Discos: “Playing the Blues (by the rules)” (The Jackpots, 2010).-

El primer disco de esta banda neuquina fue editado el año pasado pero su sonido es atemporal: con el background de los grandes, le rinde homenaje al mejor blues con doce composiciones propias.

Por Guillermina Watkins

Neuquén, octubre 31  (Agencia NAN-2011).- Lejos de Mississipi y con la formación poderosa –y poco tradicional- de un blues trío, The Jackpots es, por lejos, la representante de la escena blues local. Un género poco transitado por la zona, pero del que Damián Duflós, Rafo Grin y Juan José Sobarzo (que ya no forma parte de la banda) son escoltas, mensajeros del estilo que le abrió la puerta al rock y sus derivados. De hecho, con “Playing the Blues (by the rules)”, su primer disco, dejan firmado su pacto a fuego con el estilo tradicional de Chicago.

“Si querés tocar blues, tendrás que hacerlo bajo las reglas”, anuncian en el título, y lo van desarrollando desde el primer tema hasta finalizar con las doce composiciones en inglés compuestas por Duflós (exceptuando a “Jump for D.D”, que es de Grin). Según aseguran, "cantar las canciones en inglés no es un capricho ni una explosión de vanidad, es para respetar lo máximo posible la esencia del género".

Las reglas son siete: “tómatelo tranquilo, bajá un cambio”, “hacé Blues sólo con sentimientos”, “Blues es más que unos simples acordes”, “Blues es también diversión, disfrútalo”, “Disfrutá”, “Siempre escuchá a los grandes”, “Saltá el Blues, atravíesalo”. Reglas en las que The Jackpots tiene un “10” porque la magia que despliegan en vivo no tiene nada que envidiarle a los grandes maestros.

El disco, grabado durante dos jornadas extensas en un enero seco del 2010 , contó con la participación de otros músicos locales, como el saxofonista Fabio Balbarrey, y está co-producido artísticamente por Mauro “Easy Baby” Diana, un músico porteño con amplia experiencia en el género.

“Playing the Blues…” llegó después de un poco más de siete años en los que estos músicos no pararon de presentarse en bares y se dieron el lujo de compartir escenario con Eddie Campbell, James Wheeler, Cristina Dall (ex Blacanblues) y Larry Mc. Cray. Y este sábado lo harán con Jhon Primer en el Aula Magna de la Universidad Nacional del Comahue.

Once temas, y uno instrumental, le rinden homenaje a los fundadores del género con total estilo. Desde lo musical, un desarrollo impecable de cada uno con su instrumento e incluso la impecable voz de Duflós; desde lo compositivo, nada que deberle a los viejos bluseros estadounidenses.

Es que la banda, como bien lo anuncian las reglas del estilo, mantiene una actitud tranquila respecto de salir a tocar en la ciudad y, al contrario de la fugacidad rock en estos tiempos -y como lo anuncia su nombre “hit the jackpot” (tener mucha suerte en el juego)-, se van haciendo su lugar en la escena local y nacional de la mano de los grandes que dicen sí a la hora de venir a compartir escenario con estos jóvenes músicos.

Diego Boris: "Buscamos transformar experiencias que ya funcionan en derechos".-

El próximo miércoles, el Senado debatirá la creación del Instituto Nacional de la Música, una institución que significa, para la Unión de Músicos Independientes, un paso más dado hacia un futuro ideal: la existencia de una Ley Nacional de Música que reconozca las condiciones actuales de producción, difusión y distribución de sus creaciones. Agencia NAN realizó un balance de la situación junto con el presidente de la Federación Argentina de Músicos Independientes (FAMI), Diego Boris, a más de un lustro del inicio del camino.

Por Nahuel Lag
Fotografía gentileza UMI

Buenos Aires, octubre 28 (Agencia NAN - 2011).- “Hasta que no empiece la sesión…”, advierte Diego Boris, presidente de la Federación Argentina de Músicos Independientes (FAMI), a la espera de que el próximo miércoles 2 de noviembre el Senado trate, después de varios intentos fallidos, el proyecto de ley del Instituto Nacional de la Música (INM), sueño que la Unión de Músicos Independientes (UMI) alimenta desde 2006 y que mañana llevará hasta el fin del mundo, cuando La Tolva y Walter Slongho hagan sonar rock y tango en la Antártida para impulsar el tratamiento de la norma. Boris, antes de poner un pie en el avión de la Fuerza Aérea que lo llevará al continente blanco, habló con Agencia NAN para desandar el camino que los trajo hasta aquí.

La firma del entonces presidente Néstor Kirchner para poner en vigencia la ley del Estatuto Profesional del Ejecutante Musical, sancionada en 1958, fue el disparador para que los músicos independientes comenzaran a reunirse en asambleas en el Hotel Bauen. El objetivo no era respaldar la norma sino pedir su derogación. Aquella ley obligaba a los músicos a obtener una matrícula profesional mediante un “examen de aptitud” ante un jurado de “notables” y exigía el pago de una cuota anual al Sindicado Argentino de Músicos (Sadem).

En 2005, cuando los espacios para tocar en vivo se cerraban como medida extrema ante las deficiencias privadas y estatales para evitar otra tragedia como la de Cromañón, la norma no se adaptaba a los tiempos que corrían y le otorgaban a Sadem un poder que “lejos de favorecer a la música en vivo buscaba generar una caja, además de obligar a los músicos a sindicalizarse”, resaltó Boris.

La asamblea de músicos empujó hasta que el 21 de abril de 2006 consiguieron una audiencia con Kirchner, quien reconoció que se había equivocado y derogó el decreto. La paradoja se completa: esas asambleas para conseguir la anulación de una legislación marcaron el nacimiento de otra, una Ley de la Música que reconociera las condiciones actuales de producción, difusión y distribución de los músicos independientes.

El primer paso se consiguió a fines de 2009, con la sanción de los artículos 65 y 97 de la Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual: el primero asegura una cuota de emisión de música independiente en las radios, y, el segundo, el financiamiento del INM. ¿Qué problemas de los músicos aunados en este ámbito buscará resolver el INM, cuyo proyecto cuenta con dictamen positivo de todos los bloques? Dos principales: la falta de espacios habilitados para tocar, problemática porteña y nacional; y la producción de discos, inconveniente que se incrementa cuanto más lejos se está de la ciudad, “debido a que las cinco replicadoras de discos están en la capital”, explicó el presidente de la FAMI.

--¿Cómo esperan que ocurra el paso del papel a la aplicación?
Diego Boris:-- Ocurre con muchas leyes que es el papel el que guía la práctica, pero, en este caso, UMI operó a la inversa: construimos una teoría desde la práctica y todo el trabajo realizado con otras organizaciones de músicos a lo largo del país se volcó en el texto de la norma, por lo cual tiene incorporado mucho del ejercicio que los músicos independientes venimos desarrollando en estos años. Son experiencias que ya funcionan y buscamos transformarlas en derechos. No es un texto armado entre cuatro paredes por teóricos que después dificulta el paso a los hechos.

Una de las prácticas que ya realiza la organización y que la norma legislaría y haría extensiva es la UMIred, un ámbito que reúne espacios culturales y bares de todo el país en los que los músicos pueden tocar sin tener que pagar para hacerlo. Con la sanción de la ley se constituiría el Circuito Estable de Música En Vivo, una red ampliada a nivel nacional para la que el INM haría los lazos con espacios privados, estatales y sociales, les podrá facilitar el acceso a luces y sonidos, excepciones impositivas y difusión, mientras que los lugares deberán ofrecer una grilla semanal estable para que los músicos puedan presentarse y obtener hasta el 70 por ciento del valor recaudado por las entradas. “Significa crear un circuito que tenga condiciones dignas para el músico, pero también para el espectador”, resaltó el integrante de La Tolva.

--Muchas de estas propuestas las vienen impulsando desde hace varios años y aún no consiguen que sean sancionadas por el Congreso, ¿cómo se llevaron con los tiempos políticos?
DB:-- Fuimos comprendiendo que hay cosas que tienen que ir por consenso y otras que tienen que ir madurando. Probablemente, si hubiese sido aprobada la ley en 2007 no hubiese resultado tan completa. El espíritu de la ley es la asociatividad, lo que implica que quienes van a decidir cómo se van distribuir los recursos del INM en cada región son los referentes de las organizaciones de músicos con personería jurídica y que los músicos independientes se junten, organicen, escriban un estatuto y tramiten la personería lleva su tiempo. Si bien nos demoramos en la sanción de la ley, todo ese capital de construcción político, no como algo partidario sino como una herramienta para cambiar la realidad, hoy juega a favor del instituto.

--En el marco de la pelea por la ley, ¿la organización provocó un efecto de gremialización de los músicos independientes?
DB:-- Nos fuimos asociando por una necesidad de mejorar las condiciones bajo las cuales se hace música y para poder ejercer nuestra libertad artística, que es nuestro bien más preciado. La sanción del instituto es un fomento para la actividad. Luego resta una segunda parte de la ley que es la de crear el estatuto del ejecutante musical para mejorar las condiciones laborales de los músicos. Comprendimos que si no se mejoran las condiciones generales para tocar en vivo, es perverso pretender avanzar en lo otro, tras el efecto Cromañón.

--¿Qué hace que a casi siete años de Cromañón el efecto restrictivo continúe sin resolverse?
DB:-- El problema es muy duro e impactó en la música en general y en el rock en particular. Desde entonces, se legisló, sobre todo en la Ciudad de Buenos Aires que es una vidriera para la legislación de eventos públicos para todo el país, como si lo peligroso fuera la música y no las condiciones en las cuales se desarrollaba, lo que provocó que se perdieran muchos lugares para tocar. La UMI le hizo juicio al gobierno porteño y lo ganó en el Tribunal Superior de Justicia. A partir de entonces, surgió una legislación a favor de la música en vivo, pero quedó instalado que la música rock es peligrosa.

Frente a las legislaciones restrictivas de los últimos años, los músicos organizados en todo el país sueñan con que el Senado le dé el “positivo” al INM que les permitirá alcanzar líneas de créditos, subsidios de fomento a partir de vales de producción de discos u horas de grabación. El instituto estará fortalecido para realizar convenios con imprentas, estudios de grabación o comprar un cupo de discos a imprimir.

Para acceder a esos beneficios, los artistas no deberán responder a los derogados requisitos de aquella norma del '58, derogada en 2006, ya que el proyecto de ley ordena un censo de músicos nacionales “anual, gratuito, y obligatorio”, que será realizado por las organizaciones de músicos de cada región.

--Los artículos 65 y 97 de la Ley de Medios fueron un impulso legislativo para los músicos independientes, ¿cómo se avanzó en su aplicación?
DB:-- El proceso mismo de la ley fue fundamental porque nos permitió participar de un proyecto en el que creíamos e incluir esos dos artículos. Se está trabajando para implementarlos, y el recorrido va a llevar unos seis meses más, pero en el Afsca (organismo de control que reemplazó al Comfer) hay señales de avance. Lleva tiempo porque necesitamos armar un banco de música independiente, algo inédito en el mundo, y certificar esa banca. La modificación de la realidad no es de un momento a otro.

--¿Cuáles serán los objetivos hacia adelante?
DB:-- Los cambios que generamos desde la UMI siempre tiene que ver con el beneficio colectivo por sobre el beneficio individual, a veces, a costa de deteriorar los ingresos de la misma organización. Cuanto mejor funcione el INM menos gente se va a acercar a la UMI, pero es el rol que tiene que cumplir una organización que todavía tiene un fuerte envión transformador: tratar de modificar la realidad de una actividad para mejor.

--UMI se ha transformado en referencia para otros espacios independientes del arte y la cultura que comienzan a organizarse, ¿cómo lo sienten?
DB:-- Si nuestra experiencia se logra trasladar a otras actividades artísticas sería una alegría para nosotros, la UMI logró que muchos músicos jóvenes se involucren y participen, y creemos que en cualquier arte es la juventud la que puede aportar más a la modificación de las formas estéticas y sobre todo a una revalorización ética.

El sábado y domingo, la agrupación de músicos realizará en el EcuNHi (Libertador 8465, ciudad de Buenos Aires) una Feria de Producciones Independientes como actividad para respaldar la sanción de la ley.

www.umiargentina.com

Determinado rumor: libros digitales, textos sin barreras.-

Las nuevas tecnologías desde hace tiempo inciden en la industria editorial. Muchas veces con una serie de condiciones, restricciones y/o trabas. Para torcer esa tendencia, el escritor Sebastián Morfes lanzó una editorial online que publica E-books de descarga gratuita a través de Internet, para celulares, tablets o iPods.

Por Nahuel Gomez

Buenos Aires, octubre 26 (Agencia NAN-2011).- La cultura del libro abarca mucho más que su contenido: el poder prestarlos y devolverlos, el no recordar a quién uno se los presta; o bien, el añejamiento de sus páginas, las marcas o las ediciones olvidadas en nuestras bibliotecas, esas que un día decidimos releer, hacen que reconozcamos al libro de una manera diferente a la de cualquier soporte de texto. Encontramos en cada título valores culturales que nos revelan el pasado propio, nos identifican en el presente o modelan de cara el futuro. Pero, muchas veces, el uso masivo de una tecnología reciente arrastra consigo la creación de nuevos valores y, a la vez, reformula los existentes de manera que se adapten al universo social que genera el dispositivo técnico creado. Como ejemplo de este proceso de cambio, cada vez más intenso en la “era digital”, surgen los libros electrónicos, y con estos, una nueva forma de entender la lectura, la escritura y la edición.

Vislumbrando la creciente demanda, y como respuesta al consiguiente negocio que pretenden construir las empresas editoriales con este tipo de publicaciones, nace Determinado rumor, una editorial digital que publica libros electrónicos con descarga gratuita a través de la web. El creador y principal impulsor del proyecto, Sebastián Morfes, explica los por qué de la propuesta: “Hubo una especie de evangelización del uso de libros electrónicos, emparentado directamente con la aplicación de políticas de DRM, (sigla en inglés de digital rights management) o sea con el control del permiso de uso del archivo. Las editoriales comenzaron a crear contenidos o cultura de una manera horrible: vos comprabas un libro que no tenía precio de papel, pero tampoco valor social. Se pensaba en un modelo de libros puramente individual, que los libros no salieran de las computadoras. Me pareció que estaba bueno incidir ahí”.

Como formato digital para la reproducción de los textos, la editorial elige el ePub, una configuración que permite adosar información extra a los contenidos de la publicación, como puede ser el título, el autor o la editorial. Esto facilita la tarea para bibliotecas y tiendas virtuales, mejorando la administración de los archivos, y aventajando así en cuestiones prácticas a formatos como el PDF o el Doc. Además, descargando el programa determinado, el ePub se vuelve compatible con mayor cantidad de dispositivos que otros formatos.

Sin embargo, la transposición de un texto de un libro tradicional a su forma virtual, muchas veces suele alterar el sentido que se busca transmitir. La disposición espacial del texto es un tema central en algunos géneros literarios, tanto para los editores, como para los autores. “En poesía es vital el tema del corte de texto, define al género. Algunos poetas son muy celosos de ver dónde termina un verso y dónde comienza el otro. Con estos formatos es más difícil, porque es el usuario es el que tiene el control del texto, puede girar la pantalla o agrandar la letra y eso incide sobre la imagen que se ve. Muchas veces el texto no se ve en la pantalla del que escribe de la misma manera que en la de los lectores” sostiene el creador de DR.

La preocupación por la disposición espacial del texto es algo que inquieta a Sebastián en tanto lector y escritor de poesía, género que destaca entre sus preferencias; ya que para él, un libro refiere directamente este tipo de literatura. Además, sostiene que la elección particular de los libros se sustenta por el contraste que existe entre ellos y lo tecnológico: “Esos tres primeros libros eran muy diversos uno del otro y, a la vez, guardaban una relación con lo que eran las viejas prácticas de escritura”.

Uno de los debates centrales con respecto las nuevas tecnologías, y en particular a los nuevos medios que las generan, es en qué nivel pueden reemplazar a los soportes tradicionales. A pesar de considerarlo como una manera válida de publicar, y de hecho emplearla en este proyecto, Morfes no se apresura a catalogar a las publicaciones electrónicas como sucesores de los libros de papel. De hecho, prefiere lo tangible porque “en el nivel de desarrollo que tenemos de lectores de ePubs, en comparación con las publicaciones impresas, un libro de papel es mucho mejor que cualquier lector. Con los lectores tenés que preocuparte de las condiciones de humedad, de los golpes, de la batería, y de la interfaz, que es bastante chota; además no hay gran cantidad de materiales de lectura. Hoy por hoy el libro es superior. Igualmente para mí es un momento en el que está todo por explotar, nadie sabe cual puede ser el futuro”.

En la industria editorial de hoy existe una obsesión por mantener ciertos usos de las editoriales tradicionales, y traspasar esos usos a textos digitales. La propuesta de Determinado rumor, por el contrario, es subir textos gratuitamente, sin DRM, como una manera de mostrar lo ridículo que es pagar por un archivo de éste tipo. Aún, editoriales atravesadas por lo público, como EUDEBA, vinculada estrechamente con la Universidad de Buenos Aires, patean para el lado de una legislación restrictiva con respecto a contenidos virtuales. “Yo fui a la UBA en los ‘90, en una época de resistencia, y esa universidad me dio a mí una dimensión de lo público, ¿qué dimensión de lo público podés tomar de EUDEBA, de esa editorial que defiende formas de circulación que son absurdas? Lo que valoro de nuestros libros es la posibilidad que encontramos de no poner barreras a la difusión. Me parece más importante estar preocupado en que te lean, y en que esa lectura genere nuevas escrituras, que estar pensando en la quinta y en los derechos de autor”, destaca Sebastián.

Sitio: http://determinadorumor.com.ar

Libros: “Breviario de furias” (Daniel Diez, 2011).-

Con una prosa sencilla pero sustanciosa, el nuevo compendio de cuentos de Daniel Diez explora historias a través de relatos breves que oscilan entre lo fantástico y la asombrosa cotideaneidad, aunque todos ellos demuestran la infinita capacidad de reinventarse que tiene la literatura.

Por Nicolás Alonso

Buenos Aires, octubre 24 (Agencia NAN-2011).- Lo sobrenatural, lo extraordinario, lo asombroso, lo maravilloso, lo excepcional, lo perturbador, lo milagroso, lo perverso, lo insólito, lo insoportablemente inexistente… lo fantástico. Hay que tener unos huevos de oro para lidiar con estas palabras. Y es que la literatura fantástica necesita de coraje y entrega. La creatividad y el ingenio también son valores que cotizan alto, pero hay que tener ante todo cojones para animársele a un género de tanta historia, de tan glorioso pasado. Por eso es tan grato leer Breviario de furias (Santiago Arcos editor, 2011) de Daniel Diez, porque logra esquivar y a la vez reivindicar ese universo fantástico que lleva, una y otra vez, a los queridos Jorge Luis Borges y, especialmente, a la literatura de Adolfo Bioy Casares.

Es una injusticia, sí, no hace falta decirlo. Toda comparación es injusta. Y es que precisamente ése es el fantasma de este tipo de literatura: en que hace inevitable la reescritura, los reenvíos de sentido hacia obras de una potencia, una fuerza y una presencia inigualable. Ante esto se pueden oponer dos actitudes diferentes: una es la tentación siempre acechante de caer en la repetición, en la burda copia inconsciente, que, naturalmente, siempre sabe a ridiculez. La otra, más noble y complicada, es alimentarse de ese universo significante, apropiárselo y reescribirlo en sentido propio. Esto es lo que hace inagotable a la literatura y lo que le da su exuberancia y su frescura. Breviario de Furias es un claro exponente de esta segunda actitud, un fascinante compendio de relatos en donde la cotidianeidad enrarece, se convierte en el hogar de seres, de experiencias fantásticas y misteriosas.

Con una prosa sencilla pero sustanciosa y versátil, Diez explora historias a través de relatos breves en los que los cortes abruptos constituyen una de sus mayores virtudes. Como el caso de "Punta Roja", el relato inaugural del texto. El cuento narra la historia de un científico argentino a cargo de una base de investigación en Punta Roja, lugar en el que se descubrieron unas extrañas criaturas llamadas gúbulas. A pesar de la precariedad de las condiciones en las que trabajan los investigadores argentinos, el protagonista consigue que un experto alemán de nombre Sven Wurnik acceda a venir al país para dar su opinión acerca de estos misteriosos seres. Luego de un relato hipnotizate y adictivo, Wurnik desaparece después de algunos días de trabajo y, con él, desaparecen para siempre las gúbulas.

Una de las notables virtudes de Diez es su capacidad de oscilar entre relatos sumamente fantásticos como el anterior, aquellos en que seres como la ibina, las gúbulas o los perros nocturnos interactúan con personajes atónitos y misteriosos; y otros de una atmósfera perturbadoramente cotidiana. Entre estos últimos está Famosa Arpía Oval, en el que una vieja solitaria encuentra un video pornográfico en las escaleras de su edificio y con la idea fija de descubrir a su dueño, comienza a perseguir a su vecina al tiempo que busca excusas para ver, una y otra vez, las escenas del video. “Entonces el dueño original del DVD, muy probablemente la tontuela de Laurita, veía eso. No tan tontuela, quizás si hasta le llegara a gustar. Pero claro que le gustaba, si hasta a mi no me había desagradado del todo.”

Uno de los puntos más altos del libro está en el cuento "Mi Familia", una estremecedora narración de una niña (quizá adolecente, quizá mujer madura) que se halla encerrada en su propia casa, constantemente drogada por sus propios padres que parecen transformados en zombies. “Pienso en no dormirme y, cuando ellos si lo estén, colocarles una bolsa de supermercados en la cabeza. Sé que no lo voy a hacer, pero la idea me reconforta. Me pregunto si podré discernir cuándo será el momento. Sé que de hacerlo será de mañana. Ya saber la hora virtual en la que podrías llegar a matar a tu familia es pavoroso”. A través de estos relatos, Daniel Diez logra demostrar cómo la literatura tiene en su seno la capacidad de reinventarse. Demuestra que el peso de los grandes narradores puede convertirse en impulso creativo, que ese peso debe ser violado, reescrito, reapropiado. Lo que se evidencia, en el fondo, es que no hay comparación porque todo está ya contaminado desde un principio.

Androide Mariana: "Nos interesa tocar para mostrar lo que hacemos y de paso mostrar que somos unos sexy niños".-

El cuarteto de zona sur que “lucha contra el mal”, según se define, acaba de lanzar su ópera prima: un disco que sintetiza en siete temas una propuesta enérgica y tropical a través de un compendio de fábulas suburbanas, referencias al rock de cepa eléctrica y bailable, y psicodelia. “El formato de veintipico de minutos que está entre EP y LP es el que mejor se ajusta a nuestras posibilidades y necesidades por el momento”, cuenta su vocalista.

Por Juan Castiglione

Fotografía gentileza de A.M.

Buenos Aires, octubre 21 (Agencia NAN-2011).- El proceso por el que una banda pasa al grabar su disco debut es prácticamente idéntico al de ser padre primerizo. El 90 por ciento del tiempo uno no tiene idea de qué carajo está haciendo, pero de todas maneras lo disfruta. Androide Mariana, agrupación vernácula de Lomas De Zamora, gestó en un proceso de casi 12 meses su álbum primogénito, totalmente autogestionado y esencial para entender una revolución musical de la zona sur que no llegó a gestarse.

Es que ser independiente en una industria musical como la que hoy hegemoniza sentidos es por momentos casi una misión romántica: un circuito diezmado que no deja ganancias, promotores y dueños de escenarios más preocupados por cerrar con el saldo a favor que por aportar su grano a la construcción de una movida y, sobre todo, proyectos que se truncan antes de poder encontrar su norte y a ellos mismos. En medio de esta tormenta dispuesta a no dejar un alma en pié, se encuentra Androide Mariana, a bordo de un barco construido a pulmón, con vocación y por amor a la música, pero atados al palo mayor para evitar que el bravo océano se cobre una nueva víctima.

El tono apocalíptico de la analogía puede sonar exagerado, pero no deja de ser cierto, dado que la agrupación que conforman Ezequiel Visconti (voz y guitarra), Leandro Quiroga (guitarra líder), Daniel “Beto” Villalba (bajo) y Luis Paz (batería) ha sido, posiblemente, la única que sobrevivió de todas las que surgieron en el mismo lugar, tiempo y movida. Algunas desaparecieron, otras se reformularon y pasaron a formar parte de alguno de los tantos sellos independientes que conforman la escena. En el medio se encuentra el cuarteto lomense con Camboriú, su ópera prima, a cuestas. Un álbum con la mística futbolera de “Francia 98”, que converge con la promiscuidad trans de “Androide Mariana” y la ingeniería apocalíptica-peronista de “El Hidropibe”.

--Al ser un disco netamente llevado a cabo por ustedes, ¿cómo vivieron el proceso de grabación?

L.Q.:--Aprendimos mucho. Y si bien siempre hay discrepancias, buscar un sonido que nos conformara unió muchos criterios sobre producción en los cuatro que tal vez no sabíamos que compartíamos. Eso hizo que pudiéramos producir el disco de una manera muy democrática y en la que la participación siempre fue de todos. Fue muy divertido. Y más aún las largas charlas que tuvimos para debatir y elegir lo que fuera más representativo para cada canción. Por otra parte, estuvo la ansiedad que nos fue agarrando una vez que notamos que no era tan fácil encarar un proyecto así y que suponía mucho trabajo y tiempo. Todos estábamos (y seguimos estando) muy ocupados durante la semana. No se hizo fácil, por lo que cada vez que estábamos en el estudio queríamos aprovechar el tiempo lo máximo posible. Pero llevarlo de a poco pensamos que nos dio frutos. Somos muy minuciosos y detallistas, y en Camboriú quisimos plasmar eso.

E.V.:--El proceso está sobrecargado de nerviosismo, intranquilidad y obsesión, especialmente al comienzo, cuando se graban las pistas de batería o bajo y el rostro final del trabajo está más que difuso. Uno está haciendo fuerza y atajando los temas para que no se desvíen de lo que se tiene en la cabeza. Eso es lo peor, la tensión que hay en la lucha para que la realidad técnica disponible no deforme tus ilusiones estéticas.

--¿Cómo se encara el proceso de difusión del disco desde la autogestión?

L.P.:-- Lo encaramos al trote y con una gambeta, pero ni por habilidosos ni por apocalípticos de la prensa. Simplemente, la gambeteamos. Por ejemplo, no mandamos gacetillas. Pasamos el link de descarga de Camboriú por mail a nuestros amigos y conocidos, en foros y redes sociales, y avisamos de él cuando tocamos. Existe gente muy bella que pasa canciones de Camboriú en su programa de radio, y eso es un gesto que también alegra y le brinda salud a la banda, y que genera un cariño con esa gente. El mismo que con ese grupo de restauradores del amor que puede recomendar a la banda, el disco o alguna canción en las redes sociales que usa. Tenemos un blog, un Twitter, un Facebook, un Soundcloud, pero no hemos encarado un "proceso de difusión".

L.Q.:-- Sabemos que hay que tener cuidado y dedicación. Es un mundo en el que todo se presta fácilmente a ser desechado. Siempre vemos casos en los que “tal banda se hizo famosa por Internet”. Yo creo que es más fácil que se te infecte la PC con un virus intentando subir un tema que llegar a ser famoso por la web. El esfuerzo viene por otro lado.

--Al momento de tocar en vivo, ¿qué cambia con el disco?

L.P.:-- Quizás alteró el orden de los temas, pero son básicamente los mismos: media docena de temas anteriores a esta etapa de Androide Mariana, de Eze y Lean, y otra media parida entre los cuatro. Y dos siendo trabajados. Por diversas razones, un recital de Androide Mariana dura entre 25 y 35 minutos, para los que vamos batiendo en coctelera ocho o diez de esos gajos, les ponemos limón, hielo, azúcar y ají putaparió, y servimos el jugo que nos sale. Claro que, más por contundencia que por otra cosa, tiene las frutas de Camboriú bien al frente, pero tras de ellas ocurre un batido de cocos en el que las canciones nuevas van encontrando sus arreglos, sus momentos y su forma, de cara a alguna otra grabación.

L.Q.:-- Nos interesa tocar para mostrar la música que hacemos y aprovechar para mostrar que somos unos sexy niños. El disco es un reflejo adornado de todo eso, y la gente puede descargárselo cuando llega a su casa, ¿qué mejor que eso? Ahora y antes del disco, un show enérgico y divertido siempre fue nuestro alto guiso de cada día.

Camboriú sintetiza en 7 temas la propuesta enérgica y tropical de Androide Mariana. Un compendio de fábulas suburbanas, referencias al rock de cepa eléctrica y bailable, sin dejar de lado coqueteos con la psicodélica. Pero, sobre todo, el valor agregado de la banda es la facilidad para fabricar estribillos pegadizos: esos que escuchas una vez y luego cantás por el resto de la semana. Aunque no hay una formula exacta para que un tema “pegue”, Androide Mariana tiene su propia manera de gestar canciones pegadizas.

L.P.:- A la hora de hacer los temas intento entender de qué habla Eze y la lógica melódica que él o Lean proponen, y coordinar una solución rítmica junto a Beto. Una solución durante la composición, otra durante el registro y una final para el en vivo del tema ya grabado. Grabar canciones permite fijarlas, escucharlas sin tener que tocarlas y comprenderlas mejor, atendiendo a lo que cuentan. En Camboriú no hicimos música instrumental ni una obra conceptual, pero hay segmentos musicales y otros donde se cuenta algo. También, cada parte tiene su tratamiento. Y en esa tensión constante, uno se topa con la mejor forma que puede imprimirle a esa música.

L.Q.:--También puede darse que cuando nos juntamos a zapar algo los cuatro, al otro día escuchemos la grabación de lo que salió y nos demos cuenta de que varias cosas estaban buenas y nos den ganas de pensarles una estructura para meterlas en Androide. Eso es entretenido, porque nos encanta darle una interpretación o sentido a algo que salió en el momento sin pensarlo previamente. Por ejemplo, una noche en una de esas zapadas salió una frase que decía “Eres cuando fumas esa pipa” y a partir de ahí nos pusimos a debatir el sentido de lo que decía una frase que nadie había pensado ni un segundo antes de decirla.

--¿Proyectan integrar los temas que quedaron fuera de Camboriú en un próximo álbum?

L.Q.:-- Vemos la posibilidad de que la mayoría de los temas que no integraron este trabajo sean grabados en un segundo disco. De todas formas todo es muy dinámico, casi como un torneo corto. Los temas que hoy incluiríamos en un segundo álbum, tal vez mañana nos parezcan peores que las canciones del Parque de la Costa. Esperemos que eso nunca pase.

E.V.:--Seguramente hagamos otro disco de la misma longitud que incluya las que quedaron afuera y algunas nuevas que estamos ensayando. Me interesa tener un disco nuevo todos los años, el formato de veintipico de minutos que está entre EP y LP es el que mejor se ajusta a nuestras posibilidades y necesidades por el momento.

D.V.:--Nos gustaría sacar uno o dos temas a fin de año. Sería un regalo de Navidad. Veremos qué pasa.

Mientras la banda se prepara para encarar la última parte de año, que incluye recitales, un trabajo de composición que no se detiene y tal vez alguna grabación de fin de año, intentan acomodarse en un circuito que si bien se encuentra en pleno auge, no termina por concretar un movimiento homogéneo, sólido y convocante. “Las movidas muchas veces no se sabe en base a qué están articuladas, entonces en esos casos no se puede especificar cuáles son los rasgos que hacen una banda pertenezca a un clan especial. Si la relación con la propuesta es musical, yo al menos no creo encontrar un vínculo muy estrecho con una movida en particular. Ahora, si es respecto del modo independiente de vivir una banda sí se está en una movida, pero en la que entran miles y miles de ellas, por lo cual dejaría de ser una movida”, analiza Leandro.

*Androide Mariana tocará junto con Cldscp y Sub el 25 de noviembre en Monociclo Artes, Yrigoyen 6926, Banfield.

*Descargá Camboriú en androidemariana.blogspot.com

Mamá: ¡Quiero ser artista!.-

Muchas veces hasta cuarto grado los chicos no tienen actividades artísticas. La Fundación Arte con Voz, enfocada a escuelas públicas y centros comunitarios de la provincia de Buenos Aires, brinda talleres extracurriculares para que los alumnos desarrollen sus habilidades y conozcan sus talentos.

Por Soledad Arréguez Manozzo

Buenos Aires, octubre 19 (Agencia NAN-2011).- Los contornos irregulares de las hojas de los árboles contrastan con la blancura del papel. Poco a poco, comienzan a ser habitados por arcoíris de colores. Cada pincelada contagia de matices y texturas las hojas vacías que cada uno de los chicos ya transformó en una pequeña obra de arte. Los crayones, las témperas, los lápices, la plasticola y un sinfín de elementos de la cotidianidad escolar dan rienda suelta a la creatividad de los más chicos. Pero no se trata tan sólo de aprender a realizar un trazo: la experiencia artística es utilizada como un lente hacia la exploración de la realidad, como una herramienta más para la educación. Esta es la propuesta de trabajo de la Fundación Arte con Voz que, desde hace tres años, brinda talleres en escuelas públicas primarias y centros comunitarios de la provincia de Buenos Aires con el objetivo de que los chicos puedan desarrollar sus potencialidades, aptitudes y habilidades.

La creación artística se convierte en una ventana a otros conocimientos. “El arte es usado como una herramienta para mejorar la educación. Es un gran integrador: hay un intercambio que nutre a todos y enriquece. Hay cuestiones de convivencia que mejoran notablemente, por ejemplo, el respeto hacia el otro y la diversidad. Es entender que no hay lindo o feo, quien dibuje mal o bien, sino distintas maneras de expresarse”, cuenta Mariana Sánchez, coordinadora ejecutiva de Arte con Voz, a Agencia Nan.

La experiencia en los trabajos --que involucraron títeres, esculturas y hasta pinceles-- en las escuelas del Delta y de zonas rurales del territorio bonaerense han arrojado grandes resultados en el aula: aumento de la concentración del grupo, mayor facilidad para entender las consignas, incremento en la originalidad de las producciones, mayor control de los impulsos verbales y conductuales, mayor capacidad de trabajo conjunto, mayor goce, entusiasmo y alegría por el trabajo, entre otros. Todos estos cambios repercuten después en la maestra cuando les enseña los contenidos curriculares a los chicos. Ciencias Sociales o Literatura. Ambas materias pueden trabajarse de la mano con el arte. “La propuesta consiste en trabajar mano a mano y codo a codo con las maestras de grado, y así complementar transversalmente con el contenido curricular por medio del arte. Se trabaja mucho con la institución y la comunidad que representa esa institución”, explica la coordinadora.

Los talleres destinados a chicos de 1º a 3º grado funcionan hoy en dieciséis escuelas primarias. Allí, un artista desarrolla un proyecto sobre una determinada disciplina, y luego las propuestas rotan para que los chicos tengan un acercamiento a distintas miradas y formas de hacer arte. La idea es que pueda haber una apertura a todas las manifestaciones. “Queremos mostrarles a los chicos que hay una gran gama de posibilidades, que después opte, que sepa que pueda elegir diferentes cosas. Es también un mensaje de vida”, reflexiona Sánchez. Es que mediante el arte se pueden alcanzar otros mundos.

En los primeros talleres, las nenas dibujaban corazones, flores y mariposas, y los nenes en la el caso de las escuelas de Islas hacían lanchas y pescados. Ellos mostraban su contexto, lo que conocían de su vida cotidiana. Pero a partir del trabajo con el arte, empezaron a ver otros mundos posibles: “Comenzaron a abrir ventanas a luces, a sonidos. Exploran cosas nuevas. Cuanto más chicos empiezan a trabajar en el arte, más libres son y también más desprejuiciados están”, asegura.

En ese sentido, la Fundación busca que desde edades tempranas reciban educación artística porque es el momento en que son más susceptibles y permeables para recibir un montón de cuestiones que se despiertan a través de los trazos, los colores y la música. Es que un círculo sobre un papel puede significar más que una forma. “La educación tradicional tiende a incorporar conocimiento. Es repetición, el contenido se va dando y tenés que estudiar eso. En el arte, la idea es que los chicos puedan sacar de sí lo que tienen para dar, y todos tienen algo. Les ayuda a descubrir sus talentos y la creatividad. Pero muchas veces hasta cuarto grado los chicos no tienen ninguna actividad artística, ni dibujo, ni música”, dice Sánchez.

El desafío está en que en cada aula los chicos puedan tener un primer acercamiento a las experiencias artísticas. “Si bien hay un programa de educación artística que contempla el Ministerio de Educación y hay una currícula muy buena desarrollada, en la práctica no se designan a profesores de artística por falta de recursos. Esas horas quedan dentro del horario escolar: los chicos están a cargo de la maestra de clase y no reciben ninguna materia relacionada con las artes”, apunta la coordinadora. Por esa razón, desde Arte con Voz quieren que la propuesta trascienda el trabajo particular de una escuela, quieren que la educación artística sea valorada como las Matemáticas. “El arte es la herramienta. Y a través del arte se puede decir mucho”, aseguran.

Sitio: http://arteconvoz.org

Abel Sánchez de León en No Avestruz.-

La efervescencia de cuatro cuerpos y cuatro mentes le dan forma a un espectáculo en el que cada historia surge de los desafíos que proponen los espectadores. Fluidez y equilibrio se mixturan sobre las tablas para darle sentido a la vitalidad del mundo que siempre se mueve.

Por Lola Kuperman
Fotografía gentileza Abel Sánchez de León y los que improvisan

Buenos Aires, octubre 18 (Agencia NAN-2011).- El cuerpo está en constante movimiento y es la búsqueda de un equilibrio lo que lo mantiene vivo, la razón de su vitalidad. La compañía teatral Abel Sánchez de León y los que improvisan está compuesta por cuatro cuerpos y mucha práctica. A tres años de su creación, el grupo se consagró ganador del Primer Campeonato Metropolitano de Impro Sport Argentina frente a otras 8 compañías. La efervescencia de sus cuerpos y la agilidad de sus mentes son los únicos responsables.

En un match de improvisación las reglas, a primera vista, son simples: el público exige y los actores se adaptan a esos pedidos. La risa es la señal de que el camino elegido es el correcto y la inverosimilitud de las historias que se plantean en menos de cinco minutos es el puntapié inicial para abandonar la función con una cara dolorida de tanto carcajear. Lucas de Costa, Sebastián Ochoa, Agustín Maggi y Gonzalo Klein se fusionan todo en uno sobre del escenario, uno con nombre y apellido: Abel Sánchez de León.

Además de competir contra otras compañías de improvisación, Abel… creó su propio espectáculo donde a lo largo de más de una hora el público decide qué desafíos deberán enfrentar los cuatro integrantes. La base de las historias siempre nacerá de los propios espectadores, quienes sugerirán diversos rubros como un título, una relación o hasta quién ha sido asesinado.

Con esta idea como punto de partida y un género, elegido por “los Abelitos”, como soporte, los cuatro actores demostrarán ser poseedores de un número infinito de identidades. Las edades, el sexo, la profesión o la nacionalidad se transforman en la plastilina que moldean a gusto del público a través de sus cuerpos, de sus timbres de voz y de la metamorfosis de sus caras.

De Costa, Ochoa, Maggi y Klein se conocieron hace más de siete años actuando en la Liga Profesional de Improvisación. La química grupal los llevó a crear su proyecto y ser, en su espectáculo, sus propios actores, guionistas y directores. La versatilidad y la velocidad para enlazar el género con la idea y desde allí crear un argumento sólido, se verá opacado por la fusión del grupo al actuar. La simbiosis entre ellos excederá el vestuario idéntico o las boinas dispuestas en el mismo sentido en sus cabezas. Se escuchan, se miran, se acompañan y se dan pie para formar un equilibrio escénico. Al ver la obra una verbo podría resumirlo todo: fluyen.

Tres sillas, un timbre y un micrófono serán los únicos elementos que ocuparán el escenario del teatro No Avestruz. El público se ubicará a lo largo de unas gradas que nacen desde el piso del escenario y dos sillones, con más espectadores, completarán el círculo que Abel Sánchez de León y los que improvisan se empeñará en crear a lo largo del espectáculo. Las carcajadas que dejarán sin aliento al público irán de la mano con los instantes de empatía con los actores. Ante los desafíos más inverosímiles, los instantes de vacilación de los improvisadores desencadenarán una risa cómplice y compartida entre todo el teatro.

Abel Sánchez de León necesita del público como el público necesita de ellos. La participación de ambos, en interrelación, es fundamental para el éxito de la función. Teatro lleno tras teatro lleno, los improvisadores han demostrado que saben exactamente lo que hacen. Su fuerte: la imaginación trasladada a sus cuerpos como si fueran uno solo, se completará al fusionar también, en ese gran vaivén de risas e ideas, a un público que demanda ser incorporado. Si la búsqueda del equilibro es la razón de la vitalidad, el cuerpo de Abel Sánchez de León parece ser poseedor de tanta que los espectadores, tras presenciar su función, obtienen una porción de regalo capaz de alivianar cualquier pena.

*Abel Sánchez de León se presenta el sábado 29 de octubre a la medianoche en el Teatro No Avestruz, Humboldt 1857, Ciudad de Buenos Aires.

Discos: a (NormA, 2011).-

La banda portadora del “rock 2 tonos” sacó su tercer disco: un ladrillo más en la construcción de un lenguaje propio, uno de los mejores del 2011 platense.

Por Facundo Arroyo

La Plata, octubre 17  (Agencia NAN-2011).- “Fetal”, “Freezer” y “Rosa”, son tres palabras que pueden ser nombres, tres canciones que pueden ser arranques. Dicen entre sí: “Un sonido nuevo para comunicarse”, “todos los abrazos van a pasar por el freezer” y “las rosas fueron basura y señuelo”. Así, arranca el tercer disco de NormA, banda de La Plata que se programa en Tolosa, un barrio lindero.

El disco fue grabado en los Estudios Tolosa, mezclado por Mansa Esaín y masterizado por Graham Sutton (Bark Psychosis), respaldado por el sello independiente Cala Discos y distribuido por Scatter Records.

NormA tiene lenguaje propio. Hace rato que con su “rock 2 tonos” plantean varias ideas (¿post punk expresionista?), siempre desde su universo. Este tercer disco muestra una ruptura. “Complejizar lo simple”, dice su cantante y guitarrista Sebastián “Chivas” Argüello que es el autor de todas las canciones y de (casi) toda la música. Pero el sonido que presenta la banda también es gracias a la primera guitarra de Gualberto De Orta, la batería de Pablo Coscarelli y el bajo de Richard Baldoni, quien además se encargó del diseño de tapa, al igual que en los dos trabajos anteriores (Rock 2 tonos y NORMA).

Y para entender la construcción del lenguaje propio de NormA qué mejor que relatar su propio abecedario: a (minúscula y elegante) se llama el disco y parece que el motivo no es un cierre (como se muestra en “Habitación”) sino más bien la apertura a un camino propio que los pone de manifiesto como referentes de la cultura rock de la ciudad de los diagonales.

En el abecedario de NormA, habrá rescate social: “Pañuelo”, “NDI” o “Grises”; y los guiños a la estética de una ciudad distinta: “746”. Además de la voz del líder de Míster América (Gustavo Astarita) en “Mentes”, canción compuesta junto a “Chivas”, dos cantantes y amigos.

Ahora, durante la presentación oficial del disco en La Grieta (Galpón de encomiendas y equipajes), “Chivas” mira con los ojos brillosos el “Poder” del pogo y la banda se despacha con el espasmo de “Hacha”. Mansa, desde abajo, agita la cabeza en señal de afirmación y parece que piensa que participó de uno de los mejores discos del año, al menos, del rock platense.

http://www.myspace.com/norma2tonos
http://www.purevolume.com/norma

Liliana Cabrera: “Encontré mi identidad dentro de un penal”.-

Detenida en una unidad penitenciaria de Ezeiza, Liliana Cabrera construyó su libertad en la poesía y escribió un libro. Fue un primer paso en la eterna búsqueda de la satisfacción: abierta su cabeza, como ella dice, se le ocurrió fundar la editorial Me Muero Muerta. La propuesta abarca cartón y materiales menos tradicionales. Y está pronta a lanzar un e-book.

Por Carla Perelló

Buenos Aires, octubre 14 (Agencia NAN-2011).- Liliana Cabrera es multifacética e hiperactiva. Trabaja, estudia derecho en la Universidad de Buenos Aires y asiste a diversos cursos: de fotografía estenopeica --la técnica más antigua y sencilla--, de poesía y de programación en computadora, entre tantos otros. En julio de este año publicó su primer libro de poesía, Obligado Tic Tac. Y en la última presentación de este trabajo, dio a conocer el nacimiento de la primera editorial cartonera dentro de un penal de mujeres, Me Muero Muerta. Sí, así es: Liliana Cabrera está hace cuatro años tras las rejas. Pero los barrotes no se convirtieron en límites a su capacidad de acción.

Todo lo contrario. A cada paso que da Liliana, las ideas le brotan y poco es lo que tarda en ponerlas a rodar. La editorial es un ejemplo, ya que la propuesta no se limita a lo más convencional --las tapas de cartón--, sino que también incluye soportes de lo más originales. Por ejemplo, frascos de café que se convierten en poesía visual y textos en braille.

“Creo que encontré mi identidad. ¡Mirá dónde! ¡Dentro de un penal!”, descubrió entre risas y sonrisas ante Agencia NAN, en una charla en una de las cárceles modelo de la Nación, la Unidad Penitenciaria de Mujeres Nº 31, de Ezeiza. Cabrera trabaja con Silvina Prieto, una de sus compañeras, también escritora. Las dos trabajan en las ideas para el arte de tapa y la encuadernación. Prieto se ocupa más de la técnica, porque antes de quedar privada de su libertad trabajaba como restauradora de antigüedades y tiene conocimientos en artes plásticas.

Obligado Tic Tac, fruto del taller Yo no fui, fue publicado por una editorial neuquina, Cartoneritas Soler. La razón por la cual Cabrera y Prieto pusieron en marcha Me Muero Muerta --la editorial que funciona dentro del penal-- fue la dificultad que implicaba el traslado de los libros hasta Neuquén, ida y vuelta. Las primeras publicaciones que se concretarán desde la editorial serán el segundo libro de ella --probablemente dentro de un mes--, el primero de cuentos de su compañera y una selección de poetas latinoamericanos. Y hay todavía más: la idea es atravesar fronteras. ¿El próximo paso? Un e-book con la colaboración de la documentalista Marcia Paradiso.

“Es un orgullo hacer esto. Es una forma de demostrarle al afuera lo que se puede hacer acá adentro, de derribar los prejuicios lógicos que alguien pueda tener. También, es una manera de mostrarle a mis compañeras que pueden tener proyectos a futuro”, relata cuando todavía le faltan seis años para su libertad. “Va evolucionando todo”, reflexiona. “Me parece bárbaro que una persona pueda estudiar dentro de un penal y recibirse. Hace un par de años no se podía pensar en una editorial como ésta”, cierra.

--¿A qué atribuye el cambio?
--Tiene mucho que ver con lo que piensan las autoridades máximas del servicio penitenciario. La tarea de Marambio (N. de R.: Alejandro, subsecretario de Gestión Penitenciaria de Justicia de la Nación) es fundamental. Cuando él no estaba este tipo de proyectos educativos no existía. Cuando llegué, hace cuatro años y dos meses, había cursos de tejido y de costura. Los de programación no estaban. Lo más avanzado que había era un curso de cerámica. Se pensaba que los internos tenían que hacer laborterapia con las manualidades. Por otro lado, estas cosas surgen a partir de asociaciones civiles como Yo no fui, que son un oasis en el medio de la nada. Ayudan a desarrollar otras cosas, te hacen pensar más allá. A mí nunca se me hubiera ocurrido hacer lo de la editorial sino hubiera publicado el libro.

--¿Qué le representa el haber lanzado esta editorial?
--A través de esta propuesta todos pueden ver que aún en los peores momentos uno se puede encontrar. Eso es lo que me pasó. Parece mentira que en un lugar como éste me haya encontrado. Y estando afuera no se me hubiera ocurrido. Lo que noto es que cuando las chicas tienen un proyecto a seguir afuera se ponen las pilas y no andan jorobando. Ponen todo el empeño ahí, buscan tener una conducta para llegar al afuera con un proyecto. Creo que toda persona para salir bien de acá adentro tiene que tener un proyecto, no sólo por lo económico: algo en qué ocupar la cabeza.

--¿La editorial es un empujón para las que no se animan a tanto?
--Sí, es la piedra inicial. Esto lo hicimos nosotras, pero atrás puede venir un montón de gente con proyectos que antes quizás no hubieran sido considerados, por estar hechos por internas. Después, quizá se animen a hacer otras cosas. Las autoridades no van a tener más tapujos de los que había antes. Se abrió una puerta.

--¿Por qué el nombre de la editorial?
--Se llama así en honor a la editorial Y si me hiere un rayo.... Completamos la frase: si me hiere un rayo, me muero muerta. Ese era el chiste. Se llama así por más de que moleste o cause gracia. Hacemos desde tapas de cartón hasta soportes no convencionales. Por ejemplo, usamos frascos de café que fueron donados desde todas las divisiones para hacer poesía visual. Esto involucra al taller de poesía y de fotografía. Además van a tener poesías en braille.

--Lo toman como un trabajo pero también como un aprendizaje constante, ¿no?
--Sí. Tratamos de hacer varias cosas a la vez, lo que no es fácil, pero nos viene saliendo bien. Por ejemplo, tenemos un blog (www.memueromuertaediciones.blogspot.com) que tratamos de actualizar cada tanto (con la colaboración de Paradiso, desde afuera) y estamos poniéndole toda la garra al e-book. Sería rarísimo tener un e-book desde un penal. Estaría bueno que sea un compendio de sonido e imagen para que podamos desarrollar los conocimientos que adquirimos en programación.

--¿Cómo es el trabajo a la hora de recolectar los materiales que necesitan?
--Con el tema del cartón ha colaborado mucha gente, desde compañeros, hasta la misma gente de la unidad, como el personal del servicio. Los de la proveeduría nos donan el cartón que utilizan para traer los productos y yo siempre consigo alguna caja. Cartón siempre conseguimos. Si no sale de la panadería, sale de algún lado. Con los frascos lo mismo, los van donando las compañeras. Es una cadena.

--De alguna manera, las palabras se materializaron en apoyo institucional.
--Sí, me sorprendí. En un primer momento pensé que íbamos a tener más palos en la rueda. Quizás ven que esto es un proyecto a futuro, más allá de que sirva para que nos mantengamos ocupadas. Lo que planteo cada vez que hablo con una autoridad es que éste es un proyecto que queremos seguir afuera.

--¿Cómo fue la conversación con las autoridades?
--Se quedaron mirando, como diciendo: “¿Una editorial en el penal?”. Pero cuando conocieron la idea, vieron los libros, estuvieron en la presentación del mío… Entonces vieron algo puntual, no una idea y nada más. Cuando tuvimos que solicitar el permiso para hacer la presentación se quedaron mirando también. Lo mismo cuando vino María Medrano (de Yo no fui) a pedir permiso para que pudiera salir a la presentación del libro. Y después vieron que se materializan las ideas. Al principio es un shock para ellos, pero ahora están más acostumbrados. Me han facilitado bastante las cosas. Se han portado bien, tengo que decirlo. Y lo agradezco porque yo no dejo de ser una interna.

--En la última presentación de su libro hizo hincapié en agradecerle a sus compañeras, ¿qué respuesta ve de parte de ellas?
--Lo que veo es buena onda. Les hablé de la editorial y me dieron todo el apoyo porque ven que esto sale de nosotras. También hubo mucho apoyo de parte de las autoridades y de la organización Yo no fui, que hace la distribución que nosotras no podemos hacer. Es un proyecto nuestro y eso está bueno. Mis compañeras ven que si una pudo ellas también van a poder: es una sensación de confraternidad. Lo vi el día de la presentación del libro y lo veo todos los días. Lo ven como algo que puede ser de ellas. Se sienten orgullosas de que esto haya salido desde acá. A mí también me pasa cuando veo que a una compañera le va bárbaro en lo que hace. Hay un par de chicas que ya están estudiando la carrera y yo estoy por el Ciclo Básico Común (CBC) recién, por eso estoy orgullosa de ellas.

--Pareciera ser un ejemplo para ellas, ¿lo siente así?
--Noto que ellas ven lo que una hace y quizá lo tomen como un modelo. Estoy contenta de sentirme querida, lo que no es fácil en un lugar como éste. Hablo con la chica más tranquila hasta con la más “cachibache”, como se dice acá. Siempre he tenido esa facilidad. Y la verdad que ese día del encuentro en la presentación del libro me sentí querida. Y es hasta el día de hoy que cuando me encuentro a alguna, me tira buena onda.

--Se siente acompañada...
--Sí, porque la verdad que podría tomarse esto para que digan “Uy, ¿esta qué viene a escribir acá?”. Y no. Se lo toman como algo positivo y ven que desde acá adentro se puede. Se puede hacer algo para todas. Como yo escribo, lo pueden hacer otras.

--Además de todos los proyectos y talleres en los que participa también estudia derecho en la Universidad de Buenos Aires que funciona dentro del penal, ¿por qué eligió esa carrera?
--Estando acá adentro me di cuenta lo importante que son los derechos y obligaciones que uno tiene, las garantías que uno puede llegar a tener, porque a veces por no ser idóneo te pasan por encima y no te das cuenta que quizá tuviste derecho a reclamar. Vi mucha gente que por no saber se quedó más años de los que debería haber estado. Es adquirir ese tipo de conocimiento, con el que te podés defender y podés defender a otras personas. Es defenderse del sistema.

Los jóvenes, ¡a las tablas!.-

Con el objetivo de profundizar el abordaje de las problemáticas, intereses y vivencias adolescentes en la escena local, la Asociación de Teatristas Independientes puso en marcha hasta el 15 de octubre la tercera edición del festival destinado a chicos y chicas de 14 a 18 años. Bajo las luces se verán los resultados de la investigación realizada por un grupo de artistas que abordando las costumbres juveniles se propone crear un nuevo teatro para esa franja etaria.

Por Soledad Arréguez Manozzo
Fotografía de Tomás Ballefin

Buenos Aires, octubre 12 (Agencia NAN-2011).- La infinidad de escenas que se recrean en el patio de cualquier escuela secundaria ahora podrán cobrar vida sobre el escenario. Los jóvenes, sus problemáticas, intereses y vivencias, fueron la inspiración para la creación de nuevas puestas en escenas y textos que forman parte de la tercera edición del Festival Internacional de la Asociación de Teatristas Independientes para Niños y Adolescentes (ATINA). Al fin, llegó el momento de la secundaria. Hasta el 15 de octubre se podrán disfrutar en salas porteñas diez espectáculos destinados exclusivamente a los jóvenes de 14 a 18 años. Bajo el reflector, se verán los resultados de la investigación que un grupo de artistas puso en marcha hace tres años en escuelas, con el propósito de conocer los temas que interesan a los jóvenes y así crear un nuevo teatro pensado para ellos.

El teatro fue a buscar a los adolescentes. Y así la escuela se convirtió en una ventana a su mundo interior. El proyecto “Patios del Recreo en Iberoamérica” abordó la temática juvenil a partir del trabajo de campo de elencos de Colombia, Brasil, Uruguay, Chile, España, México y Argentina, con la meta de acercar cada vez más adolescentes a los escenarios. Los teatristas del proyecto buscan generar nuevos espacios para la generación de textos que atrapen a la mirada juvenil. “Hace absolutamente falta una dramaturgia destinada a los adolescentes. No existe como tampoco existe un teatro pensado para ellos”, remarca Carlos De Urquiza, presidente de la comisión directiva de ATINA, en diálogo con Agencia NAN.

-En el mundo adolescente, priman las pantallas y las múltiples atracciones del lenguaje audiovisual. En este contexto, ¿cómo se puede seducir a los adolescentes para que vean teatro?
-Si lo supiéramos tendríamos las salas llenas de jóvenes, lo cual no es así. Hay un trabajo que realizar para que los jóvenes comiencen a interesarse por un lenguaje como el teatral. Para eso, el teatro tiene que dar el primer paso y empezar a enfocar situaciones y temáticas que le sean interesantes a los adolescentes, donde ellos se sientan reflejados. Justamente, la investigación en los “Patios del Recreo…” tiende a eso, a investigar realmente el mundo de los jóvenes y qué cosas les interesaría ver arriba de un escenario.

-Desde esas escenas de la vida cotidiana de los adolescentes en el patio del colegio, ¿qué elementos después aparecieron en escena?
-Como parte del trabajo de investigación, surgieron muchas situaciones relacionadas con violencia, segregación, entre otras realidades en las cuales están inmersos los chicos: dificultades para vincularse, falta de entendimiento de los adultos de las problemáticas de los chicos, y de los jóvenes con respecto a ese mundo adulto, al que tendrán que integrarse y pertenecer.

-¿Y qué cosas les interesa a los adolescentes ver sobre las tablas?
-En general, le llaman la atención todas aquellas cosas en las que se sienten reflejados. Cuando el proceso de identificación se produce, están metidos. Lo que pasa, es que, en general, en los adolescentes, el teatro parte de la escuela y los conduce a ver espantosos espectáculos que recrean mal a los clásicos y que se hacen con el sólo propósito de que la escuela les compre la función. Justamente, contra eso, es de alguna forma lo que nosotros estamos trabajando. Generar nuevas alternativas destinadas para el público adolescente, en donde ellos digan ‘Eso me pasó a mí, a mi amigo o podría pasarme’.

-Muchos chicos se acercan por primera ver al teatro por medio de la escuela.
-Lo que eligen en la escuela, en general, está muy alejado de lo que sería el gusto del adolescente. Las propuestas que termina viendo lo aburren y así termina convencido de que el teatro es muy aburrido. ¡Para colmo el docente les dice que van a tener que hacer un trabajo sobre lo que vieron!

-Los teatristas, además, tienen el desafío de lograr que los adolescentes abandonen el ritmo de las nuevas tecnologías. El teatro tiene otro tiempo…
-Todo tiene que ver con el grado de interés que le pueda despertar lo que están viendo. Por mi experiencia, cuando lo que se plantea desde el escenario es de su verdadero interés, quedan absolutamente enganchados con lo que están viendo. Hay que lograr que los impacte, que sientan como propio eso que está sucediendo. Ahí el resto desaparece.

-¿Qué haya escasa oferta para los jóvenes en la escena teatral representa una dificultad en la formación de nuevos espectadores?
-Ocurre un círculo vicioso: los adolescentes dicen ‘no vamos al teatro porque es aburrido’ y los teatristas dicen ‘no hagamos teatro para adolescentes, porque ellos no vienen al teatro’. Este proyecto (Patios de Recreo) se trata de terminar con esta rueda y que desde el teatro comencemos a producir propuestas que puedan atraer a los adolescentes.

-Esta escasez en la oferta también se ve en otros ámbitos. Por ejemplo, hay programas de televisión destinados para chicos y para adultos, muy poco para adolescentes. Allí tampoco encuentran algo pensado para ellos.-El mundo adulto se preocupa, en general, del adolescente como consumidor: ahí tendrá muchas ofertas, pero hay más que consumo en la vida. Esto es lo que intentamos decir nosotros. Las modificaciones que lo teatral puede producir es dentro de un micro universo, pero es una modificación al fin.

-¡Cuántos desafíos para la dramaturgia juvenil argentina…!
-Con la excursión al patio del recreo fuimos donde están los chicos con su problemática para ver lo qué les pasaba y deseaban. ATINA surgió para trabajar para un mejor teatro para niños y jóvenes. Ese es el objetivo que venimos trabajando hace ya diez años y para tender puentes con teatristas de todo el mundo, con mucha mayor razón de Iberoamérica, donde nos une un pasado en común y un lenguaje.

Programación del Festival, salas y horarios en http://atina.org.ar/
* Hoy se presentará el libro “Patios del Recreo en Iberoamérica” con una mesa redonda sobre el teatro para adolescentes. A las 18 hs, en el Teatro Nacional Cervantes.

El Bicho Bolita en Domingo Terciopelo.-

En el marco de la celebración por los nueve años del clásico Domingo Terciopelo, un espacio auto-gestionado que conjuga arte, expresión y servicio social, El Bicho Bolita & Los Paris Gatitos demostraron porqué son la banda independiente con más convocatoria del Valle de Río Negro y de Neuquén.

Por Guillermina Watkins
Fotografía gentileza El Bicho Bolita & Paris Gatitos

Neuquén, octubre 11 (Agencia NAN, 2011).- Una vez más, todos se dieron cita en el Domingo Terciopelo. Venciendo la modorra intrínseca del último día semanal que marca el calendario, venciendo el viento fresco que tampoco se empecina en anunciar la primavera, la comunidad emponchada se acercó a festejar los 9 años de un espacio auto gestionado que continua remando ante la adversidad: crear un taller expresivo-artístico para los usuarios de salud mental del Valle (de Río Negro y Neuquén) sin apoyo de privados ni del Estado. Pautas de una gran historia de resistencia, de amor y, sobre todo, de compañerismo.

Como es costumbre, el Domingo de Terciopelo “Aniversario” tuvo variedad y estilo. Porque esa es su propuesta: la generación de “comunidad”, integrando a los artistas de la ciudad con las expresiones producidas desde el taller Artepidol. Por eso, como locales que son, el puntapié lo dieron con Un sueño de Locos, la obra de teatro que presentaron el fin de semana pasado en el 11° Festival y Congreso Latinoamericano de Artistas Internados y Externados de Hospitales Psiquiátricos en Mar del Plata, Una puerta a la libertad, organizado por el Frente de Artistas del Borda.

Después del show de Atrás hay truenos, de soplar las velas de una gran torta hecha por el colectivo de Despresadas de la Unidad de Detención de Mujeres n°16 y de que el grupo de improvisación Tearto de improvisto hiciera reír a los presentes, llegó el turno de El Bicho Bolita & Los Paris Gatitos, banda local que es fija en cada cumpleaños de Artepidol. El público, que hasta entonces había estado sentado, se paró rápidamente y se introdujo en el carrusel de sensaciones que invita la banda que conduce Ricardo Sueldo.

El Bicho y su banda --que completan Mucho en guitarra y violín, Tonga en percusión, Mauri en la batería, Tute en bajo y Lautaro en sonido--, demostraron porqué son la banda con más convocatoria regional: un cantante carismático, popular y natural, que no teme enrollarse en su coraza y sumergirse en todos los ritmos de la canción popular, acompañado de cuatro gatos que la descosen en sus instrumentos. La base es poderosa, Tute se calza el bajo y en una composición plástica, el instrumento se convierte en parte de su cuerpo; lo mismo le sucede al violero que en cada show entabla una relación íntima con su guitarra y el baterista y percusionista que, tocando dos cosas con funciones completamente distintas, unen su cadencia rítmica para meterle rock y son a las canciones del Bicho.

Con ellos, lo oscuro se vuelve alegre, lo romántico sutil, lo alegre una bomba de rock con reminiscencias punk. Una comunión musical que merece un público saltando, enloquecido, ante cada canción o alarido del Bicho Bolita que a veces se parece a Palo Pandolfo, otras veces a Sandro con los del Fuego y a Leo Masliah, pero que siempre es él mismo, capaz de reunir en su canción el más bello concepto de amor con la más dolorosa muerte. Y el miedo, porque el Bicho con la guitarra colgada es como mono con navaja y sus movimientos son estrepitosos así como los rasgueos que desprende de ella. Pero sobre todo la sinceridad de un músico que tiene seguidores (y que realmente son muchos, porque llena teatros medianos que no todos los locales llenan) en La Plata –donde vivió más de cuatro años- y en Neuquén.

El autor de frases como “Miren qué bien que estoy” –esgrimida por sus seguidores platenses que comparte con los de Sr. Tomate como un sinónimo de locura- y canciones como “Tempera Azul”, “Estrellas de papel”, “Satélite”, “Viaje de vuelta”, “Ruta 22”, entre otros (tiene más de cinco discos caseros y otras yerbas) es uno de los artistas más originales de la escena. Con él nacieron los Tomate, pero después de él nacieron muchos más cantautores menos certeros, con una prosa más frágil. Como contracara, la poesía del Bicho es libertina y se conjuga con su particular manera de frasear, espontánea y ágil, desmarcada de los cánones de la canción, inventando sus propios tonos. Por eso su música es simple.

“Vamos a parir otro disco que está en mitad de la grabación”, comentó a modo de cierre El Bicho y, como una especie de gurú de las masas auguró: “seguro tendremos muchísimos encuentros más. Dios Quiera”. Amén.

Libros: “Sangre Joven” (Javier Sinay, 2009).-

Sin juicios morales, entre el nuevo periodismo y la no ficción, Sinay aporta seis crónicas que retratan a una generación. En una serie de crímenes que conmovieron a la sociedad, los jóvenes son víctimas pero también victimarios.

Por Esteban Vera

Buenos Aires, octubre 10 (Agencia NAN-2011).-Entre el nuevo periodismo y la no ficción, el periodista Javier Sinay (Buenos Aires, 1980) narra en Sangre joven. Matar y morir antes de la adultez una serie de crímenes resonantes que conmovieron a la sociedad. Todos con un común denominador: los jóvenes son víctimas y victimarios, pero sin caer en estereotipos y en pequeños relatos, como el crimen del boliche El Teatro ocurrido en 2003. Son seis crónicas que retrata a una generación (sobre todo, de pibes pobres) a partir de caminar la calle, entrevistar a los protagonistas e investigar.

Sinay, de 31 años, apuesta fuerte --en su primer libro-- a su subjetividad para narrar historias verdaderas en las que hace girar toda una época, la suya, con casos como el caso del Hombre Araña (un pibe de 16 años acusado de varias violaciones en La Plata) y la masacre de Carmen de Patagones, pero todo sin juicios morales. “Si los crímenes del Petiso Orejudo contaban a la Argentina de la década del 1910, aquella de los inmigrantes, los conventillos y el positivismo criminológico (…) ¿de qué Argentina hablarán los homicidios que se narran en este libro?”, es la pregunta desde la que parte el periodista. La respuesta se desliza en la selección de casos, en su mayoría dedicados a pibes sin o pocas oportunidades.

“Los amantes de Villa Pueyrredón. El crimen de la discoteca El teatro”, es una de las crónicas que se destaca en el libro. El relato narra el homicidio del chico, Federico Medina, de 20 años, asesinado a puñaladas a fines de diciembre de 2003 en el boliche de Colegiales, cuando un novio celoso, Cala, puso punto final a un triángulo amoroso con su novia, “la Pimpollo”. Justamente, la Pimpollo es la femme fatale de la historia según los juicios de los periodistas, pero el cronista se encarga de desmantelar el estereotipo que pesaba la joven curvilínea, al escucharla y armar las piezas del rompecabezas de la trama.

Otra de las crónicas que se destaca es “Querido diario. Nueve puñaladas en la bailanta S’Combro”. Relata el caso de Andy, una piba de 18 años sin oportunidades que solía ir a bailar con una sevillana en el bolsillo, que termina asesinado a pibe, en julio de 2004, tras una pelea en la emblemática bailanta de José C. Paz, al noroeste del Conurbano. Increíblemente, Andy confiesa su crimen en su diario íntimo. A través del caso, Sinay sumerge al lector en el universo villero, y si bien el cronista no enjuicia, sí generaliza y no siempre con acierto, como cuando describe “en las villas miserias que se desparraman por el noroeste del conurbano, hace tiempo que la femineidad se escribe con ‘F’ de fuerza”.

En resumen, Sangre joven indaga, a través de homicidios, en una generación que nació en los ochenta y atravesó los noventa menemista.

Pedreira: "Es tiempo de que la industria apueste a otra cosa".-

Desde el Festival Intenso Danza la propuesta está dirigida a mirar para otro lado: promocionar la disciplina, su enseñanza, formación y profesionalización, en sus principales estilos, a través de clases, conferencias, debates, proyecciones, exposiciones, stands que se apostarán sobre El Galpón de Guevara (Guevara 326) y Dance & Move (Jorge Newbery 3663). Las jornadas arrancarán mañana y se extenderán hasta el próximo lunes, en un fin de semana largo exclusivo para bailarines, coreógrafos, directores y productores que quieran compartir técnicas, experiencias e incluso necesidades. "Todos deberían tener la posibilidad de acercarse profundamente a lo que aman", subrayó el ideólogo del evento en diálogo con Agencia NAN.

Por Ailín Bullentini
Fotografía gentileza de Intenso Danza

Buenos Aires, octubre 7 (Agencia NAN - 2011).- ¿Cuánto vale conocer a un colega? ¿Cuánto ayuda a la tarea de uno el tomar contacto con formas diferentes de hacer lo mismo? ¿Cómo hacer para que tal encuentro suceda entre cientos de hombres y mujeres que caminan un sendero similar? Hasta aquí, cualquier persona que lleve a cabo una actividad con tanta pasión como para querer convertirla en pulsión de vida puede sentirse identificado. Los conceptos que aparecerán a lo largo de esta entrevista también podrán aplicarse a cualquier disciplina, más allá de que quien los desarrolle sea el actor Rodrigo Pedreira, en referencia a Intenso Danza, un evento que ideó y empujó, junto a un grupo de artistas de la escena a quien sedujo con la propuesta. ¿Cuál? "Promocionar" la enseñanza, formación y profesionalización de la disciplina, en sus principales estilos, pero también, y sobre todo, generar un encuentro de estudiantes y futuros bailarines, coreógrafos, directores y productores relacionados con este arte.

"Volví de un viaje con la idea. Tiré algunas palabras en el aire en charlas con amigos, y fue como hacer rodar una piedrita en una montaña de nieve", describe Pedreira que, en diálogo con Agencia NAN, diagramó la coreografía del proyecto, al que decenas de inscriptos de todo el país colmarán de sentido cuando se lleve a cabo durante todo el fin de semana largo. Desde allí, baila hasta los fundamentos prácticos y hasta emocionales que implican la "necesidad de construir desde lo colectivo y con un foco cultural en la danza". "Lo importante de Intenso Danza es que quienes lo pensamos y lo llevamos a cabo tenemos la suerte de trabajar y vivir de la danza, y queremos que todos los que se dedican a eso puedan hacerlo de esa manera. Para eso, sabemos adónde apuntar, dónde están los vacíos, qué mejorar. Intenso Danza es eso: un vacío que necesitó llenarse", señala para abrir un nuevo cuadro.

-¿En qué aspecto de la disciplina ve el vacío que Intenso... viene a llenar?
-Es algo que considero necesario aportarle a la danza argentina: promoción; que la danza sea para todos. Si bien acá cuenta con cierta evolución, Argentina es uno de los países que más desarrollo cultural tiene de América Latina. Quienes formamos parte de su mundo, quienes le damos existencia, no nos lanzamos a hacer proyectos como Intenso... de manera independiente. Quiero decir, no le decimos que sí a las ideas que se nos pueden llegar a ocurrir para que lo que más amamos crezca, sea más conocido, se meta más en la sociedad, en el público. Intenso es independiente en el sentido de que fue pensado y creado por nosotros, pensando en artistas que buscan desarrollarse en el mundo de la danza, de la música, de la canción. Y eso va más allá de que el festival haya conseguido el aval psicológico, ideológico y, si se quiere, económico de varios espacios. Más allá de eso, Intenso Danza es un proyecto elaborado desde nuestra mirada y pensando en lo que nosotros, desde el arte que ejercemos, podemos aportar a la cultura argentina.

-Plantea que la búsqueda de Intenso... es la promoción de la danza. ¿De qué manera intenta llevarlo a cabo?
-El objetivo principal de la propuesta es promocionar la danza desde la formación de quienes la desarrollan. Por eso una de las ventajas que ofrece a quienes quieran participar es la posibilidad de encontrar todo lo que necesitan para perfeccionarse en eso que aman hacer a tres pasos, de estudio a estudio. Pero, además, que se puedan encontrar, conocer, que puedan unirse en pos de proyectos, aprender del otro.

-¿La autogestión que deben desarrollar los bailarines respecto de su formación se transforma en una dificultad?
-Es una batalla que siempre se termina abandonando en pos del afán de querer vivir de la profesión. Pero eso tiene que ver también con la apuesta que se le da a la disciplina a nivel general. Para disminuir esa dificultad de tener que andar buscando profesores por todos lados, clases de aquí y de allá, con diferentes maestros importantes, para poder sumar perfección a la técnica, puntos de vista diferentes del movimiento, Intenso logró concentrar a muchas de estas grandes figuras de la enseñanza, como Margarita Martínez, Laura Roatta, David Señorián, a pocos metros de distancia. Concentración semejante de formadores, en un punto, promociona, fomenta al bailarín en el desarrollo y el sostén de la formación constante. La dificultad también es financiera, en el sentido de que se necesita mucho dinero para atender a ese tren imparable de capacitación que hay que tomarse cuando uno decide ser artista. Poder pagar muchas clases es difícil. El festival facilita, también, las cosas en esa instancia. Queremos apoyar a la promoción artística y cultural. Me considero una persona que amo lo que hago. Todos deberían tener la posibilidad de acercarse profundamente a lo que aman.

-¿Por qué plantea un contrapunto entre la formación constante y el convertir la danza como medio de vida?
-Me parece que, dadas las cosas como están hoy, para poder ver dos minutos de danza en la televisión tenés que comerte una hora de escándalo. Eso revela el lugar que se le da al arte, a la buena calidad del arte, en ese medio, que es el que mejor paga. Me parece que es tiempo de que la industria apueste a otra cosa. Habría que hacer hincapié en la formación académica, en las salidas laborales para poder fomentar ese camino en los bailarines. Hay muchos que invierten tiempo, dinero, y esfuerzo en trabajar sus técnicas de movimiento. Que no dé lo mismo, entonces, darles lugar a ellos que al escándalo. Hay que apostar al arte, a la formación de los bailarines, a la superación de ellos por ellos mismos como artistas, a la educación del público para que pueda disfrutar de ese arte como un medio de expresión. Esa es la clave de los grandes polos culturales de la danza en el mundo.

-¿Podría Argentina ser un polo cultural mundial de danza?
-Argentina tiene las capacidades. Lo ves en los espectáculos que ofrecen los actuales núcleos mundiales, como Londres o Estados Unidos. La diferencia es que en esos lugares, la danza es una industria y hay avales económicos muy grandes puestos en ella. El público puede identificarse con esos espectáculos. Aquí, la atención está puesta en otros ejes. Nosotros tenemos la capacidad y el talento, las ganas de pertenecer, de expresarnos, de bailar, de cantar, de actuar, de ser reconocidos por nuestro arte, a nivel personal y social. Pero la necesidad de vivir de lo que uno ama hacer presenta una disyuntiva: uno, con el afán de responder a esa necesidad, a veces comete errores y vende un poco su almita al diablo. Desde mi humilde punto de vista, queremos ser de los que aportan para que esa industria se vaya generando. Fanatizar a la gente, en el sentido de la formación, por querer superarse para alcanzar metas artísticas.

-El país cuenta con un campo creativo de danza independiente en crecimiento y varios focos oficiales que se mantienen, como la compañía del San Martín o la de Danza Contemporánea. ¿Cómo se fanatiza por la formación, teniendo en cuenta ese estado de situación?
-Es difícil de saber porque no sabés qué sucede primero, si el huevo o la gallina. No sabés si la gente no consume danza porque no tiene plata o si los productores ofrecen espectáculos de baja calidad para que el público se interese. A título personal, creo que la clave es arriesgar un poco más. El público busca entretenimiento, pero la gente no sabe cuánto gasta un artista para poder formarse, para sacarte una sonrisa cuando estuviste todo el día de mal humor o por dejarte con la satisfacción de haber visto una excelente coreografía de danza. Eso tiene que estar un poco más fomentado. Y para eso hay que tomar riesgos. En vez de invertir dinero en una producción dirigida por un gran director, que cuesta mucha plata, los productores prefieren apostar a las figuras famosas con el objetivo de llamar la atención desde allí. En algún momento hay que empezar a hacer las cosas bien. Hay que poner plata en donde verdaderamente sirva, hay que hacer proyecto más culturales y no tan palo y a la bolsa. Aportar a la buena formación y darle pelota para que desde allí nazcan buenos directores, buenos profesionales de la producción.

-¿Qué espera del festival?
-Sabemos que esta primera edición provocará un despertar a y de muchas cosas. Lo que no sabemos es para dónde va a dispararse. Por ahí Intenso Danza acaba convirtiéndose en un seminario de más días, más profundo y específico en esto de facilitar la formación al artista. También soñamos con hacerlo itinerante, para poder llegar a cada rincón de la Argentina.

Sitio: http://www.intensodanza.com/

El sur también existe.-

La Ley Provincial de Teatro Independiente sancionada hace unos años fue el preámbulo de un hecho inédito para la disciplina en el Conurbano bonaerense: atentos a la proliferación de espacios, los teatreros conformaron una red que apunta a visibilizar el trabajo, el arte y el empuje de unas 80 salas distribuidas en once distritos.


Por Natalia Arenas
Fotografía gentileza de Red Teatral Sur

Buenos Aires, octubre 5 (Agencia NAN - 2011).- ¿Qué diría usted si le contaran que en el conurbano bonaerense hay unos 80 espacios artísticos independientes donde se puede estudiar, ver y discutir sobre teatro? ¿Cuál sería su reacción al enterarse de que, a pocas cuadras de su casa, se presentan obras interesantes, con buenos elencos y prolijas direcciones? Seguramente se sorprendería. Porque el imaginario colectivo ubica la oferta cultural en Buenos Aires. Para ver espectáculos de calidad, hay que trasladarse al “centro”, a la “capital”. Error. En materia de diversidad artística, el sur también existe. Y hoy lucha por hacerse visible.

Incluso mucho antes de que la Legislatura bonaerense aprobara la Ley Provincial de Teatro Independiente, los teatreros de varios grupos del Conurbano pensaron en esto de que “la unión hace a la fuerza”. Pero la promulgación de la ley, en octubre de 2009, la posterior conformación del Consejo Provincial de Teatro y la consecuente designación de un fondo anual monetario para los trabajadores independientes de todos los distritos de la provincia fue un fuerte impulso para aunar esfuerzos.

El Consejo resolvió dividir el territorio en 15 regiones. La región sur es la más generosa de todas y, acaso, la más prolífera: contiene a once distritos (Esteban Echeverría, Lomas de Zamora, Almirante Brown, Lanús, Berazategui, Avellaneda, Ezeiza, Florencio Varela, Presidente Perón, Quilmes y San Vicente), entre los que hay que repartir los casi 186 mil pesos anuales que el gobierno provincial les destina. Exactamente la misma cantidad que percibe una región con, por ejemplo, cinco distritos.

Como una manera de amortizar gastos y considerando que los dividendos no daban buenos resultados a la hora de repartir el dinero entre 80 salas y más de 200 teatreros, la región sur, asamblea de por medio, resolvió resignar proyectos individuales e invertir ese monto en políticas conjuntas. Así, de forma inédita, nació la Red Teatral Sur. Un intento de hacer visible lo que desde hace años se gesta en el sur bonaerense: la oferta cultural y específicamente teatral.

El encuentro con los otros grupos, el intercambio y la puesta en común de las problemáticas que debe afrontar el teatro independiente hizo que los integrantes de esta red comenzaran a sentirse un poco menos solos. “Estas cosas sirven para darte cuenta que no estás solo en el mundo, que el tuyo no es el único teatro al que le cuesta traer gente. Porque, además, el problema no está en el teatro en sí, está en el hábito de la cultura. Y en la falta de descentralización”, opina Mariana Agüero (del Teatro Brancaleone, de Monte Grande, Esteban Echeverría), una de las tantas integrantes de la Red.

Como consecuencia de la urgente necesidad de hacerse conocer surgieron tres proyectos, que fueron aprobados en Asamblea: el de Comunicación, el de Capacitación y el de Formación de espectadores. El primero está casi listo y consiste en el desarrollo de un sitio web (www.redteatralsur.com), que nuclea todo lo que pasa en la escena teatral del sur y permitirá conocer la oferta artística diaria de cada uno de los distritos, con sinopsis y videos de las obras, y la posibilidad de reservar entradas con un sólo click. Igual que para los espectáculos que se ofrecen en “el centro”, sí.

“La idea de la web es comprender que no es necesario ir a Capital para tener una gran oferta cultural. Cuando uno habla del consumo de bienes culturales, piensa en los grandes centros de concentración, y nosotros mismos, hasta que no nos encontramos y nos miramos a la cara, ni siquiera sabíamos la enorme concentración de propuestas artísticas que hay en la zona sur”, destaca Agüero.

El sitio estará online a fines de octubre. Pero para el lanzamiento oficial, la Red piensa tirar las tablas por la ventana: el 5 de noviembre se realizará una “Noche de los Teatros”, en la que todos los espacios teatrales de zona sur van a estar abiertos a la comunidad, con funciones gratuitas.

Mariana Ortíz Losada (del espacio Disparate, de Lanús) es la consejera de la región sur y, por ende, quien representa a los muchachos del conurbano ante el Consejo Provincial y al Consejo ante ellos. Pero, además, ella es una de las responsables del segundo de los proyectos que la Red puso en marcha, el de Capacitación.

“Pusimos el acento en las áreas de Producción y Gestión, porque en el teatro independiente todos tenemos que sí o sí cumplir con el rol de ser gestores de nuestro laburo. Es decir, tenemos que saber venderlo y encontrar los recursos para que pueda funcionar”, explica. Y agrega: “La capacitación surge para que todos podamos democratizar el acceso a esas herramientas que en general son brindadas en cursos súper específicos, en la Capital, y a las que la mayoría de los artistas del conurbano no tenemos acceso”.

Pero, además, los talleres se centraron en oficios que circundan a la labor teatral: el vestuario, la escenografía, la iluminación. No hay que olvidarse que el artista independiente es ése que está en el escenario, pero muchas veces es también quien dirige, enseña, escribe y, por qué no, hace las veces de iluminador, de vestuarista y hasta colabora con la puesta en escena. Lo más interesante, además, es que estos cursos se adecuan a los contextos en los que se trabaja: cómo iluminar con cuatro tachos, cómo producir con escasos recursos…

El tercer proyecto se puso en práctica en abril. Un estudio de campo arrojó datos contundentes: el 92 por ciento de los estudiantes de escuelas secundarias no van al teatro. El programa de Formación de espectadores consiste en la visita de alumnos de escuelas públicas (sobre todo periféricas, pero sin excluir a las céntricas) a teatros de la zona. La idea es que vean dos o tres obras por año, según la posibilidad de los docentes de trasladarlos. Después de cada obra, se arma un debate entre alumnos, docentes y el propio elenco y se le envía un material a los docentes para que trabajen con los chicos en clase. Los resultados fueron más que positivos: todos los que asistieron por primera vez, quisieron volver. En los estudios de campo, los números arrojaron que un 15 por ciento de los jóvenes consideraba que el teatro era propio de una elite cultural y que ellos estaban por fuera de eso. “Había todo un prejuicio, además, de creer que porque estaba cerca, en la zona, no era bueno. El prejuicio de creer que si algo es cercano, no es interesante”, detalla Patricia Devesa, del Centro de Documentación, de Adrogué, Almirante Brown.

Los que saben, los que trabajan y dedican casi la totalidad de su tiempo al teatro independiente, no están tan de acuerdo con este imaginario. “La producción local tiene una identidad desde los textos que se eligen, cómo se montan e interpretan. Hay obras que no son de otros, sino que son hechas por los propios grupos… y eso habla de nosotros: eso es nuestra identidad”, expresa Agüero.

Y el enlazarse, integrarse y formar parte de una misma red hace de este momento histórico, un momento “auspicioso”, en palabras de Ortíz Losada. “Que todos estemos trabajando en distintas cosas en común y que se forme una red en la que todos podamos dar visibilidad en conjunto a todo lo que está sucediendo en la zona me parece extraordinario. Y la cultura no tiene competencia, no por ver una obra en Lomas, vas a dejar de ir a Monte Grande o a Lanús. Eso fomenta aun más el acercamiento”, señala.

Sitio (próximamente): www.redteatralsur.

Fueron los griegos en Brancaleone.-

Nacho Vavassori y Gabriel Molinelli interpretan, según escribió y dirige Alfredo Allende, casi lo mismo que son: un dúo de actores. En vez de argentinos sorteando el siglo XXI, son griegos a punto de decretar, en clave cómica y sobre el escenario, la debacle de Sófocles. De visita en el IV Festival de Teatro Independiente de Esteban Echeverría, la puesta sigue su marcha en la Avenida Corrientes.

Por María Daniela Yaccar
Fotografía gentileza de Fueron los griegos

Buenos Aires, octubre 4 (Agencia NAN-2011).- Tantísimos años antes de la llegada del mismo Cristo nació el acto de sentarse y posar el ojo en una acción que transcurre a una distancia física y emocional, y que lleva en sus entrañas eso que la psicología lacaniana denominó “pulsión escópica” (simplificando demasiado, el placer de mirar). Fueron los griegos, los responsables de una pila de aportes, en filosofía, en política, en teatro. Aunque, de más está decirlo, el dispositivo haya sido modificado en demasía --del gigante auditorio al aire libre al pequeño teatro en Monte Grande donde estamos situados-- es innegable que conserva su esencia: sentarse y posar el ojo en una acción dramática. Que, por cierto, en este caso, tiene a dos actores griegos como personajes principales.

Si en los diarios sale todos los días alguna noticia de la crisis griega, con el mismo grado de insistencia la cartelera teatral añade una obra griega, tal cual, inspirada o basada. A más de 2500 años de su surgimiento, el teatro griego vive su auge. No extraña: habla tanto de política como de sufrimiento individual, de decisiones extremas, de ética y moral, de la poderosa lucha entre el instinto y la racionalidad. Siempre se puede dialogar con él. Y eso hacen, cómicamente, Nacho Vavassori y Gabriel Molinelli, que, más que dos actores, son un verdadero dúo: esto es importante, porque el narcisismo de los artistas es mucho más notorio de lo que ellos creen. Muy alejados parecen de eso estos dos tipos con menos pinta de griegos que las mellizas Xipolitakis.

La obra que dirige Alfredo Allende --también responsable de la dramaturgia-- se presentó el sábado por única vez en el teatro Brancaleone de Monte Grande (9 de abril 935), en el marco del IV Festival de Teatro Independiente de Esteban Echeverría. De ahora en más se la puede ver los viernes a las 23.30 en Belisario Club de Cultura, Avenida Corrientes 1624. Fueron los griegos transcurre en Atenas, en el año 420 A.C. Vavassori y Molinelli (Hipófisis y Peroné, respectivamente) son dos actores en la víspera de un festival que posiblemente marcará la decadencia del gran Sófocles, para quien ellos trabajan: Eurípides viene pisando fuerte en el mundillo teatral clásico, al que imprimió elocuentes cambios, como tecnologías en la escena y la incorporación de un tercer actor.

En la noche previa al certamen, Hipófisis y Peroné se disponen al último ensayo de Edipo, la obra que los tiene por protagonistas. Ni siquiera se saben la letra, y no les cabe ni medio el texto del “viejo” --así lo llama Hipófisis-- y venido a menos Sófocles. Sobre esta base --la ignorancia de los actores con respecto a su trabajo--, Vavassori y Molinelli construyen, más que una historia hecha de peripecias, una situación en tiempo real, un teatro dentro del teatro que es una deconstrucción cómica de la tragedia. Y esto no es apenas un intento en estos dos actores, sino que es todo un logro. No por nada el público se acerca a darles la mano cuando termina la función.

Y eso que al principio la obra no parece lo que será: cuando se esfuerzan por hacer reír, Vavassori y Molinelli no brillan. Menos cuando el humor que utilizan se apoya en lo chabacano: Peroné es homosexual, y de eso tratan los chistes fáciles del comienzo. Gracias a Zeus, a los pocos minutos la obra da un giro de 180 grados. Sigue teniendo, sí, un humor sencillo, inclusivo (que llega a romper la cuarta pared); pero no fácil. Es un humor que tiene otras dos características fundamentales: es didáctico sin ser educativo y es crítico sin ser moralista. Decía Osvaldo Soriano sobre uno de los más inmensos dúos del humor, el conformado por Laurel y Hardy, que ellos cuestionaban a la propiedad y a la autoridad, “los valores más preciados por los norteamericanos de entonces”. ¿Qué critican y que cuestionan, entonces, Vavassori y Molinelli, que sí que saben hacer reír?

Si Vavassori, con un humor más de palabra, es el timón de la acción; Molinelli encarna a la reacción: responde mágicamente con su lenguaje corporal, sobre todo con la riqueza de los gestos de su rostro. Con el recurso del teatro dentro del teatro, ellos critican los valores más preciados de la disciplina actual que, según parece, no son tan distintos a los fundacionales. Tácitamente, critican la solemnidad a la hora de acercarse a la génesis de todo, riéndose de los autores que se merecen el mayor de los respetos. Explícitamente, se ríen de un público que es “lo peor del teatro”, porque no sabe un comino sobre aquellas obras a las que va a ver. También, prueban que el mundo artístico en general y el teatral en particular están hechos de una vil competencia que no siempre está emparentada con el afán de renovación. Y finalmente, se preguntan, una y otra vez, para qué son actores, si ni siquiera saben lo que mañana tendrán que decir.

IV Festival de Teatro de Esteban Echeverría: http://www.estebanecheverria.gov.ar/