estadio, junto con su madre, para presenciar el clásico de Avellaneda (el 10 de marzo de 1957). Y, después, una entrevista a Omar Orestes Corbatta, que dormía en un viejo catre debajo de una tribuna del Cilindro de Avellaneda, con una pelota como "Ella" sobre la almohada.

Promediando el libro --y como último ejemplo del universo que Bracelli construye-- está "Josefina", la historia de una pareja muy pobre, que decide abandonar a su hija recién nacida en un portal antes que someterla a la miseria de su (falta de) economía doméstica. No tardan en arrepentirse y buscan la manera de solventar los gastos indispensables para la supervivencia de su primogénita: el padre intenta robar sin ser ladrón, la madre busca trabajo sin demasiado éxito y se pasan los días a sopa y lo que consiguen convidado. Tanta es la desazón que el hombre decide pegarse un tiro. Su mujer no logra convencerlo de la importancia de su presencia para la crianza de la hija, pero evita el suicidio con una frase durísima: “¡No vas a poder ver más a Platense!” Silbatazo final.

Sitio: http://www.rodolfobraceli.com.ar/

lunes, 23 de noviembre de 2009

El Soldado en Ultra.-

El cantante y guitarrista Rodolfo "Cacho" González presentó su reciente EP, Luna en el espejo, con una velada intimista en el bar porteño. Asociado al "aguante" desde su pasado como plomo de Los Redondos, El Soldado no vaciló a la hora de pedir tranquilidad y silencio a la concurrencia, a la que entregó una nutrida lista de canciones para el fogón.

Por Sergio Sánchez
Fotografía de María Luz Carmona

Buenos Aires, noviembre 23 (Agencia NAN-2009).- Sin ningún ritual que adelantara su salida al escenario, Rodolfo "Cacho" González ingresó con perfil bajo al bar, se acomodó en la silla y se calzó la guitarra acústica. Algunos aplaudieron y otros tardaron en registrar la llegada de El Soldado al centro de la escena. Pero los primeros acordes de "Puerto sin ley" y la voz de hombre nocturno del solista sirvieron de invitación para disfrutar entre cervezas bien frías de casi dos horas de canciones ideales para rasguear en un fogón. Sí, los temas de El Soldado parecen pensados para el formato acústico. Y más lo parecieron en la velada del sábado en el bar porteño Ultra, durante el cierre de la serie de recitales que el artista brindó en ese lugar para presentar su último EP, Luna en el espejo (2009), y revisar los cuatro discos en estudio y los tres simples grabados en doce años de carrera.

Más solista que nunca, El Soldado se presentó sin la banda que lo acompaña en vivo. Aunque no siempre estuvo solo, ya que su hermana, Zulma González, ayudó con los coros en algunos segmentos y el armonicista Luis Millán ofreció sus vientos. Y el público, primero tímido y luego con demasiado protagonismo, condimentó una noche diferente para la extensa carrera del cantante, guitarrista y compositor independiente, quien conoció el campo del rock tempranamente, cuando era plomo de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota.

En un formato intimista, González continuó con "Fue", de Visiones de un rompecabezas (2006), y "Pluma de águila", de De cardo y clavel (2000). Al mismo tiempo, algunos chicos comenzaron a sentarse frente al pequeño escenario y empezaron a rendirle culto con banderas y cánticos. "Pan y vino / pan y vino / pan y vino / pan y vino / el que no / grita El Soldado / ¿para qué / carajo vino?", coreaban. Pero Cacho advirtió, con tono amable, por primera vez en la noche: "Chicos, escuchen tranquilos, porque este show es para eso". Y no estaba equivocado, porque a continuación vino "Como dos capullos", una canción poética digna de escuchar: "Pero en sus ojos ella ve / lo que nadie puede ver / árbol que quedó en pie / retoña en primavera", recitó el cantante.

Sus canciones recuerdan, por momentos, a bandas de rock country, blues, folk y rock and roll de finales de la década del sesenta; y por otros evoca a las canciones con estribillos súper pegadizos de Patricio Rey, suerte de padrinos de la banda en sus inicios. De hecho, el guitarrista redondo Skay Beilinson grabó las guitarras en su primer disco, Tren de fugitivos, publicado en 1997, y el Indio Solari prestó su inconfundible gola en "Ángel de los perdedores" (infaltable en las radios especializadas en rock argentino) y "Trago especial", también de ese disco. La relación con la histórica banda siempre le sumó un plus de público a El Soldado, aunque el reconocimiento que tiene el solista dentro del rock local no se debe a favores sino a méritos propios.

"Ahora vendrá a cantar alguien que yo quiero mucho y fue una fuente de inspiración para mí", presentó Cacho antes de invitar a su hermana a sumar su voz. Así, "El Secreto", un bello e hipnótico tema de De cardo y clavel fue el primero que recibió los coros de la invitada de honor. Pero no sería la única incorporación, porque el inmenso (en tamaño y talento) Luis Millán aportó su virtuosismo con la armónica para reversionar "Tren de fugitivos" y los rock and roll's "El duro" y "Ella es", que se ajustaron a la propuesta de un show que invitaba a agudizar los oídos, dialogar en voz baja y reposar el cuerpo.

Sin embargo, el formato resultó un poco ajeno a los seguidores acostumbrados a los recitales en estadios y boliches, que no se pudieron separar del todo del "ritual" integrado por cánticos futboleros y trapos, propio del llamado "rock del aguante". Entonces, nuevamente González usó el micrófono para llamar la atención: "Hay tiempo para todo, respeten a los que quieren escuchar". Algunos se enojaron y se fueron. Otros entendieron el nuevo contexto. Pero más allá de ese pequeño inconveniente, la armonía y el clima agradable regresó, al igual que las canciones. Así siguieron "El coraje", "Lobo" y el atractivo blues "Inocente cuando sueñas", uno de los mejores pasajes del EP En marcha, publicado en 2008.

En esta línea, no desentonó "Canción de carretera", de Alas rotas. En el final del tema, Millán se cansó de estar sentado, se paró para jugar con su armónica y tocó un solo interminable. Luego, "Luna en el espejo", del homónimo EP, y "De Shelly a Emilly D.", de En marcha, comenzaban a cerrar la lista oficial. Pero si de repasar se trata, no podían faltar los clásicos de los primeros años de carrera: "Boleto de empeño", "Ángel de los perdedores", "Polvo y blues", "Veneno sabor miel", "Trago especial" y "La gran margarita", que conmovieron a los seguidores más viejitos. Ya no había más lista. Entonces, desde el fondo gritaron: "Tocá Rojo-tibio rufián, Cacho". Y como todo era tan intimista y el espacio tan reducido, el cantante escuchó y complació el pedido.

Pero antes de despedirse, el músico que tiene un lugar merecido en la historia del rock local se fue silbando "El Cofrecito" y pareció resumir su noción de la música: "Recorro los caminos, voy silbando mi canción / nacido bajo signo de sueñero corazón / infinito es mi dominio, yo cultivo rock & roll /guardo en un cofrecito todo lo que hay que saber / será mejor si en tu camino silbas una canción /tu canción".

Sitio:
http://www.elsoldado.com.ar

viernes, 20 de noviembre de 2009

Día negro.-

Cada 20 de noviembre se festeja el Día de la Conciencia Negra, en homenaje a Zumbí y para retomar, de él, la fuerza y la fe para acabar con la opresión de este pueblo. Muchas actividades hubo a lo largo de la jornada, entre ellas una "ronda" masiva de capoeira dirigida por Marcos Gytauna, quien junto al antropólogo Eduardo Urbano hablaron con Agencia NAN para intentar rastrear los aspectos negativos que se le han dado a lo negro.

Por Daniela Bonamino
Fotografía de Agencia NAN

"No sé si se nace santo,
pero sí se nace negro.
¿Podrá un negro hacerse santo
o un santo volverse negro?"

(Agapito José Carrizo)

Buenos Aires, noviembre 20 (Agencia NAN-2009).- ¿Qué implica ser negro? El 20 de noviembre es una buena fecha para hacerse esa pregunta, ya que se celebra el Día de la Conciencia Negra, en conmemoración a la muerte del líder negro y antiesclavista Zumbí. Según el diccionario de la Real Academia Española, "conciencia" es la propiedad del espíritu humano de reconocerse en sus atributos esenciales y en las modificaciones que en sí mismo experimenta. Suele también concebirse como el conocimiento interior del Bien y del Mal. Sin embargo, no hay diccionario que defina qué es el Bien y qué es el Mal, cuál es el buen o mal uso que una sociedad le aplica a los términos. Es el sentido con el que se cargue esa conciencia lo que determinará los usos que los individuos apliquen cotidianamente. Muchas veces se cree que en Argentina no hay conciencia negra. Pero no es así.

Los hechos demuestran lo contrario, ya que existe una construcción conciente del término, aunque suele dársele un uso irreflexivo. Lejos de estar asociado a revalorizar la opresión de una raza invisibilizada por siglos, se aloja en el lenguaje cotidiano en el insulto más cercano: “negro”, “negrito”, “cabecita negra”, “negro de mierda”, “trabajo en negro”, son algunas de las acepciones comunes. No es casual ni responsabilidad absoluta de los argentinos que se dé estos usos a "lo negro", sino que es el resultado del ataque que esta raza sufrió durante el período de esclavitud lo que hizo que se traspasara al lenguaje cotidiano y la constitución de los sentimientos nacionales que, como en el caso de Argentina, han buscado forjarse bien lejos de todo lo que no sea de un blanco católico y europeo.

Según el antropólogo Eduardo Urbano, en Argentina hay dos grandes etapas en cuanto a la invisibilidad del negro. La primera tiene que ver con la ingeniería social de la república, en la que se buscó eliminar todo lo que no coincidía con el modelo que se pretendía imponer: en eso, al silenciamiento de lo negro se sumó a la aniquilación de los aborígenes. Y la segunda es la de la naturalización del proyecto que triunfó y que logró traspasarse a lo cultural, donde entra la propia negación de la identidad del negro para poder insertarse en el ambiente social que lo rodea.

"Cada 20 de noviembre se celebra el Día de la Conciencia Negra en conmemoración al fallecimiento de Zumbí, con el fin de que sus ideales permanezcan eternos" anunció uno de los organizadores del encuentro que se realizó este viernes en la Asociación Argentina de Capoeira. Zumbí fue el líder del Quilombo de Palmares, el más importante espacio de resistencia de africanos, pueblos originarios y blancos marginados que tuvo la región hoy llamada Brasil en tiempos de la esclavitud.

"Quilombo" es una palabra de origen africano que designó en Brasil a los emplazamientos donde vivían ex esclavos que habían huido de las plantaciones y del dominio de los esclavistas portugueses. La palabra “quilombo” también ha sufrido un uso peyorativo y suele asociarse a aquello que está fuera de orden, que implica lío, barullo, gresca y prostíbulo.

Marcos Gytauna es maestro de capoeira y lidera la Asociación Argentina de Capoeira. Según él, el origen de la capoeira debe rastrearse en las guerras que se desarrollaron en los quilombos, donde "la tradición oral afirma que los negros se defendían con movimientos extraños que lograban desarmar a los portugueses". Por eso, en la actividad que coordinó hoy, invitó a los capoeristas de todos los grupos a unirse "en una gran roda para recordar la muerte de Zumbí y tomar conciencia sobre la dolorosa experiencia de los africanos que vivieron la esclavitud en América".

Zumbí, en lengua afro, quiere decir guerrero, y fue ése el nombre que adoptó cuando pasó a asumir la lucha contra la esclavitud en el Quilombo de los Palmares. Liderando una guerra civil contra los portugueses, pasó cerca de 14 años en una intensa batalla hasta que en una emboscada fue asesinado. Su cuerpo fue mutilado y su cabeza separada y enviada a Recife, en Pernambuco, donde fue expuesta en la plaza pública. Eso ocurrió el 20 de noviembre del 1695, y Zumbí quedó en la historia como el gran líder de la "primera república verdaderamente libre de las Américas".

Hoy, la fecha es conmemorada en todas partes de Brasil con celebraciones que recuerdan el coraje, la fuerza y la fe de Zumbí. Vale rescatar la importancia de la celebración de esta fecha, inmiscuida en una historia latinoamericana que se ha forjado valorizando a los personajes de color blanco, como si la historia del continente hubiese sido construida únicamente por europeos y sus descendientes. Es por todo esto que la conmemoración de la muerte de Zumbí no sólo implica la valorización de un líder negro en la historia de Brasil, sino que funciona como un símbolo para toda Latinoamérica en la recuperación de la identidad arrebatada.

Es que en el nombre de Zumbí se encarnó y encarna el reclamo por el reconocimiento, el respeto y la igualdad de derechos de todos aquellos que se encuentran en condiciones de injusticia. Y su resistencia pasó así a ser un legado, un símbolo de libertad.

jueves, 19 de noviembre de 2009

Libros que viajan.-

Libros que giran, libros con alas, libros a la deriva. En fin, libres los libros. De eso se trata la campaña que llevan adelante desde hace casi un año dos publicistas que promueven el "tráfico" de libros de una manera muy original: dejarlos en la calle como si fueran olvidados para que quien lo encuentre, después de leerlo, repita la operación y alimente la circulación de textos. “La idea es que la gente lea un poco más, pero sobre todo buscamos que las personas opten por hacer algo por el otro", afirman los creadores del proyecto Yo leí este libro.

Por María Daniela Yaccar
Fotografía de Sofía Lobo

Buenos Aires, noviembre 19 (Agencia NAN-2009).- Yo leí este libro tiene aires a esa historia cortazariana en la que un diario abandonado en un banco de plaza muta en un montón de hojas impresas y que, cuando alguien se apropia de ellas, retornan a su condición original. Con la salvedad de la metamorfosis final, según la cual esas hojas se utilizan para empaquetar medio kilo de acelgas, la secuencia de acciones que proponen Federico Sordo y Germán Barbato es la misma que supo retratar el genio escritor: dejar libros en lugares en los que parezcan olvidados para que quien los encuentre repita la operación. “Buscamos que la gente lea un poco más, pero la idea trasciende la cuestión cultural. Tiene que ver con el compromiso con el otro y con rescatar valores sociales”, definieron los creadores de este “tráfico”, como les gusta llamarlo, un modelo que ya fue importado en otros países.

En enero de este año, Federico y Germán tuvieron una simple pero gran idea: compraron libros baratos y empezaron a distribuirlos en bancos de plaza y cajeros automáticos. Por fuera, y con la idea de que parezcan dejados a la deriva, sin querer, no había ninguna señal de que formaban parte de su proyecto. Pero en la primera hoja todos presentaban una serie de “instrucciones a seguir cuando uno encuentra un libro sin dueño” en las que todo está permitido --¡hasta venderlo!--, excepto quedárselo: “Ése no sería un buen gesto de su parte. Porque no sólo se estaría quedando con el libro, sino que estaría privando a alguien que lo pueda leer”. La decisión ideal del transeúnte no distraído es que se lo lleve a su casa, claro, pero no sin después “dejarlo en el lugar que prefiera para que otra persona lo encuentre”.

La iniciativa surgió de un concurso académico --ambos son estudiantes de publicidad-- que invitaba a crear una gráfica para fomentar la lectura. “Sentíamos que con una imagen no pasaba nada, y se nos ocurrió esto que es más dinámico”, recordó Germán en una charla con Agencia NAN. El siguiente paso fue empezar a pedir donaciones. Ahora, sus impulsores van por más: lo que quieren es desconcentrar la actividad de ellos mismos para que ande por sí sola y adquiera mayor dimensión. En la página web del proyecto están disponibles las instrucciones en formato "pdf" para que la gente las descargue y las añada a los materiales de los que guste desprenderse, para que otros le extraigan el jugo a la afrodisíaca fruta de un par de palabras.

Con el objetivo de hacer un seguimiento de esa cadena de favores que ya empezó a constituirse, los jóvenes solicitan a través de su blog que la gente envíe fotos y comentarios. "Porque si esto no sucede, es complicado medir sus resultados", afirman. El único “dato duro” que puede traerse a colación es la cantidad de libros que dejaron por allí Federico y Germán: aproximadamente 110. A eso se suman los testimonios que la gente deposita en la página web --que ya tiene más de 6.500 visitas---, y sus cuentas de Facebook y Twitter. “La respuesta fue bastante grande, ayudó mucho el avance de la comunicación”, destacó Federico. Un detalle estimulante es que la propuesta es for export. A saber, ya se replicó en Francia, Colombia, Costa Rica y República Dominicana.

Un proyecto anterior a Yo leí a este libro es Book Crossing (BC), una organización que actúa a nivel mundial. Lo que los separa son diferencias económicas y conceptuales: BC cuenta con apoyo estatal e informa sobre la ubicación y la hora en que los libros se vuelven huérfanos, y todos ellos llevan un número de identificación que se inserta en una base de datos. “No sabemos a dónde queremos llegar con todo esto, por eso es que todavía no pensamos si queremos conseguir apoyo oficial”, aclaró Germán. Lo de las coordenadas es una práctica que los impulsores de Yo leí este libro sólo llevan adelante ocasionalmente, porque prefieren “lo descontracturado”: la ruptura de la cotidianidad, el acto poético que va desde dejar un libro en la calle hasta tropezar mágicamente con él.

“La gente no sabe bien cómo reaccionar. Lo más común es que no le presten atención al libro. Son pocos los que agarran de una… En general se van, vuelven, ven si no los mira nadie y recién ahí lo llevan. Pareciera que le tienen miedo a que haya una cámara oculta. Una vuelta dejamos uno en un subte. La persona lo vio, bajó y empezó a atarse los cordones mientras lo relojeaba”, ilustró Germán. Lo importante es que el que pase por la experiencia entienda que “por el sólo hecho de encontrarse con un libro ya es parte de algo, tiene una responsabilidad”, añadió Federico.

Yo leí este libro representa también una ruptura del libro en tanto fetiche cultural. “Nosotros no somos asiduos lectores y no creemos que el libro de por sí tenga un valor. Sin embargo hay mucha gente nos dice ‘apoyo el proyecto pero no te voy a dejar ninguno de mis libros’. Lo que buscamos es que las personas opten por hacer algo por el otro”, recalcó Federico. Mientras más tomen esa decisión, montones de hojas impresas que descansan en paz en cualquier biblioteca hogareña tendrán la posibilidad de resucitar. Volver a ser en las manos de alguien para ser otro montón de hojas impresas por sólo un rato y volver a ser en las manos de otro alguien y volver a ser un montón de hojas impresas y volver a ser en las manos de otro alguien... (ad infinitum).

Blog: http://www.yoleiestelibro.blogspot.com/

miércoles, 18 de noviembre de 2009

"Intensidades de Mujer" en el Bauen.-

El hotel recuperado por sus trabajadores fue el escenario donde algunas de las 18 mujeres presas o en libertad desde hace no mucho tiempo, junto con el ideólogo y coordinador del proyecto, el periodista Oscar Castelnovo, presentaron un libro que, además de compendiar cuentos, poemas y cartas escritas por ellas tras las rejas, pone a disposición de quien lo lea un informe sobre el estado de quienes habitan las cárceles bonaerenses.

Por Nahuel Lag
Fotografía de Sofía Lobo

Buenos Aires, noviembre 18 (Agencia NAN-2009).- “La Rusita” pasó casi dos años recluida en la Unidad Penitenciaria de Ezeiza y ahí se encontró con la literatura como un puente a la libertad. “Había que buscar una salida y yo encontré la libertad escribiendo”, recuerda. Es que hace tres años que consiguió caminar las calles y lo hace todos los días mientras se gana unos pesos paseando perros por la ciudad de Buenos Aires. Hoy habló con Agencia NAN sentada en una escalara, en las puertas del salón de eventos del Hotel Bauen, mientras esperaba que llegaran los invitados a la presentación del libro Intensidades de Mujer, una producción que recopila aquellos textos que la ayudaron a “salir de adentro” junto a los de otras 18 mujeres que fueron sus compañeras. Textos que hablan de la bronca de los derechos vulnerados, de la pasión del amor tras las rejas y de las ansias de Libertad, aunque algunas de ellas siguen recluidas.

Oscar Castelnovo es coordinador e ideólogo del libro que dedica “a las chicas de Ezeiza: Para la Libertad”. Oscar es periodista y llegó a conocer a todas las escritoras porque entra a los penales para tomar notas de sus historias y denunciarlas, pero también para brindar talleres periodísticos. Ese compromiso produjo que lo directivos del penal le prohibieran la entrada por nueve meses. Con “La Rusita” se conocieron en un colectivo cuando él iba comentando uno de sus textos publicado en una revista del penal y ella de visita al lugar donde “te inspira desde al maltrato hasta el no poder ver un atardecer”. Su manera de superarlo fue “escribir con ironía, escribir cuentos eróticos. Imaginate, ahí adentro rajas las paredes”, se ríe “La Rusita” de aquel pasado de pabellones repletos de mujeres donde la soledad no es posible, donde suena cumbia y rock and roll y donde los amoríos también existen.

En el salón ya están todos acomodados: amigos, familiares, integrantes de organizaciones sociales y de Derechos Humanos, militantes. La escritora en libertad se levanta y va a ocupar su asiento; está ansiosa por ver a sus compañeras que con el permiso de los jueces debían venir en micro desde Ezeiza. Entre ellas, “La Galle” --hija de desaparecidos, militante de H.I.J.O.S., condenada a 30 años por la justicia brasilera por un secuestro en el que quedaron dudas sobre su participación-- y Claudia Sobrero –condenado a cadena perpetua por asesinato, recibida de Socióloga dentro del penal e impulsora de talleres de arte--. No podrá hacerlo ya que, celadores y Servicio Penitenciario mediante, no lograron llegar al Bauen.

Tras la noticia, “La Rusita” reconocerá que no la sorprende. El cronista tampoco se sorprende cuando recuerda las palabras de la rubia que hoy tiene sus textos editados: “Una vez me encontraron un texto en la celda y me dijeron: ahora el pabellón se pone hippón”.

Está tapada con un velo blanco, no tiene rostro, no tiene identidad. Comienza a abalanzarse entre las rejas, comienza a abrir puertas: una, dos, tres, cuatro. Su rostro ya se ve, aunque tenso. También su cuerpo. Parece que es la última puerta. Se escuchan los pájaros, el aire en la cara. El cuerpo se descontractura. Recuperó su libertad. Es la actriz Mirta Israel interpretando cualquiera de los textos de las 18 mujeres.

Oscar toma la palabra y avisa que “este no será un acto protocolar toma-tú-que-te-toca-a-ti”. Y va a quedar claro, los focos iluminarán toda la velada a una mesa y a un juego de sillas que, ubicados en el centro del escenario, quedarán vacíos por el resto de la velada hasta el final. Los oradores subirán, tomarán el micrófono, dirán sus palabras de pie y bajaran a mezclarse entre el resto de los pares. Libertad.

La primera en tomar la palabra es María del Carmén Verdú, abogado integrante de la Correpi, que no dio vueltas: “En los últimos diez años la cantidad de presos en Argentina se duplicaron; estar preso es la segunda causa de muerte provocada por la fuerzas de seguridad estatales; el 39 por ciento no tiene condena; hay una hacinamiento del 700 por ciento”. Es que el libro no es sólo un compendio de los trabajos que ellas realizaron dentro del penal, sino que también cuenta con un anexo documental en el que se resume el Informe 2009 del Comité contra la Tortura sobre las cárceles bonaerenses y una entrevista a la directora Ejecutiva del comité.

“Wally” hoy está en libertad y en muletas llegó hasta el Bauen para participar de la presentación del libro editado por América Libre, en el que aparecen también sus textos. América Libre, a diferencia de la primera editorial que se encargaría de llevarlo a las calles, no puso reparos ni en las denuncias, ni en las escenas de amor lésbico de los cuentos. Toda la sala se mantiene en silencio mientras ella relata en primera persona uno de sus escritos, aquel en el que cuenta los encuentros en una pieza de Devoto con su esposo cuando él, como ella, estaba preso. “No sólo las cárceles tienen rejas, afuera también las hay. Cuando salimos nadie nos tendió una mano. El libro es importante para no nos prejuzguen”, explicó la mujer que estuvo dos años y nueve meses presa para luego ser sobreseída de culpa y cargo.

Lidia fue la tercera escritora que participó de la presentación y recordó que en el taller literario del penal “estaba más libre que los uniformados. Pero al salir sufrió la cadena perpetua” que impone la sociedad. A Lidia la rechazaron de 30 trabajos y participa del Foro de Encierro del Inadi por el reconocimiento de los derechos de los recluidos. “El dolor del encierro hay que expresarlo a través de libros o pinturas, es necesario”, resaltó.

Entonces, tanto hablar de textos y relatos dio sed de arte. La locutora Liliana Downes se hizo un lugar en el escenario para recitar la “Entrevista a un par de zapatos viejos”, de puño y letra de Belén, que lleva dos años en el penal de Ezeiza.

Pero no hay escritoras sin taller. Alcira Daroqui es una de las profesoras del taller literario del Penal. “Subo con el libro porque me sostiene”, aseguró. “La memoria sólo es posible al poner en diálogo el pasado y el presente. Y en el presente está este libro que es una puerta hacia el afuera, es una práctica de resistencia. Hay que celebrar la palabra”, escribió en el aire Daroqui.

Con tantas personas presentes que pelean con la palabra libertad como zanahoria no faltaron las referencias repetidas a Osvaldo Bayer, que no faltó a la velada. Según el historiador ya estaba todo dicho y documentado por los presentes y por un libro que hay que “promocionar para que se lea en las universidades y en el último año del secundario”. Entonces, fue sintético y resumió el espíritu de la producción literaria citando un fragmento del himno nacional: “ved en trono a la noble igualdad. Libertad. Libertad. Libertad”.

martes, 17 de noviembre de 2009

Discos: "EU! Fábrica de Música Volumen 1" (Varios artistas, 2009).-

Dieciséis bandas emergentes de la Ciudad de Buenos Aires participan del compilado realizado en Estudio Urbano. El disco es una postal que demuestra que los resultados son mejores cuando, en lugar de perseguirlos, se apoya a los artistas jóvenes desde el Estado.

Por Luis Paz

Buenos Aires, noviembre 17 (Agencia NAN-2009).-
Nobleza obliga: en ese páramo cada vez más yermo que es la Ciudad de Buenos Aires para el arte independiente, aún existen espacios oficiales que hacen su aporte a la cultura joven. Dejando de lado las apreciaciones sobre el doble discurso cultural del gobierno porteño, que por un lado patrocina actividades como Ciudad Emergente y proyectos como Estudio Urbano y por el otro persigue a las instituciones culturales autogestivas, se puede afirmar sin peligro de incoherencia que el trabajo registrado en EU! Fábrica de Música Volumen 1 es un buen ejemplo de cuando la predisposición oficial se junta con las ganas y las necesidades de los jóvenes artistas porteños.

El disco es la primera producción discográfica grabada y realizada íntegramente en y por Estudio Urbano, un espacio dependiente de la Dirección General de Música del Ministerio de Cultura porteño. Incluye dieciséis canciones de artistas emergentes, grabadas durante 2008, el primer año de trabajo del estudio. Los estilos son de los más diversos, un poco en la búsqueda de reflejar la amplitud de proyección de los artistas del under porteño. Así conviven el ambient, el folklore, el reggae, el punk, el rock rioplatense, el funk, el jazz y el hip-hop.

Tantos ingredientes corresponden a las diferentes orientaciones estéticas de las 16 bandas participantes: Delfa apenas soporta, con "Greta Garbo", la apertura del disco; Circulando, con "Descartá", presenta un rock and roll descomprimido que, a la vez, es crítica social; Pink Champagne, con la flemera "Vainillas", presenta otra denuncia clara; Paisajes Trágicos, mediante "Reflejo Irish", se presenta como un combinado de power pop oscuro; Inmaduros, "Abrazo de rock" mediante, mezcla con buen resultado el rock con instrumentos folklóricos; y Los Super-Trooper & The Guachiguaguas, con su canción "Hazte la fama", reviven el rock argentino de los 70s con guiños a las interpretaciones vocales de los 80s.

"Pan y circo", de Inercia, provoca un quiebre en la sonoridad de la obra, seguramente por encontrarse bastante más ensamblados y con una dirección musical más clara que el resto de los participantes. Lo mismo sucede con "La curva", de Siddharta Spiritual Project; y la folklorísima "Confío", de Tovien. En "Escapar", Soul Freedom Band incorpora el reggae; mientras "Azul marino", de Siguen, aporta el descanso de la canción semiacústica. Renzo Sinisi, con el ostentoso "Capaz fueron las últimas ráfagas de alguna apreciación", entrega una interesante canción a la que le faltan varias vueltas; en tanto que Duna, con "No bailo como la gente normal", moderniza el compilado para la pista de baile.

EU! Fábrica de Música Volumen 1 va llegando al final con "Inútil arte", de la Orquesta Cínica; "Si no fui", de Puente Bordalesa; y "Fainá rellena", de 2 ambientes. Lo que queda, en primera instancia, es una postal multicolor de la música que está siendo producida en Buenos Aires por jóvenes sin acceso a sellos discográficos, ciclos de moda o espacios periodísticos especializados. Luego, el disco es una buena carta de presentación para muchas de esas bandas, más o menos prescindible según la historia de cada cual, pero no por eso menos importante. Y, en definitiva, lo anunciado en un principio: un documento que demuestra que apoyar a la cultura obtiene mejores resultados que reprimirla y perseguirla.

En ese camino, por fuera de cualquier funcionario y, obviamente, de las bandas, las tareas más importantes fueron las de los jóvenes alumnos de los cursos dictados por Ezequiel Black (arte de tapa), Matías Capelli y Leandro Frías (comunicación y management), Joaquín Cambre (videoclip) y Karin Idelson (fotografía), quienes pusieron sus conocimientos y facilidades al servicio de las dificultades de los 16 grupos, quienes en primera y última instancia son los grandes protagonistas de este compilado.

* Delfa, Puente Bordalesa, Circulando y la Orquesta Cínica cierran el ciclo de recital de Estudio Urbano en el Parque Centenario el domingo 29 de noviembre desde las 16, con entrada gratuita.

lunes, 16 de noviembre de 2009

Estado de Caos Permanente en el Centro Cultural Islas Malvinas.-

Con la clara premisa de "desconectarse para soñar y conectarse para actuar", más de una docena de colectivos artísticos audiovisuales y musicales se dieron cita en el espacio cultural platense para mostrar su condición rebelde en un festival nutrido de DJ sets, recitales, proyecciones y un concepto cyber-punk.

Por Guillermina Watkins
Fotografía gentileza de Daniela Silva

La Plata, noviembre 16 (Agencia NAN-2009).- Hijos del rigor, los platenses siempre arrancan tarde. El sábado pasado, por ejemplo, ante un sol que no llegaba a amedrentar la espera de dos horas con la que comenzó el festival Estado de Caos Permanente, que reunió expresiones artísticas locales y porteñas que utilizan medios digitales en su producción o en la puesta de escena. Como un relato de Orwell, Dick o Bradbury, esta vez el festival de nuevas tecnologías aplicadas al arte conceptual se basó en una idea futurista: la de la la sublevación de los artistas rebeldes frente al sistema de Control Central, partido unipersonal que mantiene anestesiada a la sociedad en 2040.

Con esa idea, el espacio del Islas Malvinas se dividió en tres durante la primera jornada. En el patio central se ubicaron los DJs Ale Gamba, Clan DJs y Finger Vodoo, que sacudió las bateas hasta bien entrada la noche del sábado. También Ayelén Zeballos y Florencia Kaneshiro, exponiendo en el sector ARTE. En dos cuartos aledaños se intentaba desarrollar la rebeldía musical: RodyTodd, con proyecciones a cargo de Los Amigos de la Imagen, fue calentando el sector ciber-punk para dejarle lugar, más tarde, al hip hop de I Need to Take my Medicine, que hizo bailar a más de uno. Mientras tanto, en el cuarto de reflexión, los grupos multimedia Dragg and Dropp, Amigos de la Imagen, Sarna y Watio convidaban a la gente sus instalaciones multimedia en 3D, con capturas de movimiento en tiempo real.

Minutos más tarde, y en un clima de absoluta intimidad, se subió a los escenarios centrales Electrochongo, el artista porteño (anteriormente conocido como Capitán FOK) que siempre es bien recibido en La Plata y que deleitó con sus canciones pop al público que casi colmaba el patio del Malvinas. El cierre estuvo a cargo de Chico Ninguno que, impuntual, coronó su noche a las dos y media de la mañana.

Al otro día, con una concurrencia más variada, a las seis de la tarde comenzó la segunda jornada de Estado de Caos Permanente, la más cumplidora de las dos. Con un DJ set más variado, el patio central recibió esta vez a artistas platenses como Le Villera, Juan Romero y la visita de Maga Lee, una DJ porteña que viene pinchando hace varios años drum & bass por las noches. Con algunos problemas técnicos, logró ser la primera en obligar al movimiento con sus ritmos rotos, entrecortados o circulares.

En la pieza performática todo continuó igual que el día anterior, permitiendo un espacio de interacción con el público y su acercamiento a las nuevas tecnologías. Mientras que en la pieza cyber–punk, aún con una Maga Lee que esperaba que los imprevistos técnicos se solucionaran, la “familia” platense se fue acodando entre las luces de colores y las proyecciones de Amigos de la Imagen para ver a Umagrama, banda electro-pop de la ciudad que ya cuenta con varias presentaciones y un público amplio.

Más tarde y en el mismo escenario, Maricas Malas Programadas Para El Mal --un dúo trasvestido-- deleitó a sus seguidores con sus canciones maricas y hasta Juan Cruz (la marica más mala) simuló parir en vivo. La clave bizarra de la noche terminó cuando Reanimator subió a tocar y fue calentando al público que esperaba a que Charlie Jackets coronara la noche con su electro-punk.

Y llegó nomás el momento en que todo el caos vespertino pareció acomodarse, para llevar adelante una de las premisas por la que esos artistas rebeldes se habían reunido: "Desconectarse para soñar y conectarse para actuar". Lo que se materializó en el momento en el que las bases electrónicas de Charlie Jackets comenzaron a sonar, y sus cuatro integrantes brindaron un show cautivador con sus clásicos de siempre --que cuenta con versiones de Los Brujos, Nirvana y Flema-- y un gran show performático por parte de sus integrantes, que no dudan en rockearla ni un minuto.

En un show de un poco menos de una hora, el descontrol del artista rebelde que vive en estado permanente de caos quedó demostrado con el cierre de los Jackets. Como también quedó en evidencia que gracias a ellos y a todos los artistas que se presentaron, la electrónica de los rebeldes tiene sabor a rock.

viernes, 13 de noviembre de 2009

Cabe Mallo: "Todavía conservo una actitud de vida muy punk".-

En una entrevista que terminó convirtiéndose en una charla casi íntima, Agencia NAN tuvo la oportunidad de descubrir que, detrás del hombre conocido como "el padre" de los matchs de improvisación en La Plata, se esconde un artista full-time, un topógrafo de la vida cultural platense en los últimos 20 años.

Por Guillermina Watkins
Fotografía de The Dark Flack (www.thedarkflack.com)

La Plata, noviembre 13 (Agencia NAN-2009).- Dicen que el buen perfume viene en envase pequeño, pero también el veneno. En este caso, es la primera opción: nada de venenos, nada de malos sabores, simplemente mucho arte envasado en el metro sesenta y ocho que mide Roberto Mallo --para los platenses, "El Cabe"--. El reconocido "importador" de los matchs de improvisación a la ciudad de las diagonales deja caer de su boca frases certeras sobre la vida cultural de La Plata de finales de los 80s y principios de los 90s. Músico, actor, performer, docente, dibujante y también escritor, este hombre de 41 años sorprende con su vivacidad a quien tenga la oportunidad de conocerlo. Bienvenidos al mundo de uno de los personajes más populares y carismáticos del arte de la ciudad cuadrada.

--¿Cuándo comenzó tu relación con el arte?
--El otro día encontré una carpeta con un montón de dibujos de cuando era chico y me di cuenta de algo buenísimo: que en la actualidad dibujo con la misma teoría constructiva que a los siete. Supongo que la cuestión del teatro fue una cosa más rara, porque cuando uno es niño actúa todo el tiempo no hay cosa más teatral que un chico , pero después eso queda tapado en la adolescencia por cuestiones sociales. En la secundaria tuve como unos "destellos" teatrales cercanos al happening y organicé unas muestras horribles de arte, pero creo que canalicé por otros lados.

--¿Y ahí es cuando empezaste a hacer música?
--Sí. Terminé el secundario y me metí en la Facultad de Bellas Artes, me agarró como una especie de ataque renacentista. Ahí armamos Topografía Difusa con Federico Mutinelli (actual bajista de Mostruo!) y con Rudie Martínez (de Adicta). Era finales de los 80s y estábamos en la crisis alfonsinista de hiperinflación. Hubo un despertar dark y nosotros un poco encarnábamos eso: escuchábamos Eisutzende Neubaten, Cabaret Voltaire, Pere Ubú, íbamos a los programas de radio y los arruinábamos con esa música, les poníamos lo más inescuchable del darkismo. Con esa formación tocamos una sola vez en La Plata y otra en capital. Usábamos una caja que era como una computadora monofónica y no podíamos hacer muchas cosas; pero me encantaba, era todo muy punk aunque fuéramos promiscuos con la música.

El Cabe le muestra a Agencia NAN una joyita que ni Rudie tiene en su poder: una foto de la primera formación de Topografía Difusa. El tecladista de Adicta, alto, flaco y glamoroso, ya combinaba una bombacha de gaucho con unos lentes modernos como los que se usan en la actualidad; el Cabe, con lentes más beat y vestido de negro con camisa sin cuello --"pero no al estilo Mao". Fue tomada antes de la única presentación de la banda en la ciudad. "En ese show tocamos con dos amigos invitados, uno estaba en la trompeta y el otro era Manuel Moretti (Estelares), al que conocíamos de un bar al que íbamos todas las noches: El Taller. Ahí Manuel era mozo y recién empezaba con su primera banda, Licuados Corazones".

En ese show, Moretti, el compositor de "Ella dijo" y "Aire", aportó gritos, llantos y cantos entrecortados. El mismo día, Las Canoplas "una de mis bandas favoritas", cuenta Mallo tocaba en un concurso organizado por el sello RCA y el programa Submarino Amarillo, de Tom Luppo. Entre otras muchas efemérides, también ese mismo día moría Miguel Abuelo.

El principio de la inercia (el movimiento)

Cuando el Cabe pone su remix del tema de Topografía Difusa "Soroza desconoce el principio de la inercia", melodías o algo similar oscuras y densas (a lo "Silence is Sexy" de Neubaten) inundan el ambiente. Una mezcla de Suicide, de Alan Vegas, y de Ramones, pero con sonido local. "El tema se llama así porque Mutinelli tenía un amigo, Soroza, que un día lo llevó al ensayo en bicicleta y en una frenada brusca, Muti salió volando y se hizo mierda. Rudie comenzó a cantar esa canción mientras zapábamos encima, un lime punk. Y lo grabó Alfredo Calvelo que hacía sus primeras grabaciones con nosotros y ahora trabaja con la mayoría de los músicos de la ciudad, hasta con los que ya no viven acá, como Bochatón o Adicta.

--Fueron bastante modernos ustedes...
--Sí, la verdad que sí. Estábamos con un poco de delay respecto de las grandes ciudades, pero ahí nomás, por poquito. Hacíamos un cover de la primera banda punk que hubo en la ciudad, Los Baraja, que era como el "Anarchy in the UK" platense y se llamaba "La Plata se congela". Decía: "La Plata se congela de aburrida hoy / hoy como todos los días / en el cine la película de yanquees cortada / y en el centro que te hablan de la última pavada / qué semana de mierda y las chicas me miran la cara / porque no tengo una moto ni me gusta ir a bailar / escupiré sobre la cara de los dueños de la estupidez". ¡PUNK!

Luego surgieron proyectos distintos, pero con los mismos integrantes. Mallo y Martínez crearon Fríos Circuitos Primarios, pero no llegaron a tocar. Luego, una suerte de Topografía Difusa 2.0, que se fue poniendo "más funk y dub", según el Cabe. "Queríamos hacer una mezcla entre Ramones y Robert Fripp, algo impensable, pero así fue como se fue haciendo más extrema la experiencia de Topografía, más teatral, con más danza. Y con los meses nos fuimos distanciando, los hermanos Mutinelli armaron Los Peregrinos con Moretti y yo me quedé con mis cosas. Topografía decantó en Estelares, Adicta, Mostruo! y, en cualquier momento, en el Cabe Mallo... ¡solista!

Los sonidos del teatro

--Pero te fuiste más hacia el teatro que hacia la música últimamente...
--Si bien siempre hice las dos cosas, porque cuando cantaba estaba con un grupo de teatro que se llamaba Disisisissss y que este año cumplió dos décadas, nunca dejé la música y ella nunca dejó de estar separada del teatro en mí. Con los Disisisiss también éramos muy punks, teníamos una estética bien pop, con calzas y camisas de colores. Ahí trabajé por primera vez con un compañero de la secundaria, el "Masso" Fernando Massobrio , con el que actualmente seguimos en el espectáculo de improvisación Altibajo impro. En esa época, Topografía había desaparecido y se había armado Contentos Con Poco, donde tuve algunas participaciones.

--Y, en escena, ¿cómo seguían ligados la música y el teatro?
--Nuestra primer obra con Disisissss estaba compuesta por nueve temas de The Residents y la presentamos a dos meses de haber comenzado a estudiar teatro. Ahí me di cuenta que quería estudiar más y conocer más, entonces empecé a ir a capital, al Parakultural, a Cemento, comencé a ir a jugar a los match de improvisación. Esos mundos se mezclaron. Lo hice durante diez años, hasta que me cansé y los empezamos a hacer acá. Primero con ese mismo grupo porteño y después con gente de La Plata que se iba sumando.


El Cabe sigue pateando las calles platenses con "108 millones de ideas". Si bien este año no dio clases de teatro porque "después del cierre de la sala teatral La Fabriquera no se pudo buscar otro lugar", sigue mostrando varias de las obras de las que forma parte: Mar de fondo, que narra un segmento de la vida del almirante Brown y otra sobre la misma figura histórica, Altibajo Impro" junto a su colega de toda la vida Massobrio. Y prepara un espectáculo nuevo para estrenar durante la próxima Muestra Ambulante V, organizada por el Galpón de La Grieta, a finales de este mes.

Como si eso fuera poco, continúa dando clases en Bellas Artes y en el Colegio Nacional de La Plata y, mientras dibuja por las calles de la ciudad y prepara un libro de edición casera con su producción cuentística, imagina una obra de improvisación que mezcle el melodrama con lo musical y la estética del videoclip, "algo bien limado", que presentará en 2010. Sin dejar de ser un reservorio de anécdotas, el Cabe apareció en la galería de imágenes que se mostró en el Centro Cultural Malvinas para homenajear a Mr. América, una de las bandas emblema de la ciudad (con la que cantó en un show en los 90s) y se animó a hacer un remix de Chico Ninguno a quien conoció a través de Facebook , que saldrá en el "lado C" del disco de ese otro artista inquieto de la ciudad.

jueves, 12 de noviembre de 2009

Música en espera.-

Docentes y estudiantes de Educación Musical de conservatorios y profesorados bonaerenses aguardan con ansias que las autoridades del Ministerio de Educación bonaerense cumplan con su promesa de abrir una mesa de trabajo conjunta para elaborar un nuevo plan de estudios para la carrera. La novedad llegó luego de dos meses de movilizaciones en repudio de un anteproyecto oficial que, según los miembros de las instituciones, escondía un "vaciamiento" en la educación.

Por Nicolás Sagaian
Fotografía gentileza Indymedia

Buenos Aires, noviembre 12(Agencia NAN–2009).- La posible implementación de un nuevo y polémico plan de estudios de la carrera de Educación Musical elaborado por la Dirección de Educación Artística de la provincia de Buenos Aires despertó la rabia de docentes y estudiantes de conservatorios y profesorados. ¿Por qué? Según ellos, la medida escondía un “vaciamiento” de la educación en las instituciones a través de un “recorte de materias” y la “reducción de las partidas presupuestarias”. Pero tras dos meses de movilizaciones y marchas en repudio de la medida la situación se modificó. Hoy el anteproyecto está paralizado y no se aplicará el próximo año, tal como lo prometió el director provincial del área, Sergio Balderrabano. Sin embargo, las dudas continúan: ¿Cumplirá con su palabra el gobierno de la provincia? ¿Cómo se confeccionará el nuevo diseño curricular? ¿Se incluirán las históricas exigencias de los estudiantes sobre la apertura de más horas cátedra, aumento del presupuesto y mejores condiciones de estudio? Sobre estos interrogantes y algunos más Agencia NAN consultó a docentes y alumnos de instituciones bonaerenses que dejaron en claro que pretenden “una mejora en la enseñanza musical”. Eso buscarán.

Será un proceso largo y complicado. De muchos debates, charlas y reuniones. Es que, finalmente, se abrió el juego, a partir del encuentro que tuvieron el jueves pasado representantes de la cartera conducida por el ministro Mario Oporto y el titular de la dirección de Enseñanza Artística con varios estudiantes y delegados de los conservatorios. Allí, los participantes acordaron –acta mediante -- la redacción en conjunto de un nuevo proyecto que reemplazaría el elaborado por la cartera estatal.

“El plazo para presentarlo será junio de 2010 y, hasta entonces, se desarrollará una instancia de debate entre todos los actores para sacar conclusiones y fomentar la participación”, comentó Víctor Cazal, que se está formando en la Escuela Superior de Arte Leopoldo Marechal, de La Matanza. Sin embargo, entre sus compañeros y los de otros espacios similares existen dudas sobre si finalmente se cumplirán las promesas del gobierno provincial. “Es para estar atentos”, remarcó Florencia Pietracone, estudiante del Conservatorio Julián Aguirre de Banfield, en referencia al extensivo “estado de alerta” que hoy existe en muchas de las instituciones.

No es para menos. Desde que la Dirección de Educación Artística dio a conocer la currícula de estudios que tenía intención de implementar, un proyecto que fue debatido en “poquísimas instituciones y sólo con directores afines al proyecto”, según denunciaron los estudiantes, la desconfianza en el resto de las escuelas de arte y conservatorios de la provincia aumentó. También el temor.

La medida que ahora está paralizada y preveía aplicarse en el ciclo lectivo 2010, pretendía quitar materias troncales del FOBA (ciclo básico de los conservatorios), como Lenguaje Musical, y pasarlas al ciclo superior. Esa modificación incluía también la eliminación de otras cátedras, como Folklore e Instrumento Principal, que provocaba que los alumnos cuenten sólo con la enseñanza de un Instrumento Armónico, es decir de acompañamiento (piano o guitarra). “Esto implica una clara tendencia a bajar el nivel y buscar eliminar la enseñanza básica de los profesorados”, opinó Juan Celasco docente de piano del Julián Aguirre, aunque también dejó en claro que está de acuerdo con algunas propuestas del ministerio, como la que otorga al estudiantado la posibilidad de dar materias en condición de libre. “Hay que equilibrar las pretensiones de ambas partes para crear un plan de estudio mejor”, apuntó con un tono conciliador el vicedirector de la Escuela de Bellas Artes de Quilmes, Juan Lamoglie.

En paralelo a la instancia de diálogo recientemente abierta para elaborar un nuevo plan, los participantes de varias instituciones buscarán nuclear en una red a los profesorados y conservatorios que "luchan por una mejor educación". Para Cazal, “será un gran paso para la renovación de materias y contenidos”. Es esa la aspiración que, creen, permitirá la elaboración de un “plan de estudios integrador” con todas las necesidades de cada una de las instituciones y de la propia carrera de Educación Musical.

¿Cuáles son esas carencias? En diálogo con esta agencia, profesores y estudiantes remarcaron que un “aumento en el presupuesto” destinado a la carrera sería un logro "crucial”; para abrir “más cátedras” y terminar con el turno único extendido; para permitir el “incremento de materias prácticas” y el “mejoramiento de las condiciones edilicias y de estudio”. Esos son los principales puntos a conseguir.

"Pretendemos formarnos como profesores idóneos que tengan la capacidad de formar sujetos críticos", explicó Laura Zuvialde, que estudia en el Instituto Municipal de Música de Avellaneda. "Y para eso necesitamos más recursos para que se pueda enseñar y aprender como corresponde", continuó. Por ejemplo, en el Leopoldo Marechal desde hace tiempo que reclaman por mejoras edilicias y agua potable. Una situación que se repite las Escuelas de Avellaneda, Pehuajó y Morón. En la Escuela de Arte de Berisso creen que el aumento en las partidas también servirá "para abrir más cátedras y generar un espacio de materias extracurriculares, como talleres de instrumentos" que forman parte del núcleo integral de la carrera. Todos y cada uno de estos pedidos, según adelantaron los estudiantes, tratarán de ser incluidos en el nuevo anteproyecto para la carrera de Educación Musical con la meta de “optimizar la situación en los conservatorios”.

Con la idea de cumplir ese objetivo, y tras analizar fríamente los debates que se aproximan, los que ocupan los claustros de las instituciones de formación musical provinciales piensan que no tendrán “mayores dificultades”. Pero son concientes que deberán “luchar” frente a un contexto complicado, de crisis y ajustes, que ya se evidencia en algunos sectores de la sociedad. “La actitud del Ministerio de Educación seguramente será propensa a la reducción de gastos”, sostuvo el docente Claudio Calmens, y puso como demostración de esa tendencia, el intento (fallido, por el momento) de modificar el plan de estudios por medio del anteproyecto anunciado en septiembre pasado.

Está a la vista que, hasta la aplicación de una nueva currícula, cruces y choques de ideas e intereses encontrados de una y otra parte podrían llegar a plantearse. En ese sentido, los estudiantes se muestran “confiados” por la capacidad de “lucha y unión” que mostraron en estos últimos meses. Pero saben que tendrán que esquivar algunos obstáculos, sobre todo en los institutos donde los Centro de Estudiantes “no son representativos” y los directores están de acuerdo con los “recortes”. En la Leopoldo Marechal, ese problema "existe, y sabemos que este contexto puede resultar adverso para la conformación de un nuevo plan de estudios”, consideró Víctor Cazal. Sin embargo, admitió inmediatamente que hasta el momento no hubo asambleas ni reuniones entre los mismos estudiantes, ni entre ellos y las autoridades de los conservatorios.

Por eso, si bien se puso en marcha, el avance en la creación del nuevo plan de estudios para la Educación Musical es incipiente. De ambos lados se empiecen a evidenciar posiciones. Los profesores y alumnos de los conservatorios aseguran que están “a la expectativa” y de ahora en más se van a juntar a “charlar, en reuniones, para empezar a mover cada una de las iniciativas planteadas” en cada uno de los profesorados. Un nuevo escenario está en proceso de gestación, siempre y cuando desde el Ministerio de Educación se cumpla con lo prometido: llevar adelante, con toda la comunidad educativa, un plan con el fin de mejorar la enseñanza musical. Será responsabilidad de todos alcanzar ese logro.
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