Agencia NAN | Buenos Aires, Argentina (2006-2011)

Robertita Superstar: "Hoy existe una búsqueda de cosas nuevas, sin tanto barroco y con otro lenguaje que se está gestando".-

2012-01-27T01:22:00.000-03:00

Con un lenguaje coloquial y fragmentario, la ilustradora de 35 años acaba de publicar su primera novela, LOSER. Celebre en la web, sobre todo, por su blog Treintañera, que alimenta desde 2006, la escritora arriesga: “Hoy la literatura es más terrenal, el lector puede decir ‘esto me puede pasar a mí’ o puede hallar historias de perdedores acordes a la vida real”.

Por Lola Kuperman

Ilustraciones gentileza de R.S.

Buenos Aires, enero 27 (Agencia NAN-2012).-Van a mil. Ella, su libro, su personaje, sus múltiples profesiones, sus objetivos y claro, sus manos. Se hace llamar Robertita Superstar y junto a su nombre, aparece el título de su libro primogénito, LOSER (Interzona). Ella es una perdedora y una superestrella, todo en la misma tapa, al igual que puede ser arquitecta y artista, ilustradora y escritora, mientras se quema la cabeza con la muerte y todo le “chupa verdaderamente un huevo”. De pura cepa bloggera (treintanera.blogspot.com), Robertita decidió documentar su malestar amoroso tras vivir en carne propia un rechazo enmarañado y pausado de un hombre. Con un material tan jugoso para el siglo XXI, escribió su primera novela saltando entre incomunicaciones de MSN, “asistirés” de Facebook y posteos de fotolog. Si bien la relación entre los protagonistas, Robertita y Rolando, comienza y se gesta a través de Internet, la historia es tan universal como la genuina histeria entre un hombre y una mujer.

“Le digo que la naturaleza es injusta, que Lía (Crucet) tiene tanta teta y yo tan poquitito. Al pedo. Me arrepiento de recordarle que no tengo tetas. Capaz es eso lo que no le gusta. Capaz no es nada personal. Sólo que no entro en su targuet. QUIERO ENTRAR EN TU TARGUET, ROLANDO”, escribe Robertita en su novela. Su registro, que incluye uso y abuso de mayúsculas, de signos de exclamación y vocales excitadas y estiradas como chicle, refleja los códigos (o la falta de ellos) entre personas procurando relacionarse en la nueva era.

--¿Cuál fue el puntapié para escribir LOSER?

--Contar, no tan literalmente, algunas cosas que me estaban pasando que no las estaba poniendo en el blog. Si bien es ficción, el personaje se llama Robertita, no me lo contó una amiga. En la mitad de la historia me dije “este pibe no me da bola, ¿qué hago?” y bueno, escribo. Yo me iba divirtiendo y pensé que si yo me reía, podía ser que funcione.

--¿Cómo trabajaste la autoexposición?

--Nunca me dio miedo exponerme, tras cierta cantidad de años de terapia, claro. Lo que más vergüenza me da es que mi papá lea coger. Después, la historia es tan universal, tan que la pasa a todo el mundo todo el tiempo que no me dio pudor.

--¿La historia está fechada?

--A mi me urgía editarla porque el momento histórico es ahora. Aunque no tenga tanto énfasis en los códigos de Internet, tiene que ver con una época, con un espíritu en general. La historia es una excusa, no es una ficción que hable de Internet, si bien ésta trasciende y ayuda, sobre todo a la histeria desgraciadamente.

Su nombre no es Robertita y tampoco estudió letras porque se duerme en los teóricos. Comenzó matemática y finalmente, se recibió de arquitecta en la UBA. Ejerció hasta que su doble vida entre el “robertismo” y la licenciada se enfrentaron. “Cuando tiene que salir el monstruo, sale”, enfatiza y se ríe por la comparación. Los estratos de la conversación se mueven en una especie de tetris. Robertita habla de su paso por el colegio de monjas, mientras afirma que su religión es el psicoanálisis con la misma facilidad que cita los chismes faranduleros. Habla de poses, de guerra de egos y de un movimiento de gente que habla de sí misma en forma descontracturada. La pose en ella, aclara, era la arquitecta.

--¿Le rehusabas a la artista porque tenías miedo de caer en esa pose?

--Siempre fui muy rebelde a desarrollarme como artista y sí, también me parecía ver siempre una pose pelotuda, una cuestión Canal (á). Yo no quería ser así, no entendía por qué hablaban tan pausado y a la vez, me estaba peleando con ese deseo interno que tenía.

--¿Qué camino encontraste para no caer en el estereotipo?

--Tengo una especie de militancia en hacer las cosas como a uno se le ocurre, aunque todos te digan que es una ridiculez. No quiero que nadie me cuente como lo hace, así no tengo su influencia y no siento que soy una trucha.

--En un comienzo, ¿relacionaba lo trucho con la no ficción?

--Claro, al principio yo era súper puritana, todo lo que ponía en el blog tenía que haber sucedido. Cuando versionaba, sentía que les estaba fallando a mis lectores. Después me di cuenta que no tiene que ver con el qué estás contando, sino con el cómo. No es necesario ponerse en un lugar elaborado, si tu forma es rudimentaria entonces es genuino.

--¿Crees que la literatura está suavizando sus límites?

--Hoy existe una búsqueda de cosas nuevas, sin tanto barroco y con otro lenguaje que se está gestando. Quizás sea una literatura más terrenal, donde el lector pueda decir “esto me puede pasar a mí” o historias de perdedores acordes a la vida real.

“Todos tenemos un loser adentro que actúa por nosotros y se va alejando paso a paso del objeto del deseo”, reconoce Robertita y sus manos corren para poder gesticular la oración completa. ¿Será la nueva era la que obliga vivir a mil cambios? Robertita se jacta y lamenta que ella siempre fue así, que nunca pudo hacer sólo una cosa a la vez y que sólo busca una cosa: ritmo. Chasquea sus dedos al compás del dos por cuatro y explica: “Me acostumbré a llevar una vida en la que ya no podés parar: pensar en el pibe, trabajar, dibujar, chatear”.

--¿Sirve el blog como cura para la neurosis?

--Nació por eso, con mis hazañas cotidianas y para contar que la estaba pasando como el orto. Porque si lo escribía, ya me divertía y lo podía ver de lejos. Sin duda, escribir tiene algo de terapéutico, la palabra cura, aunque de ahí a que te cures, hay un largo trecho.

El blog comenzó seis años atrás y está por llegar a su fin, “ya escribí mil veces que viajé en bondi y había una mina que tenía olor”, reseña. “Al principio era la papá caliente, la historia y el dibujo escritos así nomás y sacarlos, después naturalmente empezó a irse el apuro”, explica Robertita mientras toma café con leche en un día de treinta grados centígrados.

Cada entrada en treintanera es ilustrada con un dibujo robertísimo: su estilo es ya inconfundible. Mientras las palabras que teclea la efusiva joven tienden a “quemarle el cerebro al lector”, sus ilustraciones bordean una invitación perfumada a un spa. Retratos, o autorretratos, de una mujer tomando café, posando con anteojos de marco gigante o simplemente sonriendo obligan a equilibrar la balanza entre la locura urbana y la introspección que conviven en Robertita. “Siempre me siento bien dibujando, me queda una calma terrible”, declara.

--Pero, ¿qué es el robertismo?

--Fue el modo en que salieron determinados aspectos de mi personalidad que mantenía ocultos por tener que trabajar como arquitecta y tener que ser una piba seria. Robertita apareció como pseudónimo para el blog y terminó acaparando todo. Es, de algún modo, la exacerbación de mi misma: cuestiones ultrafóbicas y paranoicas que antes tenía que esconderlas un poco para poder vivir en sociedad.

“Es terrible la diferencia entre la seguridad que se vende online y lo que uno es realmente en persona”, reflexiona mientras da cátedra sobre Internet. Crear teorías sea probablemente el puente más sólido entre la loser virtual y la loser real. “Existe una movida de tapar lo peor de cada uno, si escucho un tema de Alejandro Sanz te lo voy a decir y me voy a poner la foto de perfil con mi vieja porque me la saqué, como todos”, dicta la treintañera de flequillo recto y rulos rebeldes que está escribiendo, simultáneamente, en cinco archivos de Word y no para. Por suerte.

Invisible Tevé, una llave para conocer otras realidades.-

2012-01-25T15:52:00.003-03:00

En el corazón del Barrio Carlos Mugica de la Villa 31 de Retiro, nació a fines del año pasado un programa televisivo y comunitario que busca hacerle frente al discurso mediático que estigmatiza a quienes viven allí. Lejos de la lógica del rating y el minuto a minuto, sus impulsores proponen “afianzar la identidad del barrio” y el vínculo entre los vecinos.

Por Soledad Arréguez Manozzo
Fotografía gentileza de Invisibles Tevé

Buenos Aires, enero 25 (Agencia NAN-2012).- El olor de la comida casera tiene el encanto para transportarnos casi de inmediato a nuestra infancia. En la esencia de esos sabores, aparecen las imágenes y los recuerdos, los olores y los espacios. La comida toma allí su poder social: es un reencuentro con nuestras costumbres, nuestra identidad. Quizás por eso Ramona prepara a menudo la sopa paraguaya que le enseñó a hacer su mamá cuando era chica. Los condimentos, la tabla y el cuchillo sobre la mesada, le recuerdan a las tardes de su niñez. Comienza a picar la cebolla, y a cada rebanada, da las indicaciones sobre cómo se debe preparar esa receta familiar frente a la cámara de televisión que invadió su cocina. Y con cada ingrediente, va narrando cómo es su vida en la Villa 31 de Retiro. El lente no la intimida. Al contrario. Invisibles Tevé se convirtió en una herramienta para conocerse mejor entre los vecinos del Barrio Carlos Mugica, para comprender la impronta del lugar y conocer la identidad de la villa.

“La mirada de la villa es siempre la de programas con el estigma del ‘pibe chorro’, la merca, el paco, la esquina, la plaza. Pero pasan cosas riquísimas en la villa, es increíble todo lo que se aprende: hay un gran intercambio cultural. La idea es ser una herramienta para el barrio, para que haya interacción entre los vecinos”. Para Demián Konfino, productor del programa, como para el resto del equipo, cada emisión es una posibilidad de acercarse más entre los vecinos desde otro enfoque. Desde las primeras emisiones, Invisibles Tevé buscó ser la alternativa a la mirada acusadora que los medios masivos de comunicación tienen sobre los que viven en la Villa 31 y 31 bis de Retiro. La pantalla se construyó como una oportunidad para mostrar lo invisible, lo que está fuera de foco; y echar luz sobre las otras historias que suceden en los pasillos de la villa, en la cotidianeidad del barrio, en la vida de Ramona. Entrar a su casa, como a la de Doña Maritsa, fue la llave para conocer parte de su mundo, echar un vistazo a su realidad. Y ahí la lente le puso voz a lo oculto. Invisibles Tevé busca recuperar la palabra silenciada. Entonces, los vecinos son los protagonistas.

No rige el rating ni el minuto a minuto. Es un medio que busca dar lugar a las expresiones culturales de la villa donde conviven a diario el esfuerzo y la discriminación. En “Cocinando Historias”, las mujeres del barrio preparan platos típicos de su lugar de nacimiento. Mientras enseñan cómo se cocina, relatan cómo llegaron al lugar, los recuerdos en su país (Bolivia, Paraguay, Perú, el norte de la Argentina) y otras vivencias del día a día. Por medio de la pantalla se enteran de lo que sucede en el barrio, los intereses de los pibes, escuchan las opiniones de otros vecinos sobre las problemáticas del lugar. Ahí, en la imagen también se plasma la lucha diaria contra el estigma de vivir en ese barrio. “A partir de que haya más voces (con la Ley de Servicios de Comunicación Audiovisual), no va a estar solamente esa que los estigmatiza. Esto les influye en la cotidianeidad”, asegura Demián.

La meta es que se vuelvan visibles; que el vecino utilice el medio, y a su vez, se apropie del contenido. “Queremos afianzar la identidad del barrio, hay gente que vino hace poco, otros están hace mucho. Hay una historia importante donde ellos viven. Es importante para el vivir lo cultural y la identidad del lugar”, remarca. Es que conocer la cocina de doña Ramona, entrevistar a los referentes del barrio o participar de una jornada cultural con los pibes del lugar puede marcar la diferencia. Por eso, desde los contenidos del programa se plantea una reconexión con la tierra en la que viven, el orgullo de pertenecer, su identidad.

“Es un programa de y para la Villa 31”. La frase es una invitación constante a los vecinos para participar. Todos pueden formar parte del programa; los jóvenes aprenden a manipular las cámaras, unos arman las preguntas para las encuestas de la semana y otros piensan posibles entrevistados para explicar temas importantes para el barrio como, por ejemplo, la urbanización de la villa. Los más grandes aportan ideas, hacen sugerencias, todos aprenden. El foco es una posibilidad entre tantas de formar parte de algo colectivo.

La cámara de los invisibles pretende despertar inquietudes: ver qué intereses tiene la gente, qué les pasa, qué piensan. “Es un disparador, un puente. Tal vez hoy es un programa de TV, quizás mañana es un proyecto colectivo entre todos”, dice Brenda Konfino, conductora, y miembro de Invisibles, la agrupación que produce el programa que se emite desde noviembre por Urbana TV, el canal comunitario de la villa.

Hace cinco años que la agrupación está en el barrio y realiza actividades culturales y educativas con los chicos del lugar. Y cuando les surgió la posibilidad de filmar y transmitir las vivencias de la villa por el canal local, no lo dudaron. “Es otra forma de militancia. La herramienta es fabulosa, tiene gran potencial. El programa está atravesado por la mirada ideológica que tenemos: de una sociedad de iguales. Ese es el horizonte”, subrayan. Con cada toma, cada filmación de Invisibles, aseguran, buscan aportar a la transformación de la realidad que los rodea. Es que todos son iguales bajo la lente. Delante y detrás de la cámara, los mismos derechos y las mismas posibilidades.

* El programa se transmite todos los miércoles a las 20 por Urbana TV, el canal 5 de aire de la Villa 31 y 31 bis de Retiro. Después se retransmite por el canal que la agrupación Invisibles tiene en You Tube (invisiblesTeVe31). Para participar de la iniciativa: http://www.porlosinvisibles.com.ar

Dejémonos de joder.-

2012-01-24T15:16:00.000-03:00

Buenos Aires, enero 24 (Agencia NAN- 2012).- En NAN hemos entrevistado varias veces a Gustavo Sala. Hemos hablado muy bien de su obra y lo hemos considerado uno de los exponentes más importantes del humor gráfico de la actualidad. Y no nos arrepentimos. Desde que el juicio ético a Sala explotó en las redes sociales, ningún medio profundizó en el asunto ni editorializó al respecto. Todos se limitaron a decir lo políticamente correcto y a presentar la noticia con cierto grado de “objetividad” --aunque sabemos, claro, que toda noticia es subjetiva--. Como bien repara en su blog Lautaro Ortiz, jefe de redacción de la revista Fierro, “todo se resolvió según la lógica establecida por los medios: el acusado fue obligado a pedir disculpas y las instituciones afectadas mostraron una vez más su poder de fuego en cuestiones morales y de comunicación” (http://vertebradas.blogspot.com). Lo curioso fue que los géneros opinativos no asomaron su cabeza por las redacciones. Quizás haya deambulado por las reuniones de edición el temor a que la marea se viniera en contra. Es cierto: la tira hirió sensibilidades y recogió miles y miles de indignados. Quienes se animaron a decir algo diferente, a restarle solemnidad al asunto o a defender al dibujante fueron tildados hasta de nazis. Sólo basta con repasar las redes sociales para dar cuenta de ello. De hecho, la página de Facebook del humorista gráfico se vio sofocada de escalofriantes insultos y amenazas ¿Es válido repudiar un supuesto acto de “intolerancia y antisemitismo” a través de la violencia?

No por casualidad, quienes salieron a echar un manto de piedad sobre el asunto fueron --en su mayoría-- dibujantes, humoristas gráficos y periodistas especializados en este lenguaje. Eso sí: no fueron consultados por los medios sino que difundieron sus pareceres en sus páginas personales. Fueron descartados como fuentes. De haberlo hecho, hubieran conseguido una campana diferente --opuesta, quizás-- a la que había que sostener: el repudio por tal “indignante” obra de mal gusto. Pero los medios no se quisieron arriesgar. Nadie habló, por cierto, de la trayectoria y el gran talento de Gustavo Sala. Nadie dijo que se trata de uno de los dibujantes más admirados y queridos por el mundo comiquero. Nadie contó que publicó un libro junto a Carlos Trillo y Eduardo Maicas (Torni Yo) y que tiene otros siete. Tampoco se dijo que, además de publicar en el NO y Fierro de Página/12, colabora en Rolling Stone, Barcelona, Genios, el mítico El Jueves de España y la lista sigue. Menos, que incursionó en radio, teatro y tiene una dúo musical llamado Los Dentistas Tristes. La tarde del viernes una palabra alcanzó para definirlo: “antisemita”. “Sala fue expuesto en televisión con esa lógica cruel de ‘dar noticias’ a toda costa –reflexiona Ortiz-. A Sala lo llevaron a un juicio mediático sin que nadie haya leído sus antecedentes. El ‘ilustre desconocido con ganas de provocar’ fue a juicio cuando ya había sido juzgado. A nadie le importó saber si Sala tenía varias peleas ganadas en su oficio. El desconocimiento sobre la obra de este autor (desconocimiento real) deja en claro otra cuestión: el lugar que ocupa la figura del creador en la sociedad”.

A grandes rasgos, hubo un problema de decodificación. El código humorístico no pudo ser decodificado y la lectura que primó fue la de la “burla al Holocausto”. Pero los Estudios Culturales hace rato pusieron de relieve que un mensaje puede tener multiplicidad de lecturas. Entonces, otra posible dice que no se trató de una “burla contra el pueblo judío” sino que el autor usó ese contexto para activar el código humorístico y criticar, tal vez, al mundillo de la música electrónica. Pero el cruce narrativo con los campos de concentración encendió la llama. Es cierto, hay temas que hieren más susceptibilidades que otros. Y éste fue el caso. ¿Qué hubiera sucedido si Sala, en lugar de usar como contexto el campo de concentración, hubiera usado como escenario las masacres indígenas durante la Campaña del Desierto o las zonas liberadas para el gatillo fácil? ¿Hubiera escandalizado de la misma manera? Lo cierto es que el tema elegido --el genocidio contra el pueblo judío-- tocó inmediatamente las emociones y se anuló la instancia de reflexión. Acto y reflejo. Estímulo-respuesta. Unos se indignaron con la tira, lo “twittearon”, lo “re- twittearon” y lo “recontra re-twittearon” y se convirtió en el tema del día. Quienes por casualidad se topaban con el tópico y “descubrían” que había un “dibujante antisemita” sentían que no podían hacer otra cosa que repudiar el hecho. La verdad, diría Michel Foucault, se construye a través de múltiples imposiciones y tiene efectos reglamentados de poder.

De vuelta al código humorístico, la lectura de un chiste implica una doble lectura, una incorrección, una ruptura de la realidad y de sus normas. Una ficción. Nunca una linealidad. Precisamente, el humor parte del quiebre de los ismos, al menos el de Sala: no trata de ser machista, ni fascista, ni antifascista. Trata de jugar con los prejuicios, de romperlos. El periodista especializado en historieta, Andrés Accorsi, apunta en su blog (http://365comicsxyear.blogspot.com): “¿Qué hace un DJ del 2011 en un campo de concentración de 1941? Claramente ahí, en la primera viñeta, se rompió el verosímil, quedó absolutamente claro que esto NO es real. Cuando la tira descarta el verosímil, pierde todo valor testimonial, todo valor documental. Ya no quiere bajar línea, no quiere reflejar ninguna situación. De ahí en más, todo lo que entra o sale de escena, todo lo que se hace y dice, son --ni más ni menos-- recursos humorísticos, puestos en función de lograr un chiste. Eso sólo: un chiste. Y ahí sólo importa si es gracioso (...)".El chiste pudo haber resultado malo o no. Pero ése no es el eje de la discusión. En definitiva, el canal utilizado fue el humor gráfico, el arte. Y no cualquier tipo. En su caso, su obra está enmarcada en la tradición del grotesco y el humor negro. En el país, los exponentes más importantes de este humor son Sergio Langer, Diego Parés, Niño Rodríguez y las revistas Lule Le Lele y Barcelona --si sabrán, estos últimos, de estos debates--, entre otros. No hay que perder de vista que lo que hizo Sala fue hacer valer de su derecho a expresarse libremente. En este caso, a través del arte.

El grueso de los humoristas plantea que no hay límites temáticos ni barreras para hacer humor. En una entrevista publicada por este medio en noviembre de 2008, se le preguntó al historietista Damián “Polaco” Scalerandi --uno de los creadores de Lule Le Lele-- si había o no límites y por qué. Su respuesta fue la siguiente: “No existe un límite, porque la idea es que no lo tenga. El único límite seria que no fuera humorístico lo que hacemos, que no provoque gracia (...). A veces nuestros personajes son forros, fascistas o boludos y no necesariamente nosotros somos así, salvo por la excepción de lo último, pero la gente no entiende que los personajes tienen voz propia. En cambio, creen que uno es un forro cuando tu personaje, por ejemplo, habla a favor de los militares. Si razonás te das cuenta de que estamos en contra de los milicos, pero el que habla en ese caso es el personaje y no tu pensamiento”. De hecho, en su pedido público de disculpas, en medio del ojo de la tormenta, Sala pudo reivindicar al humor y a su obra: “En general, me gusta joder con los intocables del rock y, en este caso, fue un chiste con (el DJ) David Guetta, satirizando los estereotipos que están muy instalados en la memoria colectiva, pero no me burlo de ellos. Si uno hace un chiste se burla del estereotipo, no directamente de eso". Para Accorsi, “el humorista que se esfuerza por no ofender, difícilmente se esfuerce por hacer reír”.

No hay tema con el que Gustavo Sala no se haya metido. Para generar relatos humorísticos, se metió con todos los grupos étnicos, de género, etarios, políticos, los códigos del rock, la Iglesia y la sociedad del espectáculo. Siempre, la intención es caminar por los bordes, sin perdonar lo sagrado, los tabú, lo intocable, aquello que se calla y oculta bajo tierra. Pero nunca antes una de sus tiras había provocado un escándalo de esta magnitud --sí, quizás, alguna que otra indignación sin relevancia-. Sin embargo, el repudio masivo a la obra de Sala no se dio por acumulación de quejas, no fue ésta "la gota que rebasó el vaso" ni mucho menos. Se trató de un hecho aislado, de una reacción espontánea y curiosamente masiva. Pero, sin duda, la “aventura de David Gueto” agitó las aguas. Jamás se le hubiera ocurrido al autor que eso sucedería. No es su intención “provocar por provocar” sino reflexionar a través del humor.

En una entrevista que le hicieron en el medio online peruano La Silla Ecléctica (http://sillaeclectica.wordpress.com/2011/03/27/gustavo-sala-historieta-rock-y-bardo/), en marzo del año pasado, Sala explica: “Lo que no me interesa es provocar, ir al choque gratuitamente y sólo eso. En todo caso, me interesa hacer una historieta o un chiste que tenga una sustancia, que sea divertido, cuente algo y tenga una idea interesante; después, si hay pedofilia u otras cosas, prácticamente no me lo planteo. No me da culpa ni una cosa moral, casi que lo hago desde la ingenuidad. Pero a veces te metés con temas, simplemente para que funcione el chiste, y no pensás si eso puede llegar a lastimar a una persona o te pueden tildar de facho o nazi. Es un chiste, no pasa nada. También tiene que ver con que en muchos de los medios en los que laburo tengo esa posibilidad.” Luego, cuenta que una vez los lectores lo increparon por meterse con Charly García. "Hay gente que no se lo banca. Hay tipos inimputables. Me causa gracia la gente que se toma trabajo de ofenderse. Es más, yo soy fan de un montón de discos de Charly y hago humor con eso y no necesariamente me disgusta su trabajo. Simplemente, me río del personaje, el fanatismo y la adoración del ídolo más que el músico”.

Una vez, Juan Sasturain dijo de él: “Qué tipo generoso, que no deja resquicios, Gustavo. Sala satura, en el mejor sentido de la palabra: agota las posibilidades, nunca se queda corto (de ideas, de dibujo). Siempre, con él, la historieta es espectáculo a Sala llena, espacio lleno de Sala. Más aún: lleno de barrocas, sentidas, soberbias pelotudeces (…). El arte de Sala desborda, se sale. Del cuadrito, del género, de las convenciones, de lo debido (…). Que con estos elementos deformes, esta locura programática, este sistemático método expresivo de patear el tablero cada cuatro cuadritos Gustavo Sala haya hecho y vaya haciendo una obra tan seria y coherente como pocas en la historieta argentina de estos tiempos no es un misterio ni un milagro. Es un chiste. El mejor”.

“El universo no se equivoca” (Bicho Bolita & Paris Gatitos, 2011).-

2012-01-23T17:29:00.001-03:00

El sexteto más alocado de la música neuquina vuelve a parir un disco. Esta vez se anima a mezclar el rock con todo.

Guillermina Watkins

Neuquén, enero 23 (Agencia NAN-2012).- Desde hace tres años que El Bicho Bolita ya no está solo. Y vaya que no. No sólo se cruzó con un par de músicos desperdigados por las áridas zonas musicales de Neuquén, sino que se encontró con un par de amigos/ hermanos que --como afirman-- van todos para adelante. Por eso, “El Universo no se equivoca” se convierte en el manifiesto de estos muchachos que son una de esas “joyitas” musicales que surgen de la vida autogestiva de años y el pleno amor por la música, características que los convierten en una de las bandas más convocantes de la escena local.

Con 17 temas, el sucesor de “Una lobotomía frontal” (2010) les quedó corto pero no en el sentido musical. Es que, si uno se pone a hurgar por la vida de El Bicho Bolita, encontrará que tanto solo como acompañado en diversas formaciones, tiene más temas compuestos que La Mona Giménez. Bueno, no tanto. Pero casi. Inclusive, para la composición de este disco, tuvieron que recortar los temas que habían compuesto.

A nivel sonido, todo está escrito en clave de rock. Sin embargo, el público encontrará un disco que está orquestado profesionalmente y que reinventa acordes de varios géneros musicales, dándole forma a un estilo propio que prioriza la canción, pero se codea con todo.

Por eso, el público se topará con gemitas latinas como una samba con la voz de la cantante neuquina Isabel Vaca Narvaja, o los coros de una murga, La Porfiada Postalina. También, además de los clásicos instrumentos del rock, se pueden escuchar una trompeta, una armónica y coros de varias invitadas (hasta la hija del técnico de sonido y “séptimo París Gatitos” puso su aguda voz de tres años).

Suenan conceptos de revolución, de furia, de explosión, de amor, desamor, ansiedad y sobre todo, pero sobre todo, deseo. Vuelven lo oscuro en una canción alegre, el amor en una balada triste, lo alegre en algo que se convierte una fiesta rock, pero sobre todo, en una maquinaria de buenas canciones “escupidas” por el Bicho. Ese flaneur que a veces se parece a Palo Pandolfo, a Sandro, a Leo Masliah, a Devendra Banhart, pero siempre es él mismo, con una poesía libertina, zigzagueante y ágil que patea los cánones de la canción.

Definitivamente el disco se queda corto. Corto para aquellos que recién empiezan a entrar en calor cuando suena el tema número 8, “Estrellas de papel”, y sólo les queda la mitad de un disco cargado de subibajas sonoros (pasa del rock a la balada en un segundo).

Pero con la cantidad de poesía que se desprende de cada uno de los temas, y con las obras de arte que acompañan al disco (cada uno de los integrantes de la banda y amigos relacionados al diseño y la plástica aportó lo suyp), es seguro que nadie va a sentir un vacío. Y menos cuando a ese vacío le pone contenido el Bicho Bolita y sus París Gatitos.

El sur, ese refugio para el circo sin carpa.-

2012-01-20T18:52:00.001-03:00

En el sur del conurbano bonaerense cobran vida propuestas circenses que rompen con la estética tradicional de la carpa. Alejados de los compases que definen a ese mundo familiar y cerrado, galpones, escuelas y talleres dedicados al desarrollo del histrionismo cirquero se las ingenian para darle una impronta local a la identidad ecléctica de estas destrezas y le ponen voz a las mutaciones de una movida que parecería exiliada de su hábitat original.

Por Daniela Rovina

Fotografías gentileza de Kamaj Pacha (1) y Cultura del Sur (2)

Buenos Aires, enero 20 (Agencia NAN-2012).- No escupir fuego, caminar con los pies, volar en avión. El sentido común propone que cualquier contradicción a esas lógicas de la vida diaria (casi) siempre se desarrolla dentro de una convencionalidad paralela en la que desandar caminos de cabeza, elevarse en un trapecio o reencarnarse en un lanzallamas estaría plenamente aceptado. En disonancia a lo que se espera de una mirada regular del mundo, la sinuosa confección de la carpa de un circo actúa de guarida para una perspectiva desde la que emprender proyectos parado sobre las manos también significa “normalidad”. Pero si alguna vez esa cilíndrica extensión de tela funcionó como refugio de expresiones inversas al sentido común, también delineó una multidisciplinaria muralla detrás de la que las más disparatadas destrezas se develaban sólo para aquellos que eligiesen anudar su existencia a la sinuosidad de la vida itinerante de las artes circenses.

Un día, los códigos que regulaban ese círculo cerrado tomaron las calles de aquellos que las recorren parados sobre sus pies. Por fuera de la carpa, esa pedagogía circense se hizo de espacios propios, como galpones, centros culturales, plazas y hasta esquinas con semáforos donde el recuerdo del tradicional eclecticismo circense intenta convivir (aún hoy lo hace) con infinitas formas (o paradigmas) de desplazamiento. Más allá de las intermitentes y ovaladas paredes de lona multicolor, cualquier intento de encajonar la rutina cirquera a esa mítica y celosa tradición familiar, pronto se diluyó en profusos hábitats de puertas abiertas. Entonces, la aparición de escuelas y talleres de circo como ámbitos de difusión – dentro de una cotidianeidad definida en función de una forma dominante de caminar (esto es, sobre los pies)- dejó de entenderse como una profanación.

Esas huellas, marcas de una triunfal fuga de los designios de la carpa, se imprimen a lo largo del paisaje extramuros. De este lado del mundo no porteño, también. Al sur de ese desvirtuado charco/frontera de agua, la impronta del espíritu circense no se deja ahogar por la saturada luminosidad de la metrópoli. En este conurbano austral también se escuchan las estruendosas pisadas de manos o se envicia el aire con el aroma a combustible quemado que destila un lanzallamas.

En adelante, las voces de referentes, talleristas y protagonistas de centros culturales y escuelas de circo locales expresan sus puntos de vista acerca los disímiles matices que cobran estas hilarantes disciplinas, alejadas de su hábitat original. O mejor, una pantallazo sureño sobre la resignificación de ese espectáculo artístico que se escapó del marco institucionalizado de la carpa para asentarse en espacios más predispuestos a la reconversión de lo que (en muchos casos) representó una forma de vida.

Retratos del circo sureño

“Cuando era chico el circo no me gustaba. Lo odiaba, me daba miedo, me daba feo olor. Olor a bicho sucio, a pobre animalito encerrado”. Descalzo, Manuel Vergara camina entre las jóvenes instalaciones de Kamaj Pacha -sólo cuatro años pasaron desde su apertura-, un refugio para ese moderno circo reversionado encallado en Avellaneda. Desestructurado, al igual que cada uno de los rincones que componen a esta escuela de las que es director, recuerda con asombro su pueril desprecio hacia aquella ocupación que hoy se queda con la totalidad de su tiempo. “Para mí fue como un trauma vivir del circo. Es muy loco, pero es real”, reconoce con ironía. El mismo desparpajo con el que se compone la atmósfera de Kamaj (imposible no advertir esa falta de peso en el ambiente, que al revés de la gravedad, te aleja del suelo, te abduce imaginariamente hasta lo alto de un trapecio), la misma naturalidad y frescura, marcan los compases de este proyecto, esta pequeña porción del paradigma del circo sin carpa, que –a través de las palabras de Manu, como lo llaman sus compañeros y alumnos – entiende que acá, en el sur, el arte del absurdo y lo disparatado es una especie de “revelación, una revolución cultural”.

Resemantizar. Darle “una nueva traducción a la palabra circo”. Con la impronta del cambio parada sobre los hombros, este referente del mundo cirquero en Avellaneda no subestima la capacidad expresiva y creativa de estas latitudes: “El (conurbano) sur es un terreno muy informal, pero muy serio cuando se hacen las cosas. Y se hacen con mucha categoría. Eso muchas veces no es glam, brillo, maquillaje. La categoría de la que hablo es la que, con poca producción, puede hacer grandes cosas, muy prolijas, muy dignas, muy educativas”.

Y las hacen: variettes (espectáculos que reúnen el circo, la música, el teatro y la danza), números experimentales o improvisados, talleres, muestras de alumnos, malabares en esquinas iluminadas por semáforos. Cada galpón, escuela y espacio destinado al desarrollo de disciplinas circenses moviliza un arsenal de recursos a la hora de informar, promocionar y llevar a escena espectáculos y clases. Desde publicaciones en Facebook, hasta volantes y afiches se cuelgan de paredes y muros materiales y virtuales.

A dos cuadras de la estación de trenes de Temperley, otro golpe desfigura el paisaje homogéneo de los se desplazan sobre las plantas de los pies. Un sombrío pasillo es el preludio de un galpón devenido sólo en partes en centro cultural, porque aún mantiene en sus techos y paredes la estética ferroviaria de principios del siglo XX. Entrar en Cultura del sur y ver la inusual convivencia de dos ámbitos -el de los trenes y el del circo- que se integran casi por casualidad, justifica la fuga de la carpa.

Las artes circenses no conocen de “límites o formas” (y en este galpón está a la vista). Al menos así las define Adolfo Aleman, integrante de la comunidad artística de este espacio cultural y profesor de acrobacia en tela: “El circo no es algo que esté muy estructurado. No es una moda. No te regula en una forma, sino que es bastante abstracto”. Esos rasgos inherentes a la esencia cirquera se repiten y reformulan en los pagos del sur, a través de la fusión de corrientes sin forma que unen, por ejemplo, los malabares con otras destrezas corporales. “Hay una nueva corriente de gente practicando circo. Siempre hubo malabaristas, payasos. Pero gente que empezara a hacer circo como una disciplina complementada con el teatro, la danza, la acrobacia aérea con el piso, eso es nuevo, está pasando ahora en zona sur”.

Y con esto Aleman justifica su descontracturado parecer sobre la amorfía circense. Si no hay parámetros que obstruyan su accionar, todo cuanto sea posible de ser combinado en escena (y también por fuera de ella) confluye en la vorágine del circo.

Una postura a contramano de las anteriores aparece en la voz de Kevin Dupás, instructor de acrobacia en el espacio Monociclo Artes, otro frente abierto al circo sureño ubicado en Banfield. El semblante colorinche de “el monito” (así le dicen, probablemente por el enorme mono monociclista estampado en el portón metálico de la entrada) sintetiza la herencia despojada de la carpa -guirnaldas de banderines multicolores adornan el cielo sin techar- con las disposiciones del galpón/escuela.

“No sé si todavía hay una propuesta que distinga a zona sur. Vengo de una camada que fue la primera en mutar el circo al formato de galpón. (Antes) ese formato no existía. Cuando empecé no había escuelas de circo. Todo esto que aparece como nuevo fenómeno no es algo distintivo de zona sur”. Menos localista en sus definiciones, Dupás caracteriza al conurbano sur como un “terreno hostil para el arte”, motivado por la competencia entre escuelas y la falta de apoyo municipal: “Cuando tuve una aproximación a secretarios de cultura no hubo ninguna ayuda. La cultura es todo lo relacionado a las peñas, el folklore, el tango. El circo está bastante marginado. Sus objetivos no pasan por contener las movidas que se generan”.

Romper el paradigma: de cómo hacer circo sin carpa

Con o sin carpa, las paredes de esos espacios transpiran la esencia propia del circo. A contramano de la mítica y machacada imagen de las compañías convencionales, estos grupos cirqueros despliegan sus destrezas agazapados en galpones y escuelas que rompen con lo que el imaginario propone.

¿Cuántas personas conocen de la existencia de otras a las que podrían interesarles pararse de mano como fuente de sustento económico o simplemente físico? ¿Cuántos se preguntaron qué significa para aquel segundo grupo caminar de cabeza por fuera de la histriónica (des)estructura de lona? Si nadie lo hizo, si para muchos esos interrogantes pasaron desapercibidos, es probable que, al menos alguna vez, estos tres representantes de colectivos cirqueros se hayan cuestionado acerca del nuevo rol de la carpa.

Vergara: -La traducción que se le está dando al circo ahora tiene que ver con salir un poco de la tradición de familia. Tuve conversaciones con mucha gente grande del circo y te dicen que esto no es una escuela de circo. Pero nosotros queremos que venga mucha gente que quizás no tenga ganas de actuar en una carpa, sino ganas de conocer (las disciplinas). Y por qué privarlo, por qué tiene que ser un círculo tan cerrado. Si tienen ganas de hacer circo, este es un lugar de puertas abiertas. Me gustaría tener una carpa, pero para ponerla en un terreno baldío y ofrecer el circo cómo es, romperle la cabeza a la gente y pasarle la gorra. No cobrarle una entrada a nadie. Esa sería mi forma de hacer carpa.

Aleman: -La carpa es necesaria también. El profesor que está enseñando (en una escuela de circo) pasó por un circo. De algún lugar viene la información para que nosotros podamos hacerlo. Los primeros que se animaron a colgar algo y a mostrarse fueron personas de carpa. El circo tradicional termina y empieza en esto. Están unidos. Si bien el circo tradicional no tiene mucha proyección en Buenos Aires, la gente que hace circo sabe quiénes fueron las familias de circo de zona sur. El circo es lo que te inspira. Por más que el malabarista trabaje en la calle, en la plaza o en un centro cultural, para él es maravilloso estar dentro de una carpa de circo. Lo que pasa con el público alrededor, el ambiente que genera la carpa sigue siendo el sueño del pibe. Te hace sentir algo en el pecho que no vas a sentir estando en una muestra de un centro cultural.

Dupas: -Hoy el circo es de salón, de teatro, de galpón, y también de carpa. En algún momento la carpa lo monopolizó. Pero ahora perdió eso y es más copetín, un producto. La carpa no es un ghetto cerrado como era antes, y busca artistas en escuelas de circo. Se perdió eso de que tenías que irte a rodar por el mundo con una compañía para aprender. La carpa nunca fue escuela. Si aprendías ahí era para sumarte a ese espacio, ir a limpiar, cortar cables. Eso lo hereda el galpón. Si sos parte de esa movida no actúas solamente.

Piruetas sin luces de neón

Lejos de las asfixiantes luces cosmopolitas, las expresiones circenses que se ubican de este lado del charco resisten a la sofocante competencia de los talleres y espectáculos porteños. Por desconocimiento, por costumbre, por escaza difusión, la ciudad capital suele convertirse en el vértice obligado de consulta donde se concentran las demandas de aquellos amateurs que pretenden desarrollar la destreza de mirar la realidad patas para arriba, como lo propone el escritor uruguayo Eduardo Galeano. “El que nunca fue a ver un espectáculo de variette o no tomó una clase de circo, muchas veces averigua directamente en Capital”, lamenta del director de Kamaj Pacha.

Sin embargo, en el sur emergen frentes de batalla. La “revolución cultural” sureña, dice Manu, es madre de muchos “grandes valores desconectados del círculo cerrado de la Ciudad de Buenos Aires”. En simultaneo, los recuerdos se trepan a los gritos, la música y las instrucciones para volar en trapecio de una clase acrobacia: “Cuando empecé tuve que ir a buscar información a la Ciudad porque acá no se conocían espacios, no se gestaban. Ahora hay como una revelación muy positiva, con lazos de unión entre esos espacios. No existen márgenes de competencia, rivalidades. Hay mucho de compartir, de informar de una escuela a otra”.

¿Idealista? Puede ser. El hecho es que estos grupos alimentan una suerte de microclima cultural dentro del que se cocinan movidas ávidas de superar las propuestas porteñas. En este caldo de cultivo, las artes circenses se sazonan con ingredientes autóctonos.

Más alejado de esta metáfora de la convivencia idílica, Kevin Dupás hace hincapié en la calidad de espectáculos y talleres apartados de los brillos de la gran ciudad. En el sur “hay mucha iniciativa, pero no tienen una actitud de invertir en formación o en docentes”. Este referente de “el monito” usa palabras como “terreno virgen” para referirse al sur e “improvisadas” cuando habla de la creatividad y originalidad de sus producciones: “Existen espacios que dan clases, pero a nivel artístico copian formatos. Capital está a años luz en ese aspecto”.

En el nombre de Raquel en Teatro Sha.-

2012-01-18T16:56:00.003-03:00

Con una puesta en escena minimalista, la profunda pieza de Mariel Rosciano interpreta una historia de silencios, engaños, drama e impunidad. La obra, basada en la novela La Polaca de Myrtha Schalom, rescata la historia de Raquel Liberman, una inmigrante sometida al comercio sexual, amparado siempre por una extensa red de complicidades políticas y sociales.

Por Esteban Vera

Fotografía gentileza de Mara Folch

Buenos Aires, enero 18 (Agencia NAN-2012).- Recientemente, una denuncia sobre tráfico de mujeres parece haber puesto al descubierto a una organización y a su red de impunidad. Días atrás, la hija de un ex oficial de la Secretaría de Inteligencia del Estado denunció que su padre, Raúl Martins, es el cabecilla de una red de trata de mujeres. Según contó, el ex espía engañaba a jóvenes, incluso a adolescentes, prometiéndoles puestos de recepcionista o de modelo en México, y una vez en tierras aztecas les retenía el pasaporte y las enviaba a prostíbulos. La maniobra, supuestamente, tiene mecanismos similares en Argentina: Martins es el dueño de siete burdeles en la Ciudad de Buenos Aires y de uno en la turística Cancún, The One, visitado en su luna de miel por el jefe de gobierno porteño, Mauricio Macri, junto con su esposa, Juliana Awada. La historia sórdida de la infame Zwi Migdal, una red internacional de trata de mujeres fundada en Avellaneda por judíos polacos a principios del siglo pasado repudiados por la colectividad judía, repite el mecanismo. Es que estás historias, son las historias de silencios, apatía e impunidad, que la obra En el nombre Raquel, retrata. La actriz y guionista Mariel Rosciano interpreta una historia no muy distinta, la tragedia de una “polaquita importada” con engaños, en un unipersonal, con dosis desproporcionadas de drama, conmoción y provocación.

La pieza es una versión libre de la novela La polaca, de Myrtha Schalom, que encarna la historia de Raquel Liberman, una inmigrante polaca sometida al comercio sexual, la única que pudo y se atrevió a romper el círculo de silencio de los rufianes. A través de la obra, Rosciano retrata los padecimientos, sufrimientos e ilusiones de la “polaquita”. Pero también, la intrincada red de prostitución armada por la Zwi Migdal.

La performance de Rosciano se detiene minuciosamente en el apocalipsis de violencia, humillación, degradación, e incluso amputación de sueños de Raquel. Lo hace a través de instantáneas de su vida, como su llegada al país con sus dos pequeños niños, José y Moisés, y la esperanza una vida nueva y próspera, o cuando es encerrada en un burdel bajo la custodia de una madama. O cuando logra huir, pero por segunda vez es seducida y luego engañada por un rufián, su marido, y termina nuevamente sometida a la esclavitud en un prostíbulo, ahora con sueños quebrados, convertidos en polvo. O cuando denuncia a la Zwi Migdal, pero los pingües negocios de la organización garantizan la impunidad de los cientos de proxenetas de la red. Y lo hace con la intención de lograr un efecto “in crescendo dramático”.

Sin embargo, la escena detonante de la obra, de 60 minutos, ocurre cuando Raquel es encerrada en un burdel y luego es violada por una docena de hombres. Y luego, la mujer termina explotada, pero con la ilusión de “comprar” su libertad. En fin, en el cuerpo de la protagonista, Rosciano es creíble, sincera, y las intenciones de la pieza, meritorias.

Así, cada lunes, a las 21, en la sala del Teatro Sha (Sarmiento 2255), la actriz se pone en la piel de Raquel, y su interpretación funciona como una herramienta para denunciar que casi un siglo la impunidad continúa. Con un escenario minimalista --una cama, un espejo falso y unas telas-- y con mínima escenografías y cambios de vestuario, lo que sobresale son las palabras, entonaciones y gesticulaciones desmedidas de Rosciano. A ello se suman la acertada iluminación y musicalización.

Los hechos reales sucedieron entre 1916 y 1930, hace más de 80 años, pero gracias a esta obra vuelven a la superficie, y contribuye a reflexionar sobre la explotación sexual, indiferente para la sociedad. Con ese afán, tras el final, como un epilogo, se escuchan, a oscuras y en off, las voces de jóvenes y niñas rescatadas de las redes de trata de personas para remarcar que la historia persiste fuera de la sala, en algunos de los “privados” anunciados en los volantes que empapelan la calle Corrientes.

Blog: http://lapolacateatro.blogspot.com/

Libros: “Monserrat” (Daniel Link, 2007).-

2012-01-16T00:11:00.000-03:00

Un relato sólido que recupera con éxito el formato diario, y a través del cual explora el mundo. Con un ojo sociológico, el escritor, crítico y blogger realiza cortes sociales y verbaliza el espíritu de los barrios linderos generando un eco casi irresistible en cualquier lector que haya recorrido sus calles.

Por Nicolás Alonso

Buenos Aires, enero 16 (Agencia NAN-2012).- Más allá de que existen diversos tipos (“de escritor”, “de viaje”, “de vida”, etcétera) los diarios son un rara especie de literatura. Género border cuyo ámbito son los límites, las fronteras, los márgenes. Si se asume que uno de los rasgos definitorios de la literatura es su carácter comunicativo, esa suerte de teleología que culmina en la publicación y la posterior reinterpretación lectora, el diario es a todas luces una literatura tramposa, mentirosa, en donde lo ficcional gana fuerza a costas de una prosa que se muestra adherida a la realidad. Montserrat (Mansalva), de Daniel Link es un fiel exponente de ese juego mágico de en donde la conciencia, la intimidad del yo, se deja expone a plena luz. Y allí ya no importa si es un escritor, un personaje o un poco de ambos el que escribe. El recurso es lo suficientemente potente como para violar esos límites entre ficción y realidad. Sí además, como en el caso de Link, el personaje es contundente y sólido, el diario es una llave para mirar el mundo a través de otros ojos, de otra piel. Dejarse llevar por un diario es, de alguna manera, una forma de extrañación. Otra nota particular del libro de Link es que sus entradas fueron publicadas, previas a esta edición en papel, a través del blog Linkillo (cosas mías) (www.linkillo.blogspot.com), del propio escritor.

En cuanto al carácter de los personajes y al argumento, Montserrat se sumerge en la voz de un narrador apaciblemente atormentado. Los oficios de escritor y docente a los que está emparentado el personaje justifican la mirada cuestionadora con la que esa voz atraviesa el texto: una mirada poética y aguda sobre la cotidianeidad porteña. A través de un lenguaje dinámico, fresco y relajado Link transmite el universo de sensaciones que componen el barrio porteño de Montserrat. Con un inquietante ojo sociológico el autor realiza cortes sociales y verbaliza el espíritu de los barrios linderos generando un eco casi irresistible en cualquier lector que haya recorrido sus calles.

Uno de los rasgos más impactantes de este diario es la construcción que el autor logra en torno a la muerte por medio de su antesala favorita: la ancianidad, la vejes, la decrepitud. Se lee en las primeras páginas: “Salí a la calle un poco trastornado: de pronto, de inmediato, sentí que el presente de esa gente me tocaba y me contagiaba. Yo iba a ser uno de ellos y, si la suerte no estaba de mi lado, también podía correr el riesgo de convertirme en una muñeca-senil.” El aire viciado de esos cuerpos raquíticos y endebles, los departamentos desocupados, las ancianas muertas en soledad o confinados a un asilo, que se comienzan a presentar en las primeras páginas, constituyen uno de los activos privilegiados en torno a al cual se monta la atmósfera que ganará el relato.

Esa decadencia, asimismo, adquiere un brillo notable por medio de su contracara: la tenue jovialidad en la mirada de este personaje. Rodeado de chismes respecto de sus vecinos de “la comunidad” (termino con el que hace referencia al edificio en el que vive), celos respecto de su pareja, S., referencia al día a día del barrio… a negocios, verdulerías, universidades y bares. “S. no come frutas (en absoluto), lo que constituye un problema en la economía doméstica. O mejor dicho, dos problemas: el primero es que de la provisión de frutas me tengo que encargar yo porque él nunca se acuerda (además, no confiaría en sus elecciones). En segundo lugar, siendo un manjar ‘de temporada’, la fruta es altamente perecedera y se termina pudriendo si no me apuro a comerla (nunca compro menos de 3 kg. porque me gusta hacerlas rotar y la opción de pedir menos de un kilogramo de cada variedad, si bien debe ser completamente usual, no se me cruza por la cabeza en el momento de estar parado frente a los cajones exultantes de la verdulería).”

Montserrat es, en definitiva, un sólido relato que recupera con éxito el formato diario, y a través del cual explora el mundo (el barrio) en la mirada de este peculiar personaje. Quizá sea ahí donde se haya su mayor virtud, en dejar ver a través de la mirada del autor. En una suerte de cámara subjetiva que enseña ciertos rasgos y vela otros, como debe ser en toda literatura enriquecedora (o contaminadora, según como se lo quiera ver). Difícilmente, después de leer este texto, se pueda volver sobre al barrio de Montserrat con el mismo ojo, con la misma mirada.

Esa costumbre ColectiBA de resignificar lo público.-

2012-01-13T12:55:00.000-03:00

La agrupación de fotógrafos y fotógrafas sale a colgar sus trabajos a la calle para “desmuseificar” el carácter artístico y estético de la imagen. La propuesta tiene una doble intención: acercar a todos aquellos que no son habitués a este tipo de movidas y, al mismo tiempo, evitar el encierro que a veces propone el espacio público, que es de todos, desde el principio de los tiempos.

Por Laura Bernatené

Fotografía gentileza de Shavi Alli

Buenos Aires, enero 13 (Agencia NAN-2012).- Plaza Irlanda, domingo de principios de diciembre. El solcito suave de las cuatro y media de la tarde se abre como un arco iris al tocar el agua que cae del termo hacia el mate de calabaza. Las rejas del parque están empapeladas con más de 400 fotografías de la última muestra con la que la ColectiBA despide el año. Y de a poco los curiosos se van acercando a ver de qué se trata la movida…

La ColectiBA es uno de los brazos de la organización homónima pero escrita con v corta, surgida en Rosario hace siete años. La agrupación nació por iniciativa de fotógrafas y fotógrafos que buscaban generar nuevos espacios de reflexión y difusión de sus trabajos, de manera que conformaron un lugar donde sus obras se resignifiquen siempre en el terreno de la colectividad.

Por iniciativa de otros artistas, la idea fue llevada más allá de las fronteras y progresivamente llegó a Luján, La Plata y Buenos Aires. Shavi Alli, junto a Diego Iturburu y Julieta Ru, son los responsables de importar la propuesta a tierras porteñas para que cualquiera que haga fotos pueda mostrar su trabajo sin curaduría, cupo ni arancel.

Participar es muy simple. En primer lugar, los interesados deben llenar una solicitud de inscripción. Después, deben acercarse el día de la muestra con las fotografías bajo el brazo, de tamaño, tipo de papel y montaje a gusto y piaccere. Y finalmente, descolgar las fotos.

A diferencia de la central rosarina, que expone en espacios cerrados de carácter público-municipal (como el Centro de Expresiones Contemporáneas de Rosario), los locales redoblan la apuesta eligiendo diferentes plazas de la Ciudad de Buenos Aires. El Parque Rivadavia, de Caballito, fue el primero en albergar a la organización. No pasó mucho tiempo para que le llegaran a Plaza Bolivia (Palermo), Parque los Andes (Chacarita) y Plaza Almagro.

Esa comunión fotográfica

Es domingo y ochenta expositores se mueven de un lado a otro de la plaza como hormigas en pleno trabajo. La tanza y la cinta scotch pasan de mano en mano, hasta que las rejas se llenan de fotografías en tamaños, estilos y presentaciones muy diferentes entre sí: fotoperiodismo, foto de autor, naturaleza, música, foto instalación, y la lista sigue.

Los padres corren detrás de sus hijos que andan en bicicleta sin rueditas por primera vez, un grupo de chicas estira la lona y se sienta sin parar de reír, los abuelos ceban unos mates. Todos gozan de la tarde, y algunos comienzan a preguntarse: “¿Qué hay en las rejas?”. “Estoy acá viendo unas fotos. Están buenas”, comenta al pasar un señor al teléfono. Mientras en el otro extremo, una pareja de maestros se ve reflejada en imágenes que documentan el conflicto docente en la época en que las carpas blancas salieron a la calle.

La ColectiBA, a punto de cumplir su segundo año de vida, tiene diferentes expositores en cada una de sus muestras. Algunos se van, otros vienen. Otros van y vienen. Luciana Navarretta, Lolo Iturburu, Peque Conguerita, Daniela Yechúa, Jessica Pons, Julieta Ru y Shavi Alli son los miembros fijos quienes se encargan de organizar las muestras y cranear a futuro otros proyectos, como publicaciones y ensayos periodísticos de corto y largo plazo.

Daniela Yechúa comenzó a participar de La ColectiBA como expositora, pero hace algunos meses se integró al equipo del colectivo. Incluso ha documentado de manera audiovisual toda la movida. “La consigna de las muestras es animarse a ’sacar la foto a la calle’ para que puedan ser vistas por muchísimas más personas que las que entrarían a un museo”, explica Yechúa. No es sólo colgar la foto, si no que es un intercambio con los otros expositores y con el público que se acerca a mirar todos y cada uno de los laburos.

Las muestras de la ColectiBA también albergan otros grupos como la Red de Fotógrafos de Teatro Comunitario y los Talleres de Fotografía para niños de Ñandeloga, una organización social que trabaja en el barrio Las Flores de Villa Martelli.

De las paredes al aire libre

Algunos días después de visitar la Plaza Irlanda, esta cronista viajó a la costa para probar suerte como camarera de restaurant durante el verano. En sus días libres recorre las callecitas que se pierden en los bosques de pinos de este pedazo sobrevaluado de tierra. Hay menos casas (vulgares mansiones) con carteles con nombre propio como “El remanso” o “Mi sueño”, que carteles amarillos de letras rojas en los que se lee “No se acerque. Alarma perimetral”. Y llegar al mar es cosa difícil. Una muralla de apart hoteles se levanta sobre la cadena de médanos que bordean la playa bloqueando el acceso peatonal a toda persona que no esté alojada.

Qué panzada, pienso, qué desparramo haría acá La ColectiBA. Porque aunque en la charla que tuve con Shavi Alli, antes de partir, reveló que le gustaría exponer en la ESMA, yo le sugeriría llenar estos bosques y balnearios con decenas, miles de fotos; montarlas en las calles que aún son de todos, desafiando de soslayo a las paredes con dueño, los árboles alquilados y las baldosas con nombre y apellido; siempre con el estilo que caracteriza al grupo, sin pedir permiso. Porque no hay razones para hacerlo en un espacio que es público.

--La ColectiBA no pide autorización para hacer las muestras en las plazas. ¿Por qué tomaron esa determinación?

--Shavi Alli: -Nos dimos cuenta que no tenemos que pedir permiso para hacer algo público en un lugar público. El espacio ya es nuestro y lo único que hacemos es utilizarlo. Uno habla de tomar porque, a pesar de que lo considera propio, sigue con el cassette de que es algo que hay que pedir. Y no hay nada que pedir: es mío, es tuyo; es de todo el mundo que quiera ir. No se pide permiso para ir a la plaza a correr con tu hijo o para tomar mate. Despues de la dictadura, a pesar que ya pasaron más de 30 años, existe este miedo a utilizar lo público, a salir a la calle, a juntarse.

En un principio esta elección no se dio como algo deliberado del tipo “expongamos en plazas”, sino que fue determinado, casi inevitablemente, porque los circuitos de difusión como museos y galerías se encuentran –aún- vedados para aquellas personas que no tienen una firma conocida.

--Las muestras rosarinas se hacen en espacios cerrados. ¿Cómo arrancó la idea de exponer en las plazas?

-Cuando empezamos, no teníamos lugar para exponer, no nos conocía nadie. Las plazas estaban enrejadas y con nuestros compañeros dijimos casi al unísono, ‘expongamos en las plazas, en las rejas’, con todo lo que también lleva eso. Resignificar una reja que tiene un significado negativo de encierro. Encerrarse aun en lo público es la máxima expresión de encierro: encerrarse al aire libre.

Por otro lado, al exponer en este tipo de espacios, se rompe con la protección que se le da al arte, que deja de estar atrincherado en las paredes frías de un edificio. Se lo baja del altar para exponerlo al viento, al calor y a las miradas indiscretas de quienes pasan por casualidad. “Está esta cosa de la museificación donde el arte es arte si está colocado en un lugar determinado que le imprime ese rótulo. O sea, vos exponés en el Malba y es arte, sí o sí, aunque sea una reverenda mierrrda” –aquí Shavi hace que las erres se choquen unas a otras, que serruchen las palabras siguientes. Al sacar las fotografías a la calle y hacer que se codeen con graffitis y las pinturas que reemplazan las letras de propaganda de candidatos políticos, las fotografías nutren el espacio público. Hay arte para todos.

--¿Y qué le agrega el afuera al sentido de la muestra?

--Un feedback con la gente que no es habitué de ver obras de arte o fotografia. Hay un montón de gente que anda por la calle, que va a la plaza, que pasa por ahí y capáz que nunca fue ni va ir a ver, y no le interesa. No porque no tenga capacidad de apreciar el arte, sino porque no le llama, nunca se le ocurrió. Y de golpe se encuentra con una muestra, con una megagalería de fotos en la plaza.

Cuando el morbo es tan solo una llave.-

2012-01-11T13:09:00.001-03:00

Por los vagones del tren Sarmiento pululan historias --¿de ficción?-- de gays, lesbianas, bisexuales, travestis. Hace 15 años que Gastón Almada las vende. Antes viajaron por el Roca y los subtes porteños. Allá por 1996, el joven amaneció un día con la idea de utilizar las literatura para “empujar” a la gente a comprender la diversidad. Su novia lo ayuda sostener la editorial Alterarte –S- tudios. “Lo que me seduce es el mensaje que puede llegar a las manos de gente que no”.

Por Nahuel Gomez

Fotografía de Federico Moscoso

Buenos Aires, enero 11 (Agencia NAN–2012).- Para el pavor de la dama y la indignación del caballero. Para el rechazo o el asombro. Para guardar y leer a escondidas. Para la señora conservadora o el pibe chorro. Para el lector frecuente, pero mucho más para el que aun no se asomó al mundo de los libros. Desde 1996, Gastón Almada escribe, edita y distribuye cuentos y poemas para cualquiera que se halle de paso en los vagones de un tren. Historias de sexo protagonizadas por lesbianas, bisexuales, gays y travestis, entre otras, que considera “impactistas”, son las que nutren a cada una de las publicaciones de Almada.

Alterarte-S-tudios es el nombre de la editorial autogestionada que Gastón conduce junto a su novia, también escritora, Gisela Deferrari. Pene XXL, Conchudas, Rouge, La bombacha apretaba sus testículos, Tortas…recetas con amor son algunos, entre muchos otros títulos, que publica la editorial. Se editan en formato de fanzine, en blanco y negro, y se venden (según él, de a miles por día) a 4 pesos por libro. Viene repartiendo todos los días desde hace 16 años; en un principio en subtes, después en el ex Ferrocarril Roca, y por estos días en el ramal Sarmiento. Es por esto que este “cachivaliterato” –así es como se define- calcula que ya es el escritor argentino más leído de los últimos años.

La propuesta busca mostrar la diversidad como una manera de generar empatía, de empujar a las personas al simple hallazgo de permitirse ponerse en el lugar del otro. Gastón lo hace al escribir sobre experiencias que, aunque quizás no haya vivido, igual intenta recrear en un papel. Invita a compartir su búsqueda porque cree que “la literatura o cualquier tipo de arte provoca en el individuo algo inevitable, el hecho de pensar; y si uno piensa está bien, pero si puede otorgarle eso al otro, es mucho mejor”.

Aunque Almada reconoce que le iría mejor “si vendiera poemas de amor”, la masividad lo acompaña inevitablemente y le permite llegar a un público heterogéneo, que muchas veces no está acostumbrado a tratar con libros–y mucho menos con este tipo de lecturas-. “Imaginate un obrero comprando un libro de travestis, tiene su encanto. A veces sale muy bien y otras veces no, pero mi intención va más allá de que funcione o no”, dice y cierra la idea parafraseando a Todos Tus Muertos: “Lo que me seduce es el mensaje que puede llegar a las manos de gente que no”.

--¿De dónde surge la idea de crear tu propia editorial?

--Este es el problema de las entrevistas, no sé si mentir o no. Fue una casualidad, un día llegué de la costa en marzo y me hice un librito con el que salí a mentir a Cabildo y Juramento. Decía que vendía mis libros de poesía porque estaba por abrir un centro cultural. Estuve 3 o 4 días ahí y no me compraron nada. Cuando ya me estaba resignando me tomé el subte y me puse a vender ahí, llevaba veinte libros y vendí 17. La plata que gané la fui usando para editar más libros. Estuve yendo y viniendo en el subte hasta 2000, cuando me fui al Roca y después al Sarmiento, hasta el día hoy. Eso fue en un principio, hasta que en 2007 se me ocurrió publicar a otros autores que me gustaban, arranqué editando la antología “Conchudas”.

--¿Cuál es la reacción de la gente al recibir este tipo de literatura?

--Desde “a vos quien te da derecho a darme pornografía a mí”, hasta “sos un degenerado”. Pero también está el silencio del que te paga sin que nadie lo vea, que no quiere ni el vuelto, desea nada más llevárselo y leerlo solo en su casa. Eso es encantador, el morbo es el encanto, está bueno generar eso y de paso incentivar a la lectura.

--¿Cuáles son los escritores que te incentivaron?

--No soy un gran lector, por lo menos no de grandes autores. Hace un tiempo me venían rompiendo las pelotas para que lea a Bukowski y a Miller, porque me encuentran un parecido con ellos. Yo no había leído a ninguno de los dos, y no los quería leer tampoco, porque si había un parecido seguramente ellos eran mejores que yo, quizás decían las cosas que yo quiero decir, pero de una manera mejor, y eso me iba a frustrar. No sé si soy parecido a ellos. En general tuve suerte, mi biblia siempre fue Más allá del bien y el del mal de Nietzsche, con el que me topé de casualidad. Después me encontré con la obra de Sade: lo que me encantó del tipo fue que en sus libros te da morbo, te da chanchada, pero también te entrega mucho de su filosofía, de lo que quiere decir realmente. El tipo tiene un mensaje y te lo hace llegar enganchándote por otro lado.

--¿Y cual sería el mensaje que vos querés hacer llegar?

-- Mirá, un buen ejemplo es el libro que escribí para chicos, quería escribir algo así al ver que mucha gente adulta, incluso muchos que son como nosotros, gente con la que uno podría compartir cosas, no agarraba mis libros. En cambio, los chicos siempre quieren comprármelos, pero yo no les puedo dar mis libros a los pibes. Entonces cuando me propuse escribir pensé: ¿qué me hubiera gustado leer a mí de chico? Algo que nos pasa a todos es que vamos creciendo y creciendo y de repente nos iluminamos y nos damos cuenta de que somos hinchas de River y creemos en Dios, jamás lo decidimos, pero un día tenemos la remera puesta y estamos en misa. Entonces se me ocurrió escribir un cuento donde se incentivara al niño a elegir. Cuento un cuento donde llueven sándwiches completos de milanesa y todos dicen que es un milagro, pero se preguntan de quién es el milagro. Hablo de distintas religiones, cultos y demás, invento las religiones y doy opciones para elegir. Ese es el volumen uno del libro Juguetes, llamado “El libro del cuco” y el volumen dos, que todavía no terminé, es “Harry Poker y la piedra de Pasta Base”. El volumen uno apunta al niño que tiene padres que le pueden explicar sobre ciertas cosas. En el dos, trato de hacerle entender a los chicos que viven en medio de un mundo sin códigos, que un mono bien entrenado afana un celular y que hasta el más estúpido doblega a un indefenso estando armado. Trato de hacer llegar este tipo de cosas, ese es el mensaje.

--Teniendo en cuenta la repercusión que tuvo la reciente sanción de la Ley de Matrimonio Igualitario ¿Notás alguna diferencia entre la manera en que tus textos eran recibidos cuando empezaste, en 1996, y ahora?

-- Yo suelo decir que hago esto antes de que esté de moda el arte y el orto (risas). Por eso rezongo y por eso me peleo con casi todo el ambiente under. Por lo general es una pelea constante porque hay mucha gente imbécil, que porque mueve una pelotitas se cree que hace arte, o está el pelotudo que piensa que el artista es un ser más evolucionado de lo que sería un ama de casa o un obrero. Y eso me duele porque por mi trabajo conozco gente que es artista de la vida, sin que escriba, sin que cante, sin que toque nada.

Facebook: http://www.facebook.com/alterarte.s.tudios

Discos: "Mamita" (Natalia Lopópolo, 2011)

2012-01-09T02:01:00.000-03:00

La purreta, ganadora del certamen Hugo del Carril en 2010, salió de ruleros a cantar en su disco debut, que refresca la escena tanguera, respetando el espíritu del arrabal pero con sonido a nuevo.

Por Andrés Valenzuela

Buenos Aires, enero 9 (Agencia NAN-2012).- Natalia Lopópolo aparece en tapa con ruleros. Con ru-le-ros, ¿se entiende? Ruleros rosas, además. Mirada sugerente, también. Y adentro… bueno, mejor no preguntar de qué tela es el pantalón ese que tiene puesto mientras abre la heladera (ordenada). Pero hasta la gráfica kistch del disco llega lo que se le puede objetar a Natalia Lopópolo y Mamita, su primer disco.

Mamita es una de esas maravillas que la autogestión y el esfuerzo arrojan de tanto en tanto. Lopópolo lo lanzó con el respaldo de haber ganado el 18º Certamen de Tango Hugo del Carril, en 2010, donde reveló su voz llamativamente expresiva ante jurado y tangueros de fuste. Y pucha, hermano, qué revelación. Esta muchacha no presume de un caudal de voz de antología, ni suelta esas notas sostenidas que levantan aplausos. Pero no lo necesita: demuestra, en cada canción, una expresividad que pocas voces (casi ninguna) tienen ni en el tango ni en el rock ni en ningún otro género. Al punto que pareciera que cada tema que agarra hubiese sido escrito para ella. No es poca cosa. Menos en el tango, un circuito reticente como pocos a las novedades y los recién llegados.

En su disco debut, la chica de los ruleros (¿y tiene un collar de cadenas allí?) mecha clásicos de la historia del tango ("Parece mentira", "Bajo un cielo de estrellas", "Muchacho", el magnífico "Besos brujos" o el rasposo "Yuyo verde") y composiciones nuevas de su colega Marisa Vázquez ("Madrugada y soledad" y el fantástico "Gualicho de la luna"). Y absolutamente todas las canciones parecen modernas. ¿Cómo no escucharla cantar "Gorda" sin pensar en el sufrimiento de tantas adolescentes?

Uno de los grandes méritos de Mamita está en la selección de canciones. Los clásicos son –claro– clásicos. Pero no están gastados. No se trata de "Mi Buenos Aires querido", de "Naranjo en flor" y otros que forman parte del imaginario colectivo que hasta el más profano conoce. No. Son temas que muchos hicieron, pero que no necesariamente figuran en un “top ten” de clásicos tangueros. Y la yapita encantadora de los temas contemporáneos, que recuerdan que uno puede seguir sintiendo el 2x4, aunque cambie el vino por fernet y los muchachos por los amigotes de Internet.

Allí, uno de los elementos más valiosos a futuro de esta producción, pues conserva el espíritu tanguero, pero suena a nuevo.

A la expresividad y la buena selección de temas, hay que sumar otra virtud: el sentido del humor. En sus orígenes, el tango tuvo muchas vertientes. Una de esas corrientes se reía de la vida cotidiana. Encontraba en el día a día un espacio propicio para la sonrisa. Curiosamente, los años acentuaron la corriente más nostálgica del 2x4. Esa del fulano abandonado por su mujer, el que extraña “a la viejita”, el piantao por el escabio. Lopópolo recupera la sonrisa. Sigue siendo tango clásico, apto para bailar en cualquier milonga sin firuletes extraños, pero también sin melancolía impostada, disfrutando del bandoneón.

Pese a lo que digan los carcamanes, estos son buenos años para el tango. Y son mejores si los cantan jóvenes como Natalia.

http://www.goear.com/listen/f1ef57a/madrugada-y-soledad-natalia-lopopolo

Superchería: “Nuestras letras son pinceladas de cosas”.-

2012-01-06T13:07:00.000-03:00

Cuelgue lírico, melodía y energía: eso es esta banda de clara influencia spinettiana, como su nombre lo indica. Letra, imagen, internet y difusión son los temas sobre los que los músicos conversan con Agencia NAN.

Por Ana Camarda
Fotografía de Virginia Verstraeten

Buenos Aires, enero 6 (Agencia NAN-2011).- Si hay música que transporta, la hay también que eleva; esa que hace sucumbir embelesado ante ese hechizo y empezar a despegar. Esa fusión entre cuelgue lírico, melodía y energía tiene la banda Superchería en el escenario, y eso repica en sus variopintas canciones.

Agencia NAN se apresura para llegar puntual a la entrevista. Los músicos de ese conjunto le van a donar tiempo de su ensayo, aunque --le avisa Joaquín Álvarez (guitarra, voz) a esta cronista más temprano en un mensaje-- “no hay historia, venimos ensayando todos los días, venimos bien”.

Superchería es una banda del under surgida en 2007 con formación tradicional: además de Álvarez, la integran Pira Bastourre (voz, guitarra), Martín “Tino” Tuffano (bajo, voz) y Jerry Ferela (baterista, percusión, voz). Su debut tuvo lugar de forma “no oficial” en el Salón Pueyrredón ese mismo año. Difícil de definirlo, el género musical en el que se inscriben es el crisol propio de varias influencias, muchas de ellas rockeras, por supuesto. Así, se funden Nirvana, Radiohead y Blur con bandas menos populares, todo es parte de una misma ruta.

En los comienzos cada uno aportaba algo, aunque ahora se dedican a escuchar y volver a escuchar de forma más colectiva. “Es como El principito --dice Jerry--. Lo volvés a escuchar y encontrás otras cosas.” Justamente, fue él quien estaba a punto de tirar la toalla cuando decidió quemar el último cartucho mandándole un mail a Pira, quien le respondió que estaba buscando batero.

De clara influencia spinettiana, Superchería (a Pira ya le gustaba ese nombre para una banda y cuando le consultó a Jerry, acordaron sin problemas) luego sumó a Joaco y Damián, primer bajista que ese mismo año sería reemplazado por Tuffano. También, en 2007, grabaron el primer EP, Una casa detrás (producido por el prestigioso productor `Tatu´ Estela), aunque éste salió al ruedo un año más tarde y el verdadero desafío del disco lo enfrentarían en el 2010.

Ninguno llegó a los treinta aún, aunque tanto no les falta. La pertenencia a una misma generación –coinciden-- les permite compartir la experiencia de haber sido adolescentes en los '90 y una misma forma de experimentar.

En un entorno que se vuelve casi confesional por momentos, comparten con Agencia NAN parte de ese sortilegio que es Superchería. El ámbito no puede ser más propicio: la sala de ensayo, que oportunamente estrena aire acondicionado. Mientras la entrevista se anticipa a la pronta llegada de Joaco, que llegará recién para el ensayo, comienza la ronda de mates y, con ella, la de preguntas.

--¿Cómo fue la experiencia de grabar y producir el disco con “Tatu” Estela?
Pira Bastourre:-- Fue muy integral. Estábamos buscando a alguien con quien nos sintiéramos cómodos a la hora de grabar el disco, que pueda entender lo que estábamos buscando. Nos juntamos con él, le gustó la banda y la verdad es que participó a nivel artístico y sonoro.

--¿Cómo hicieron la selección de temas para el disco?
P.B:-- Teníamos un poco más de treinta temas y nos quedamos con lo más sólido, con lo que más estábamos convencidos los cuatro en general. Había canciones que no sabemos por qué pero no funcionaban y ahora las dimos vuelta y les encontramos una vida que no tenían antes. Así que ahora están entre las opciones para el próximo disco. Y como hicimos la vez pasada, vamos a elegir lo mejor.

--¿Qué influencias reconocen en la lírica?
P.B:-- Es como una relación de un millón de cosas. Escuchando un disco de Miles Davis, una palabra de Calle 13 y leo un libro de Cortázar a la vez, y todo eso, junto con cosas que me están pasando en la vida, forma algo que tal vez no tiene nada que ver. Las influencias son temporales.

En el campo de la imagen, los Superchería se definen como “una mente creadora”: trabajan todos juntos desde que salió el disco hasta ahora y nada está librado al azar. Así se incorporan en una misma estética engranajes, gatos y otros animales hechos de estrellas coloridas, que pululan desde los flyers a la página web de la banda. “Todo está concebido por todos y nada está dejado al azar”, afirman.

--En Superchería, ¿la estética visual surge en paralelo o como consecuencia de lo musical?
P.B:-- Para la tapa del disco o la página web, la diseñadora, Rox, primero escuchó la banda, entendió nuestro background y se movió desde eso. Nos mostró, nos copamos. Eso tiene que ver con que hay un vocabulario desde la lírica. Decimos que las letras son como pinceladas de cosas. Cada uno tiene que leerlas a su manera.

--¿Cómo ha sido el vínculo de Superchería con los nuevos mecanismos de difusión y el consecuente rol de Internet?
Jerry Ferela:-- Hay que abarcar todo lo posible. No podés pelearte con internet porque te pasa el tema gratis porque es inevitable. Tampoco podés pelearte con la discográfica. Hoy la industria se está aggiornando. No hay una fórmula. Nadie sabe cómo pararse frente a todo esto. Nuestros discos se descargan gratis y además tenemos el disco físico en venta pero vendemos la décima parte. Es que hoy el disco funciona como suvenir para los fans o la gente que atesora eso. Nosotros nacimos dentro del nacimiento masivo de internet a nivel descarga y estamos caminando con la evolución. Y es que hoy los artistas independientes nos vemos beneficiados por internet, por las redes sociales, porque no tenemos acceso a los grandes medios, entonces, el boca en boca nos da poder e internet es su gran aliado.
P.B.:-- Tenemos la suerte de vivir en esta época, en que ser independiente puede ser redituable y sólo hay que encontrar la manera. Por eso estamos caminando ahí, buscando el cómo. El año que viene, Una casa detrás ya va a ser viejo porque va a salir el disco nuevo. Entonces estamos casi terminando su etapa. Tuvo su pico y ahora las descargas no disminuyen pero tampoco suben, salvo que toquemos o haya un video nuevo y ahí tenés algún otro pico, pero no como los primeros tres meses.

--¿Creen que un artista debe tener un compromiso social y plasmarlo en el contenido de sus canciones?
J.F:-- Creo que el arte per se está dotado de mucha sensibilidad. Tener sensibilidad social es muy normal, por eso es tan frecuente lo social en el arte. Hay maneras de representarlo y de llevarlo a cabo. Una es más obvia, es hacer la Marcha de la bronca y otra es desde otra poesía. O también podés no participar y estar apoyando desde otro lugar como ciudadano. Todo es compatible.
P.B:-- Cada quien tiene su propuesta artística y debería poder decidir involucrarla o no en su arte. “Sr. Cobranza” o “Las golondrinas en Plaza de Mayo” son dos opciones completamente diferentes pero tienen un contenido. Cada uno con su voladura y con su lenguaje. Por eso está muy bien si el artista lo desea, pero no creo que sea un deber.

--¿Y creen que se puede leer en las letras la biografía del músico?
P.B:-- Es inevitable que el autor hable desde su experiencia, de su visión. Por más de que hable en tercera persona. Igual, son fragmentos de la vida del artista, no es la biografía. Sí hay un contenido biográfico, con imágenes, con una voladura que tal vez sólo el autor entiende y es a libre interpretación. Pero por ahí vos podés conectar, generar algunas cosas, pero no creo que leyendo las letras entiendas directamente la referencia real.

--¿Qué hacen cuando no son Superchería?
P.B:-- En este momento no vivimos de Superchería pero lo estamos desarrollando y vamos camino a eso, aunque estamos todavía bastante lejos. Pero queremos que Superchería crezca y por eso trabajamos todo el tiempo para hacer mejor las cosas. Y eso uno lo disfruta y lo elige.

“El teatro es nuestra calle”.-

2012-01-05T01:24:00.000-03:00

Hace más de dos años, las jóvenes actrices Carolina Iannuzzi y Mereces Ferrería brindan un taller de teatro en la unidad penitenciaria 46, de José León Suárez, dirigido a hombres y mujeres. Fruto de esos encuentros es Bar Los Amigos, la obra que los internos crearon en la oscuridad de sus pabellones. Agencia NAN asistió al estreno y capturó algunas impresiones.

Por María Daniela Yaccar

Fotografía gentileza de Carolina Iannuzzi

Buenos Aires, enero 5 (Agencia NAN-2012).- Una cáscara de hombre. Todos los días Javi podría sentirse como Erdosaín, el protagonista de Los siete locos. Como él, Javi lleva en sus ojos y en su rostro --en su cuerpo todo-- las marcas de un paso poco feliz por la vida. Se le nota un pasado de necesidad. Ahora sus días transcurren en la unidad 46, de José León Suárez, frente al Camino del Buen Ayre, próxima al tristemente célebre basural del CEAMSE. Encierro. Basura. Olor a mierda. Atropellos constantes a los derechos humanos en la unidad vecina (la 48). Ése es el mundo de Javi. Pero un día, él no quiso ser más una cáscara de hombre. Caminando por el penal se topó con un par de cartones. Los agarró. Antes de hacerlo les había adivinado un destino más conveniente que el basural. Pronto escuchó una voz y no era la de su consciencia: “¡Ey! Dejá eso. ¿Para qué te lo llevás?”, le puso los puntos un oficial. “¡Vas a hacer mugre!”, completó cual madre. Javi no hizo caso. Siguió caminando. Sabía que esa parva de basura sería más que eso.

Ahora admite que podrían haberlo sancionado. Lo dice en el momento en que la cronista es testigo de la metamorfosis: las cajas de cartón, sostenidas por unos bidones de agua y forradas en los colores más aptos, no son ya basura si no un taxi. Las luces son los parlantes de un viejo grabador, los espejos están simulados con papel metalizado. Con lo que hay: así se hace arte en el “infierno”, palabra que no declama ningún pabellón “femenino” o “masculino”, sino personas de carne y hueso que --así como pueden transformar unos cachos de cartón en una escenografía más que digna, que también incluye una máquina registradora con un ticket saliente-- se reinventan a sí mismas. En este caso, a través del teatro. Si no hay afuera evidentemente hay que fabricar uno. Y eso dicen ellos: “El teatro es nuestra calle”.

Este día de noviembre hay un movimiento inaudito dentro del penal. Los rostros se agolpan tras las ventanas enrejadas para ver qué carajo pasa, entre corpiños que le dan una pizca de color a una escena fundamentalmente blanca y verde. Aparentemente, así es en la cárcel. Cualquier ruido de afuera es motivo de curiosidad. Quien suscribe nunca olvidará el primer día en que visitó este penal, cuando un numeroso grupo de hombres transitaba por el patio detrás de unos oficiales, y las chicas, desde adentro de la sala donde se hace teatro, cuchicheaban a más no poder sobre los encantos (o la escasez de) de los muchachos. “¡A ese no le doy ni en pedo!”. Ja. El encierro se propone (y consigue, las más de las veces) eliminar la subjetividad. Pero no puede hacerlo del todo.

El movimiento inaudito de este día de noviembre se debe a que, por primera vez, doce detenidos (hombres y mujeres), agrupados en la compañía teatral Luces Libres, exhibirán una obra, con dramaturgia, escenografía y actuaciones a cargo suyo. Hace ya un tiempo asisten a los talleres que les dictan dos jóvenes artistas, locas y amantes de los criminales y ladrones llamadas Carolina Iannuzzi y Mercedes Ferrería, que cada martes abandonan su laburo para generar una pequeña revolución dentro del penal. Un poco solas en el mundo. Totalmente ad honorem. Sin ningún apoyo del Estado, con el aguante de la capellanía de la unidad.

El estreno de Bar Los Amigos --tal el nombre de la obra-- confunde un poco al personal de la Bonaerense. Van llegando familiares y prensa; algo bastante inusual. Es gracioso ver a las oficiales preguntando si viene la chica que da el taller de acrobacia (apodada la China) para después poner el cuerpo y la expresión de un agente del FBI de película yanqui. O qué decir de oficial robusto que vacila entre el reto y la broma. Igual, hay que decirlo: el tipo es simpático como el Jefe Gorgory. “¡Parece que se olvidan de que esto es una cárcel!”, exclama al ver a Carolina deambulando por el penal con el taxi de cartón (prácticamente más grande que ella). La hippie le contesta: “¡No me digas! ¡Pensé que era un parque de diversiones!”. Y sigue en la suya. Igual que Javi. En ciertas circunstancias debe ser el único modo de hacer las cosas: la obstinación.

La cultura popular

Suenan Calle 13, Resistencia Suburbana y Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota (y uno recuerda a Camilo Blajaquis). Ellas aparecen perfectamente maquilladas, con alguna torta para compartir en la previa; ellos preparan la escenografía en el SUM, poniendo sus cabezas en problemas menores que los que, seguramente, los desvelan en los pabellones. Ahora afortunadamente el único problema son los putos carteles que se resisten a quedar pegados por el viento y la humedad primaveral. Poco a poco, empiezan a caer algunos parientes. Alguno se abraza fuertemente con un hijo inquieto. Otros esperan a los que no llegan y la bajonean.

Esta tarde el humor colectivo es un sube y baja, un poco como la obra, que es fundamentalmente de humor pero que culmina en la melancolía. “Cometí un error pero no quiero pasar más por eso”, dice Matías, y resume así el espíritu de Bar Los Amigos, una historia de un grupo de hombres que recuperó la libertad perdida y se la rebusca en distintos oficios. Ante el riesgo de que uno de ellos vuelva a caer en cana, lo convencen entre todos de que delinquir no es la mejor opción. “Yo tengo un hijo, y no quiero que pase lo que estoy pasando. Vengo de una familia así, es una cadena. Quiero darle un buen futuro y un buen ejemplo. Con la obra quisimos decir que no todos somos malos”, cierra Matías, de 24 años.

El modo de trabajo de Iannuzzi y Ferrería, que ya tiene dos años de existencia, viene del palo del teatro del oprimido. Ellas no llevan un texto de Shakespeare para que los internos se rompan la cabeza ensayándolo. Y lo suyo es lo más alejado de los programas oficiales que meten en las cárceles a caras conocidas de la televisión para que simplemente muestren. Mechi y Caro, como todos las llaman, trabajan con lo que hay, con lo que los internos tengan ganas de expresar. “Esto es la cultura popular --define Iannuzzi, empleando un concepto tan discutido a lo largo de décadas--. No sirve de nada que yo escriba una obra. A la hora de hacer teatro estamos todos en la misma”. Bar Los Amigos nació en los pabellones de los hombres. Los chicos llevaron al taller la propuesta y después las chicas se sumaron, en los roles de las parejas del grupo de ex convictos o como objetos de deseo. “Se nos complicó el tema de la mujer en la sinopsis”, se ríe Carolina.

“Con el teatro se redescubren. Es una linda patada en los huevos a la sociedad o a los que piensan que si alguien está en cana está para ser tirado a la basura.” El método de creación colectiva ha dado sus frutos. Hace poco, por ejemplo, Víctor escribió su primera obra. Además, muchos piensan continuar con el teatro cuando recuperen la libertad. Antes no lo conocían. Para Iannuzzi, el hecho de mostrarle la obra a espectadores es la última parte de un largo proceso y es fundamental, porque sólo así se completa el círculo del teatro. Lo cierto es que, al final del estreno, todos tienen ganas de un segundo round. Javi le habla al grabador. “Se lo dedico a mi familia, a Aymará, Carmen y Sergio, que son mis hijos; y a mi esposa Valeria.” Nobleza obliga, hay que ponerlo.

Volver a ser cáscaraCon Rosa la conversación pasa por los piercings y lo doloroso que es hacerse uno. La diferencia es que lo de ella fue más punk: claro, se lo hizo ella misma. Rosa está convencida de que hace teatro para sus once hijos. “Quiero demostrarles que su mamá cambió, que esto no fue al divino botón.” Rosa, que dice ser “vergonzosa y brutita”, es la encargada de cerrar la obra con una emotiva carta que escribió para sus profesoras. Y es también la que hizo la torta.

Hay un bailongo que tiene una protagonista: Romi, la más chica del grupo. Ella baila al son del reggaetón mientras público y actores se cruzan en un único centro, el morfi. La China, la acróbata, finalmente vino para la alegría de las oficiales y levanta las gambas y hace medialunas. En la compu de Fernando (otro amigo de Carolina y Mercedes) no hay mucha cumbia y eso desencanta. La tarde es larga. Bueno, seguramente para ellos no. Pero, más o menos, habrán sido cinco horas entre el audiovisual que explica la obra, la obra y el recreo final.

Habría que ser Rodolfo Walsh para transmitir con exactitud la sensación que genera en el medio de todo eso que un oficial de repente venga, mientras la música todavía suena, y grite “masculino” y después “femenino” o al revés. Una voz grave que intenta superponerse a la música. A todo. Una voz que pide a gritos que vuelvan los hombres y mujeres “cáscara”. Ese pendejito que correteaba, dibujaba y no sabía qué diablos hacer con su cuerpo tanto tiempo en el mismo lugar ahora tiene que abrazarse y besarse con su padre, a los apurones. Sentir bien ese abrazo. Y volver a casa nada más que con su mamá. Seguramente, matándola a preguntas.

Libros: "En la cancha se ven los pingos" (Tren en movimiento, 2011).-

2012-01-02T11:38:00.000-03:00

¿Cuál otro partido es más difícil que el de meterse con la cultura del aguante y lo popular? Una encrucijada entre la pasión y la violencia, los relatos que nos representan y los que sostiene el status quo. Fernando Prim preparó al plantel de 28 cuentos populares en una serie de fanzines que sintetizan experiencias de fútbol, rock y barrio, y los recopiló para ganar un macht de antología...

Por Facundo Arroyo

Buenos Aires, enero 2 (Agencia NaN – 2012).- La llegada de un fanzine --o varios-- a una antología de cuentos releídos no es nada fácil. Si se toma en cuenta el desorden de los publicados, los que van apareciendo en relación a uno inicial --ni hablar si los hace el mismo editor--, el barullo emocional en el diseño y las ganas de escribirlo se verá que En la cancha se ven los pingos (28 cuentos populares) empieza ganando 1 a 0 con gol de media cancha. Este libro es producto de un fanzine homónimo, sumado a algunas otras colaboraciones como “Héroes de los sábados”. Con Fernando Prim --editor-- siempre a la cabeza y las ilustraciones de Max Vadala.

Editada a principios del 2011 por Tren en movimiento (www.trenenmovimiento.com.ar), la antología gambetea por lo mejor de la cultura del aguante, entendiéndola como vivencias arraigadas a costumbres populares representadas por los jóvenes. A nosotros, en Argentina, nos tocó: fútbol, rock & roll, consumos varios, algunas buenas interpretaciones de sub-culturas y el barrio como epicentro de las propias mitologías que escupen personajes inolvidables. Por ese tan escabroso --y estigmatizado-- terreno se pasea Prim sin perder los hilos y el buen manejo de pelota del partido.

Además, En la cancha… bien podría ser un pequeño manual personal de historia argentina, una edición bien pulenta. “Vivió la Buenos Aires hardcore como Cafiero al peronismo”, se lee en el capítulo 12, demostrando un verdadero conocimiento de la propia historia oficial. Incluso, a través de un diario se ofrece y se va mostrando el “contexto histórico”. Así, los relatos se van construyendo a partir del “ascenso sabatino”, recitales, duras peleas callejeras y raras convivencias espirituales e intransigentes.

En ese contexto hay algo que destacar: en su propia lectura del mundo, Fernando Prim está realizando el sueño del pibe, algo así como poder contar en algún lugar sus vivencias futboleras. Quién le va a venir a discutir que la cancha (donde se ven los pingos) es uno de los escenarios más fructíferos para nuestras historias contemporáneas. Y más si allí hay un tratamiento --que por momentos se vuelve reivindicativo-- de la real violencia del aguante.

Por último, hay detalles en la compilación que completan la hazaña y la pretensión de un fanzine del conurbano como lo son la aparición de títeres ácratas (explicarlos sería romper con los códigos del barrio), grandes capítulos como el 24 (donde se ofrece una mirada muy personal sobre la cultura rastafari) y la expropiación de los trapos del equipo rival que ya se muestra en la portada del libro, diseñada por Alex Schmied.

El partido de esta antología está tan bien planteado que el protagonista de los relatos es hincha de All boys y lo último que aparece en el libro es cuando los de Floresta suben a Primera División. Aquí el partido se gana por goleada, como aquel 3 a 0 frente a Central que le dio el ascenso al Albo ¿Quién no lo hubiera contado?

Envejecido: “Hay un telar que teje cada canción”.-

2011-12-30T11:51:00.002-03:00

El recorrido que propone Manuel Peralta en su tercer disco surge de la necesidad natural de expresar una inquietud surgida desde la fibra más íntima de la sensibilidad musical, sin intermediarios y sin “deberle nada a nadie”. Por eso, sólo con su mundo y su guitarra a cuestas, el joven de apenas 20 años intenta que cada canción se transforme en una especie de estación para llegar a ese último peldaño que sólo la música puede explicar.

Juan Castiglione

Fotografía de Virginia Gilles

Buenos Aires, diciembre 30 (Agencia NAN-2011).- Tres discos con apenas 20 años cumplidos es una empresa difícil de igualar. Aún más siendo independiente, solista y gestionado con las pocas monedas que hay en el bolsillo. Manuel Peralta, A.K.A Envejecido, así su seudónimo solista, puede ostentar orgulloso esa pequeña pero valorable hazaña, motorizada con su música intimista, naif pero sincera y, sobre toda las cosas, fresca como un vaso de agua a mitad de la mañana.

Hijo dilecto del acústicazo post-cromañón, pero más revisitor de la vieja cepa del folk nacional que recopilador del actual indie-sensible, Peralta encara con Envejecido una de sus tantas facetas artísticas, que se completa con incursiones en el rock con su banda, Tostadora Moderna, y hasta pequeños pero deliciosos cortos de cine, fruto de sus estudios en esa disciplina del arte.

--¿Por qué Envejecido?

--Envejecer es una de esas palabras que cuando leo siento que es algo más que un ciclo de vida. Cuando se me ocurrió "Envejecido", tenía 17 años, último año de la secundaria, y me acuerdo que comenzaban a haber más responsabilidades en mi vida. Ocurrieron sucesos también que me provocaban pensar en el paso del tiempo, la vida, la muerte, esas cosas. El pensamiento más recurrente que aparecía era "que paja crecer" y como dirían los Ramones "no quiero madurar". Pero había algo en ese crecimiento de cuerpo y mente que me intrigaba. Entonces, pensé en la palabra "envejecer". Envejecido, como un anciano en mi cuerpo de joven, donde las canciones que salgan de ese ser, marquen el camino de mi vida.

--En Embalse, tu ultimo disco, los títulos de las canciones parecen remitir a un paseo, donde vas cruzándote con distintos escenarios: "Costanera","Momento de tranquilidad cuando ves llegar al transporte público que estás esperando”, "Primer banco nacional" "Enrredaderas". ¿Lo pensaste así?

--Son distintos escenarios que yo me imaginé. Si esas imágenes pudieron transmitirse al oyente, enhorabuena. En este paseo que vos mencionás, hay un telar que teje cada canción, no sólo con el título, sino también con las letras, la música. Cada uno lo crea a su manera. Si cada uno cierra los ojos, ve lo que la canción le pide, y lo que uno necesita ver. Alto viaje.

--¿Entonces podemos decir que Embalse es un álbum conceptual? Con una idea trazando el camino...

--Sí, quizás surgió inocentemente en el transcurso de las grabaciones. En la grabación de una de las canciones, se me hizo la imagen de "El camino hacia El Dorado", esa película de Disney. Bueno, en fin, como si cada canción fuese una estación para llegar a ese paraíso, esa última estación que sólo la música puede explicar.

--¿A qué responde la leyenda de “No se vende/se regala” que decora la contratapa del disco?

--La idea, es virtual, claramente. No voy a hacer la gran "Napster", ni "Paypal", ni nada de eso. Fue idea de mi amigo Charly (Cross), que diseñó el disco. A mí me gustó enseguida. Es algo que siempre pensé, y que sigo pensando. Cuando haga la tirada de los discos, que tengo pensado hacer 100 de cada uno (estoy haciendo otro disco que para el comienzo del año va a estar terminado), de alguna manera voy a tener que ponerle precio al disco, para recuperar la plata invertida. Mi intención claramente no es ser millonario, ni vender mi música, ni hacer guita, ni nada por el estilo. Creo que la música no se vende, se regala, es parte de la naturaleza. Pero bueno, en este mundo capitalista...hay que manejarse así. A los bifes.

--¿De qué manera pensás distribuirlo y comercializarlo?

--El disco fue publicado en un sello virtual, "Fuego Amigo Discos". Todavía no hablé claramente el tema de comercializar el disco con los chicos, pero no me gustaría que haya terceros que vendan mi música. Que la regalen, sí, todo bien. Pero no me gustaría involucrarme en negocios, prefiero manejarlo yo. No pensé mucho en eso todavía, creo que debería hacerlo. Y la manera de comercializarlo, creo que sería simple... al que le guste el disco, y quiere tenerlo, lo tendrá. Facebook, Mail, Teléfono, cualquier forma de contactarme. La idea de sello virtual, para aquellos que no me conocen y les gustó el disco, ayuda justamente en eso, que lo tenga el que no tenga acceso a mi persona.

--¿Cómo surge la tirada lanzada por “Fuego Amigo”?

--Fue una tirada de diez copias, que las pusieron en su stand del Festival Campamento. Uno de los chicos de “Fuego Amigo” hizo copias de todos los que pertenecían al sello, y cuando llegué y vi mi disco ahí, me puse muy contento. Pensé "Ah re que tengo un disco". Eran copias caseras, y al ver mi disco ahí me motivó para hacer una tirada, como mencioné antes, de todos los discos de Envejecido.

--Con Embalse ya tenés tres discos ¿Cómo encarás la composición y la grabación? ¿Es un proceso conjunto o pertenece a esferas separadas?

--Las canciones las compongo en mi casa. Hay algunas que las vengo arrastrando desde hace años, y no veo el momento de grabarlas, porque quizás no se llevan tan bien con las canciones actuales. Cuando tengo la cantidad suficiente, decido ir a grabar a lo de mi fiel amigo Matías (Lerici), que me banca desde la grabación del primer disco ofreciendo su vida y talento para ayudarme a componer. Él es una parte muy importante del proyecto de Envejecido también, porque me ayuda y contribuye en todo lo que puede a la hora de grabar. Generalmente, los discos los grabo en seis o siete veces que voy a su casa; al hacerlo durante el año los horarios de los dos son muy diferentes y cuesta coordinar. A la hora de grabar, siempre hay algo que surge en ese momento, por parte mía o de Matías, y eso es algo muy nutritivo y valioso para mí.

--¿Cuánto tiempo te demandó el armado de cada disco?, teniendo en cuenta que es una producción ciento por ciento casera e independiente.

--El primer disco Oso, lo grabé yendo dos veces a lo de Matías. Fue nuestra primera experiencia de grabación casera, y la pasamos muy bien. La foto del disco ya existía, que pertenece a mi amiga Lisette. El diseño de la tapa, lo hizo Charly, otro de los fieles contribuyentes para la existencia de Envejecido. Entre grabaciones y diseño, tardé dos meses. En Garrapiñada, había más canciones, más arreglos, y ya existía la experiencia del primer disco. Había que mejorar algunas cosas, y prestar más atención en otras. La foto de la tapa y la contratapa las saqué con Lisette en la Costanera, y el diseño lo hizo nuevamente Charly "The Magnificent" (sic) Cross. Fui más veces a grabar, estuvimos más atentos en todo detalle, y también hubo una mejoría, creo, a la hora de cantar. Matías contribuyó mucho en mi evolución al cantar, me ayudó mucho y eso agilizó mucho a la hora de grabar. Y por último, Embalse, tardó mucho más tiempo porque fue un año de idas y vueltas, donde los horarios y el tiempo me derrotaron. No recuerdo cuántas veces fui a grabar, pero no fueron tantas, y a la hora de diseñar el disco se retrasó mucho, porque Charly es un tipo importante en la industria del diseño gráfico, y no tenía demasiado tiempo para bobadas como las mías. Pero la espera valió la pena, porque es el disco que más me gusta.

Envejecido tal vez no esté llamado a cambiar el mundo, pero esa no es la motivación de Manuel. Envejecido es la necesidad natural de expresar una inquietud surgida desde la fibra más íntima de la sensibilidad musical, sin intermediarios y sin “deberle nada a nadie”. Tal vez haga diez fechas en el año, tal vez ninguna. Pero ese tipo de decisiones terminan por reafirmar una libertad verdadera, esa que otros pregonan bajo las banderas del rock independiente pero que, en los papeles, es tan ficticia como hipócrita e inexistente. Un hombre solo contra el mundo, una guitarra y nada más a cuestas que el simple anhelo de disfrutar de un paseo. Y si es musicalizado, mucho mejor.

--¿Cuál es el futuro de Envejecido?

--Ahora estoy grabando otro disco, todavía sin nombre. Después de Embalse, pensé en hundir a Envejecido en el fondo de mis días, pero no, necesito grabar todo el tiempo y sacar para afuera. También estoy grabando un disco con dos amigos más (entre ellos Matías), y nos llamamos "La banda en busca de la oriental", que tiene canciones de los tres, y es muy entretenido. Para el año que viene no sé en que deparará Envejecido. En un principio sacar este disco, pero también quiero priorizar mucho el tiempo que disponga para la grabación del primer disco de "Tostadora moderna" mi banda y que es una de mis prioridades de vida. Supongo que el futuro de envejecido será...crecer.

Sitio web: http://envejecido.bandcamp.com/album/embalse

Un Exilio que invita a quedarse en la propia tierra

2011-12-28T14:12:00.002-03:00

Malena Pascual es resistencia. Resistió cuando junto a un grupo de compañeros universitarios creó un medio cultural literario, la revista Evohé, y resiste hoy, junto a dos colegas, a poco más de dos meses de haber inaugurado en la localidad bonaerense de Longchamps, El Exilio, un espacio en donde volver concreta la esencia de la publicación y más. Con Agencia NAN recorrió el camino que desembocó en esa creación y reflexionó sobre las dificultades que ofrece “la mística medio extraña” del Conurbano.

Por Paula Sabatés

Fotografía de Malena Pascual

Buenos Aires, diciembre 28 (Agencia NAN-2011).- En 2009, un grupo de estudiantes de Artes en la Universidad de Buenos Aires se reunió --bajo iniciativa de Malena Pascual, una de ellas y de tan sólo dieciocho años, por aquel entonces-- y decidió abrir un sitio web para plasmar la producción artística de quien quisiera sumarse al proyecto. La convocatoria virtual funcionó mejor de lo esperado (se entusiasmaron alrededor de 60 artistas) y así nació Evohé –Tertulia Digital (http://evohe-revista.blogspot.com/), revista cultural que hoy tiene más de mil entradas entre ensayos filosóficos, piezas literarias, dibujos, pinturas, historietas y más. A tres años de aquel primer paso, Malena y dos compañeros inseparables en la ruta del proyecto, decidieron apostar su vida –y la figura puede entenderse casi literalmente—al sostén de un espacio físico al que pensaron a la vez como centro cultural y “centro de operaciones” del grupo. Con la perseverancia de los convencidos, El Exilio estrenará, en marzo del inminente 2012, su primer ciclo lectivo de talleres artísticos.

A tres meses de iniciado el proyecto, quienes lo habían impulsado desde el comienzo decidieron hacer una fiesta en un centro cultural “para conocerse las caras y que no fuera todo tan virtual”. De nuevo, se llevaron una sorpresa por la cantidad de personas que dieron el presente. “La primera fiesta fue muy loca y fue una sorpresa. Hubo gente en el escenario que no conocíamos y que nos voló el cerebro”, cuenta hoy a Agencia NAN, y con dos años más, la mentora del proyecto.

Con lo recaudado en ese primer encuentro, Evohé pudo concretar un sueño que parecía imposible: salir en papel. Así, la nueva redacción (muchos de los que habían comenzado con el blog fueron perdiendo interés y se conformó un nuevo grupo que trabajaría de lleno en la construcción de la revista) seleccionó, para el primer número, algunas de las publicaciones más relevantes del sitio y así salió a la calle el primer número. “Pensamos en un producto que genere una reacción, no necesariamente buena, quizás hasta disgusto. Pero no tuvimos ni tenemos un criterio técnico para elegir qué entra y qué no, es todo muy sentimental.”, cuenta Malena.

Durante 2009 y 2010, la mecánica continuó igual: los Evohé seguían publicando en el blog y mientras tanto hacían fiestas, juntaban la plata y sacaban un nuevo número de la revista (luego venía lo más duro: distribuirla, buscar espacios de difusión, instalarla). Pero cada vez era más difícil porque los espacios culturales donde se hacían los encuentros cobraban alquiler y eso dejaba menos ganancia y, por ende, menos margen para imprimir la revista. Entonces fue surgiendo la necesidad del espacio propio.

A principios de 2011, los que habían quedado trabajando incesantemente en el proyecto se reunieron y evaluaron las posibilidades de abrir un centro cultural propio. En cinco meses, y decididos a hacerse cargo del trabajo que implicara ese gran paso, Pascual, Lucas González y Federico Estancona consiguieron que sus amigos les prestaran los fondos y alquilaron una espacio en Longchamps, que inauguraron el 15 de octubre bajo el nombre de El Exilio – Arte Ocio (dirán, a propósito del nombre, que “tarde o temprano, el Estado y las instituciones terminan exiliando, física o metafísicamente, a sus artistas e intelectuales).

Hoy, el flamante centro cultural tiene una agenda completa de actividades y se están terminando de definir los talleres que formarán parte del primer ciclo lectivo del espacio, que comenzará en marzo del año próximo. Además, se convirtió en un “centro de operaciones” para los jóvenes que lo llevan a cabo. “Nosotros tres estamos de lunes a lunes las 24 horas del día. Sabemos que si tenemos que comer arroz con tal de mantener el lugar lo vamos a hacer. Porque es lo que queremos y en lo que confiamos”, resume Malena.

--¿Con qué dificultades se encontraron al abrir el espacio propio?

--El conurbano tiene una mística medio extraña con la cultura. Por eso, la dificultad central es la difusión y la recepción de esa difusión. Es muy complicado convocar gente para que venga a ver teatro. El público está muy acelerado, entonces es difícil generar un circuito en donde se le dé bola a la literatura, por ejemplo. Lo que pasa es que el conurbano es mucho Pappo, mucho escabio. Entonces es difícil que entiendan que vos querés hacer algo más que un bar para tomar birra con el lugar, que entiendan que lo pensás como un centro de operaciones para algo más grande. Y también Longchamps es particular. Es como si por ser de ahí ya sos famoso. Entonces hay pibes que vienen al lugar, se lo apropian y te dicen “¿por qué pones teatro? Yo quiero enchufar la viola”. Y eso es feo, te encontrás con que estas sólo en esto, que sos vos, tus compañeros de trabajo y tus amigos.

--Entonces, ¿qué los mueve a seguir insistiendo?

--Es que sabemos que la gente en algún lugar está. Así como nos encontramos nosotros, hay gente que va por el mismo lado y a la que queremos encontrar. Y además al público hay que educarlo, de alguna manera. Si vos no ofrecés literatura, la gente va a seguir yendo a tomar una birra y enchufar la viola sin importarle nada más. Si no generás acá el circuito, los que quieran ver teatro se van a seguir yendo a capital.

--¿Cree que hay lugares que concentran a todo el público del Conurbano?

--El conurbano está malacostumbrado. Entonces no es que el (Banfield Teatro) Ensamble, por ejemplo, sea un monstruo que concentra todo. El problema es que la gente no confía en nada que no sea el Ensamble. Porque si vas ahí tienen la jarra de vidrio, el plato de losa. Y parece que eso importa mucho. Acá viene gente y nos dice “todo muy indo, pero ¿no se les ocurrió poner un servilletero?”. Y no, la verdad que ahora no tenemos presupuesto. La gente está muy mal acostumbrada. Además le tiene mucho miedo a todo lo que no le sea familiar, a ir a ver una obra de teatro a un espacio chiquito. Y entonces no viene porque no da dos mangos por algo que recién arranca. Se piensa que todo lo bueno está en los lugares que tienen chapa y es muy difícil que se le de una chance a lo nuevo. Y por otro lado, el Estado tampoco te da dos mangos cuando arrancás. Todos los concursos tipo Fondo Nacional de las Artes son para lugares institucionalizados, con veinte años de carrera. Y el que recién arranca, que no tiene y se está formando y sacando su propia teorización a partir de la experiencia no tiene lugar.

--¿Ustedes teorizan sobre lo que pasa en El Exilio?

--Sí, todo el tiempo. De hecho es el interés más grande que tenemos con el lugar. Para nosotros El Exilio es casi como un laboratorio. Además de querer generar un espacio donde el artista tenga un escenario o una pared para exponer, para nosotros es una formación. Es como decía Sartre a propósito de los jóvenes del mayo francés, estamos generando teoría a partir de la experiencia y no cortando la experiencia por una teoría. Es para nosotros un centro de operaciones, de estudio de lo que pasa en el arte. Nos sentamos una o dos veces por semana a reflexionar sobre la nueva ola de artistas que aparece cada noche en el escenario y a pensar a dónde queremos ir como individuos y después qué queremos hacer en conjunto. Porque no es que pusimos el lugar sólo para tener un lugar. Hay que ir a algún lado con esto. Y así como el proyecto de revista nos quedó chico, también El Exilio va a tener su techo. Porque queremos seguir avanzando, esta es una instancia para generar algo más grande.

--¿Qué sería?

--¡La revolución! (risas). Un movimiento que sospechamos que existe. Vemos que hay ciertas coincidencias en la generación que está haciendo arte en este momento. Y ahí es donde queremos llegar, a amalgamar esas coincidencias sin por eso dejar que prime la heterogeneidad.

--¿Qué ventajas y desventajas le encuentran a hacerlo de modo autogestivo?

--La primer y única desventaja es el presupuesto, tener un montón de ideas y muchas no poder llevarlas a cabo porque se termina la plata y, en un punto, la solidaridad de la gente también, porque mis amigos no van a venir siempre a gastarse 15 pesos en una birra, porque tienen otras cosas y está bien. Lo demás son todas ventajas. Sobre todo porque el límite es tu propia creatividad. Y cuando se termina eso se termina todo.

Festival de Arte de Verano en Club del arte.-

2011-12-27T13:27:00.003-03:00

Lejos de las grandes marquesinas de la calle Corrientes y distantes de los grandes festivales de marcas famosas, la poesía, la música y el goce por el arte se encendió al calor de plumas y músicos emergentes en el Festival de Arte de Verano.

Por Esteban Vera

Fotografía gentileza de Arteva

Buenos Aires, diciembre 27 (Agencia NAN-2011).- Jueves por la noche. El Club del Arte (Corrientes 3439, Abasto) es una casona de dos pisos, repleta de arte en sus paredes: murales, fotografías y pinturas. Ese día fue tomada por un grupo de artistas emergentes, muchos aún desconocidos fuera de los pequeños círculos de seguidores, para despedir el año con el Festival de Arte de Verano (Arteva). Ellos desplegaron en sus rincones, cuartos y terraza sus cosmogonías artísticas. No fue un festival más en la Ciudad de Buenos Aires: no hubo gaseosas, cigarrillos, promotoras de empresas de telefonía celular patrocinando el encuentro. Tampoco pulseritas para invitados vip. Pero sí, sandías gratis para todos. Con lecturas de poesías y música hizo pie el evento, un cóctel de arte under organizado por la agencia de publicidad alternativa Arteva y la editorial independiente Nulú Bonsái. Así, durante 12 horas, desde las 17 hasta las 5 del viernes, la casona respiró y latió cultura under, cien por ciento autogestionada, al margen del canon festivalero.

En el hall de entrada, un cartel de fondo blanco con letras negras anunciaba “Todo sucede en la terraza”. Allí, ya en la noche, el grupo de percusionistas Afrofilia arengaba a bailar al ritmo de sus tambores. “Música para ahuyentar a los malos espíritus”, alentaron, mientras un puñado de chicos bailaba al frenesí de los compases africanos, iluminados por luces navideñas amarillas, verdes, y ultravioletas.

Y cuando los ecos de los redobles se extinguieron, Ivana Berenstein (myspace.com/ivanaberenstein), joven cantautora, guitarra en mano y micrófono averiado, siguió el festival con sus canciones lúdicas y agiles, con bases juguetonas de música popular, pop, bolero y jazz. Así cambió la atmósfera sonora en la terraza, el lado b del festival. Con un breve repertorio de humor sutil, Berenstein se lució cuando cantó “Ahora”, single de su álbum debut No te duermas: “Ahora que soy complicada te gusto más/ ahora que no me ves te acordás/ ahora que sos complicado me gusta más/ ahora que no te veo y que no estás/ Ahora que estamos juntos no me hablás/ ahora que yo te busco te escapás/ y eso no me sorprende ni me hace mal/ Yo hice lo mismo un tiempo atrás”. Y no naufragó con “Danza de mosquitos” o “Adicción”, a pesar de las dificultades técnicas del sonido.

Acto seguido, la periodista y poeta Cecilia Martínez Ruppel, recitó algunas poesías “cursis” de (des)amor, como “La primavera”: “Sos hermoso/ de repente estamos hablando/ me doy cuenta y te lo digo: sos hermoso/ vos te reís y me contestás/ qué boluda que sos/ como si te estuviera/ haciendo un chiste, / pero la verdad es/ que es la pura verdad: / sos hermoso”. El librero, poeta y editor Francisco Garamona; y el periodista, editor y poeta Sebastián Goyeneche, también fueron de la partida.

En paralelo, a pocos pasos del pequeño escenario se montó una feria de editoriales independientes, entre ellas, Pánico el Pánico, Mansalva y Ñasaindy Cartonera, por nombrar algunas. La reciente antología Atada a la reacción, de Nulú Bonsái, fue uno de los libros más destacados con sus 80 poesías urbanas de una oleada diversa de 40 poetas.

Ya cerca de la medianoche, Coco Nuts (myspace.com/eggohlove), joven cantante y compositora cerró el lado b. Fueron canciones acústicas e íntimas de amor adolescente, como “Cada vez” (“Si cada vez que yo pienso en vos, siento que brilla el sol, no puedo controlar y empiezo a delirar”) o “A tu alrededor” (“No me gusta ver tus labios cuando me dicen adiós, si pudieras ver mi dolor”). También se destacó con un cover logrado de “Otherside”, de Red Hot Chili Peppers. En el escenario principal, ubicado en el primer piso, pasada la medianoche, tocó el cuarteto psicodélico Rascolnikoff (myspace.com/rascolnikovv). Integrado por Lola Prun (coros), Emmanuel Bayúgar (guitarra), Jirí Alvri (voz y teclados) y Francisco Larpin (batería), la banda, que prepara su segundo EP, se despachó con un buen repertorio experimental e instrumental, pero monocromático.

El recital de Monstruito! (monstruito.com.ar) le puso punto final al festival, pero dio inició a la fiesta, con su propuesta de ska, reggae, reggaetón, cumbia y tarantela. Amontonados en el escenario –en realidad, delante del público, al mismo nivel– el grupo, un crucero de ocho músicos (trompeta, saxo, bajo, guitarras, armónica, teclados y percusión) y una vocalista de Villa Devoto, desplegó un cancionero bailable, efectista, con temas como “La marea”, “Boletos”, “Fuego caliente” y “La receta”. Frente a ellos, una treintena de personas entregadas al éxtasis de los cuerpos.

Discos: El sur en la noche (El viento enloquece a la gente, 2011).-

2011-12-26T13:35:00.003-03:00

Una de las bandas históricas del under neuquino comienza a transitar en este disco un destino sonoro bipolar que lo reúne con su esencia dark y lo ubica ante un camino nuevo, con más luz al fondo, cargado de cachengue y fiesta colectiva.

Por Guillermina Watkins

Neuquén, diciembre 26 (Agencia NAN 2011).- ¿Habrán pensado alguna vez los escoceses de Cocteau Twins que existe una tierra llamada Patagonia, un río llamado Limay y un pueblo a sus orillas? ¿Habrán imaginado hasta dónde llegarían sus influencias? Seguramente no. Aunque, tal vez, si tal cosa hubiera ocurrido, definitivamente habrían pensado en El viento enloquece a la gente, la banda que con muchos años de historia y diferentes formaciones, se encarga de hacerle honor al género que casi casi inventaron ellos: el new wave. Claro, lectores, podrían pensar que en épocas de internet todo sería posible. Pero no. Antes de ser El viento..., los chicos fueron Santa Maldoror y Enfermita, logrando sostener fervientemente, incluso a falta de conexión a la red de redes, el sonido post punk, new wave, dream pop con un mensaje árido y desértico; ése que sólo ellos imprimen.

Después de haber lanzado su Del Pánico, Valle (2009), esa producción invernal, romántica y melancólica que los unía a aquel sonido inglés, El viento... se embarcó en un proyecto más ambicioso: dejarse llevar por los ritmos y las posibilidades sin descartar el espíritu lúdico que los caracterizó siempre. De este modo, en El sur en la noche queda demostrado esta convivencia de estilos y estados: mientras que el lado A --la noche--, muestra ese costado "histórico" de la banda que revisa su pasado punk, dark folclórico y romántico, el lado B --el sur-- se abraza con la herencia gitana, festiva y sónica a la vez. Bien podríamos afirmar estar ante la presencia de un disco bipolar que intenta retratar la sociedad valletana.

Canciones como "La cabeza llena", "La casa rosa", "Canción para el inicio de los vientos" y "A veces la noche" encabezan el disco en su costado más oscuro, con una lírica característica que el frontman del sexteto, Rulo Lupano, se encarga de convidar en cada show. Ferviente militante de la psicología social desde temprana edad, El Rulo se encarga de describir pequeñas historias del Valle --como es conocida la zona patagónica donde se recuesta Neuquén-- con esa transparencia descriptiva del poeta que sólo puede hablar a través de imágenes.

Es que en sus letras, también, se reflejan naturalezas, en el sentido más amplio de la palabra: la de Neuquén, pero también la que alguna vez miraron Alejandra Pizarnik, William Borroughs, Fernando Pessoa, los beats, sentados a las orillas de quién sabe qué porción de agua. Todo eso enmarcadado en la confluencia de los ríos, las chacras, el espíritu trágico de una ciudad en la que "los homicidios y el viento son lo mismo" y, sobre todo, muchos recuerdos de la infancia ante tardes complejas en el desierto.

Pero después de la paliza sobreviene la tranquilidad o la fiesta. Y ahí es donde aparece el primer tema que mixtura ambas sensaciones: "La gente entre los ríos". Comienzan los festejos del mañana, las celebraciones de los funerales, el cumpleaños entre bombas y huracanes. Como en "Las máscaras", "Tornados y poblados" y "Más allá del bien y el mal", con un acordeón, que incita al movimiento.

El sur en la noche es un renacimiento. Esa fiesta ante un fogón en el que los sobrevivientes de la catástrofe se saludan y vuelven a brindar. Como lo que implicó el regreso de uno de los fundadores de aquellas primeras bandas originarias, el Chely, que se anima a colaborar en "A veces la noche", para inundar todo con su chamánico delay. O el aporte de Diego, en el acordeón, o los coros de músicos amigos como "El Bicho" Bolita, Max de Atrás hay truenos, El Palo de La Cría Vampira, o las Gospel Ladys Chaos. Además de ellos, y después del alejamiento de otros músicos, amanece la noche con la incorporación de Niza (ex Quijote) en la batería y el vikingo, en bajo, con quienes se embarcarán el próximo otoño en la tercera producción de El viento..., primera con esta formación.

Para escuchar lo viejo: http://www.myspace.com/losvientos

Arde! Arte: "Se naturalizó la intervención en lo público y hasta en algunos casos se institucionalizó"

2011-12-23T16:50:00.000-03:00

Hasta el 15 de febrero, el colectivo que desde 2001 se caracterizó por promover iniciativas artísticas en asambleas y movimientos callejeros, expondrá en el Centro Cultural de la Cooperación parte de esas acciones para dejar herramientas artísticas al alcance de la próxima revuelta creativa y permitir comprender qué se construyó en aquellos años de protagonismo popular.

Por Nahuel Lag

Fotografía de Irupé Tentorio (1) y gentileza Arde! (2)

Buenos Aires, diciembre 23 (Agencia NAN-2011).- Hace diez años un grupo de artistas plásticos surgía desde las cenizas. No de las propias sino de las de un país que había agotado sus relaciones económicas, sociales y culturales y empujó a la gente a la calle para exigir un cambio de dirección político y crear alternativas para superar la crisis. Junto a las personas que se movilizaban por sus ahorros, los trabajadores que recuperaban las fábricas quebradas y las cubiertas que ardían en las rutas reclamando pan y trabajo, un grupo de ardientes artistas buscó simbolizar lo ocurrido desde el 19 y 20 de diciembre de 2001, incomodar a quienes no se sentían afectados por la situación de millones y cuestionar las estructuras que provocaron la crisis.

El lugar de Arde! Arte de acción colectiva fueron las asambleas y las calles hasta 2006, cuando sus integrantes se fundieron con los movimientos que acompañaron o continuaron caminos independientes, pero el aniversario de la revuelta popular los invitó a analizar todas las acciones, intervenciones y performance de aquellos años y montar una muestra que permanecerá hasta el 15 de febrero en el Centro Cultural de la Cooperación (Avenida Corrientes 1543) para dejar herramientas artísticas al alcance de la próxima revuelta creativa (teléfono para los europeos) y aportar su grano de arena para comprender qué se construyó en aquellos años de protagonismo popular.

Argentina Arde! fue la chispa inicial. Una convocatoria asamblearia hecha por Indymedia –-el arribo de los medios de contrainformación que se multiplicaron luego del 19 y 20—- y grupos de documentalistas bajo la consigna: “vos lo viviste, no dejes que te lo cuenten”. Aquel colectivo alcanzó a publicar un periódico y acompañar varias movilizaciones, pero se disolvió a fines de 2002 dejando en pie la comisión de arte que continuó como Arde! Arte y un lazo entre grupos interdisciplinarios (Grupo Boedo film, Venteveo video, Contraimagen, Subcoop, Grupo Etcétera, Taller Popular de Serigrafía, GAC, entre otros) que a lo largo de los años permitirían realizar grandes acciones como la semana Arte y Confección x Brukman y El Ceramicazo de Zanón.

Desde entonces, Silvina Bernasconi, Javier del Olmo, Leandro Gorrini, Federico Mañanes, José Luis Meirás, Natalia Revale, Daniel Sanjurjo y Paula Zambelli lanzaron su creatividad a las calles con acciones como Círculos, que invitaba a los manifestantes a dejar marcada su presencia en las movilizaciones, y en la muestra del CCC fue recreada con una circunferencia que contiene los nombres de los militantes sociales asesinados en democracia; LaBala bandera, cuando la insignia patria fue remojada en las fuentes ensangrentadas de Plaza de Mayo por los asesinatos de Darío Santillán y Maximiliano Kosteki; o La Bola, una circunferencia hecha de casquillos de balas policiales que rodó por el Puente Pueyrredón recordando aquello de “las balas que vos tiraste…”. La muestra hará un repaso más justo, sigamos con el análisis de los ardientes.

--¿Cómo sortearon el paso de la movilización a la exposición, al registro…?

Natalia Revale:--Los diez años del 2001 fueron el disparador para reencontrarnos y comenzar a revisar qué era anecdótico, qué cosas eran importantes para relatar lo vivido en aquel año y los posteriores, y qué cosas podían tener vigencia en esta realidad compleja que vivimos en la actualidad, aunque a cinco años de la disolución del grupo no coincidamos en todos los aspectos. Habíamos hecho mucho y nunca lo revisamos, otros grupos a la par de sus acciones en aquellos años iban registrando o hacían muestras, pero nosotros no reparábamos en eso, teníamos urgencia de hacer y formarnos. Si bien contábamos con una página de internet en la que cargábamos fotos por la necesidad de socializar las acciones, cuando comenzamos a armar la muestra tuvimos que pedir y recopilar fotos y videos. Era fundamental mostrar el contexto en el que sucedieron las acciones porque no son una pintura, que habla por sí sola; el conjunto de cosas que sucedían hacían a la acción. Es oportuna esta muestra para recuperar una época que nos marcó y transmitir prácticas válidas que se pueden seguir multiplicando.

--Un recorrido por las acciones de Arde! Arte permite hacer otro por las luchas sociales que entonces se llevaron a las calles. ¿Existió un arte de la movilización?

NR:--Gran parte de nuestras acciones se hicieron en el marco de movilizaciones, donde buscábamos que tuvieran un impacto entre las personas movilizadas, pero también generar un código común, una comunión. Como parte de la movilización teníamos una contención que nos permitía realizar acciones impensadas fuera de ese contexto, como romper un cartel de la vía pública (NdeR: El 24 de marzo de 2005, Arde! intervino los carteles de Avenida de Mayo para permitir pasar el cuerpo a las manifestantes a través de un afiche que pedía Libertad a los presos x luchar). También nos interesaba el salir a la calle, que el poder del arte se cargue de otro contenido en el contexto de la movilización. No es lo mismo simplemente marchar que hacerlo con consignas, con símbolos que te identifiquen y para eso la participación era imposible sin generar complicidad. Las movilizaciones o los acampes (NdeR: para defender la toma de una fábrica recuperada o para esperar las condenadas por los asesinatos de Darío Santillán y Maximiliano Kosteki en los Tribunales de Lomas de Zamora) fueron planteadas desde ese lugar: espacios eclécticos, construcción y aguante.

Javier del Olmo:--A partir del 19 y 20 se dio lugar a que mucha gente encontrara otras maneras de expresarse, muchas acciones e intervenciones nuestras fueron muy valoradas por personas que estaban en la calle para reclamar la plata que se le había quedado el banco o por otra situación personal. Muestra de ello fue el hombre que hizo una performance de ir a veranear frente al banco… Él no era un artista, pero plantó una reposera y una sombrilla frente al banco que se quedó con su plata y llevó a toda la familia.

--En el grupo la creación se caracterizó por surgir de modo asambleario hacia el interior y en la participación de otros espacios…

JdO:--Buscábamos aportar elementos simbólicos a los conflictos y manifestaciones, participar desde ahí. Siempre tratábamos de ser lo más orgánicos posible. En la lucha de una fábrica recuperada, uno no es uno de los trabajadores, pero tratábamos de acercarnos, de participar, proponer y escuchar las propuestas de ellos para interactuar y proponer. Lo mismo ocurrió con el Frente Popular Darío Santillán. El trabajo era grupal con participación en las asambleas de los diferentes espacios, éramos un grupo dentro de la asamblea que podía elegir desde qué lugar interactuar… “de acción colectivo”, era la segunda parte del nombre del grupo.

NR:--Cuando nosotros estábamos cerca de un conflicto sentíamos la necesidad de acercarnos a sus protagonistas. En ese sentido, tratábamos de ser un tanto orgánicos… Pero movidas como la Semana por Brukman (NdeR: en respaldo a las costureras desalojadas de la fábrica textil) o el Ceramicazo (NdeR: acampe realizado en Plaza de Mayo a favor de los trabajadores de la exZanón) las pudimos hacer gracias a una cantidad de grupos culturales de distintas disciplinas que eran la base de esas iniciativas. Conn muchos de ellos nos conocíamos desde Argentina Arde! Era fundamental ese espíritu de unidad que reinaba en aquellos años, el no pensar por acciones solitarias sino en articulación con otros y con los trabajadores o movimientos de desocupados. No salíamos de un taper y hacíamos una acción.

--Algunos grupos artísticos se cuidaban de que no se produzca un “agenciamiento” en la labor artística para con las luchas sociales, ¿qué les ocurrió a ustedes?

NR:--Donde había un conflicto íbamos, no nos planteamos tanto en dónde, si era el desalojo de una fábrica recuperada o una movilización por Cromañón. La participación era muy coyuntural. Cuando el nivel de conflictividad mermó, en el grupo se empezó a discutir en dónde queríamos profundizar nuestro trabajo artístico y fuimos decantando en la labor independiente o, en mi caso, trabajar desde la cultura en un marco político en la Liga de Cultura del FPDS. Otros que habían sido o eran parte de partidos no tenían la necesidad de ser parte de una organización más amplia. Pero durante esos años no estuvimos ligados a uno u otro conflicto… fuimos pasando por todos sin “agenciarnos”.

--Para la comunicación, el 2001 abrió un nuevo campo con el surgimiento de cantidad de medios alternativos, algo que vivieron en el seno de Argentina Arde! ¿Pero cómo ven que impactó en el espacio del arte?

NR:--Quizá en lo que tiene que ver con las prácticas en el espacio público, o sea se naturalizó la intervención en lo público y hasta en algunos casos se institucionalizó. Hoy el mismo mecanismo que se utilizaba en 2001 para denunciar lo toman las empresas de publicidad o el PRO. El tema es para qué lo utilizás. El muralismo, el stencil, multiplicidad de formas de participar en el espacio público se rescataron con distintas intenciones y objetivos, pero el arte ganó espacio en la calle. Hacia dentro de las instituciones artísticas, galerías o museos, hay una apropiación del arte callejero, pero no lo veo como algo significativo.

JdO:--Previo al 2001, la mayoría trabajábamos en otros ámbitos del arte en la búsqueda de la participación en la obra del espectador con el que interactuábamos. A partir del 2001 se pudo potenciar ese tipo de prácticas y hoy en día cualquier manifestación pública busca otra tipo de simbolización. Eso se produjo debido a la necesidad de la gente de salir a la calle y manifestarse de otra manera. Ahí nosotros encontramos un espacio propicio para replicar lo que veníamos produciendo…

-¿Creen que la cultura quedó como herramienta de lucha, como parte de las organizaciones sociales o como estética en las protestas?

NR:-- Los movimientos de desocupados han sabido reapropiarse de simbologías y crear sus propios símbolos, sus propias imágenes y una identidad propia y en gran parte se debe a la intervención cultural… con cómo se interviene culturalmente en esos procesos de cambio, un cambio social es un cambio cultural, entonces cuando te concebís dentro de una organización que quiere cambiar una sociedad, la querés cambiar en su conjunto y la cultura es parte fundamental de eso. Entonces, me parece que las organizaciones y movimientos que piensan en esa transformación radical la piensan desde todos los lugares. En lo cotidiano, en el arte a cada ratito, en un barrio pintando un mural, imprimiendo una remera, discutiendo desde qué lugar estás trabajando hay una forma de concebir creativamente desde un montón de lugares, y el arte se vuelve parte de lo cotidiano.

Sitio: http://www.ardearte.com.ar/

Un acto que terminó en golpiza.-

2011-12-22T14:23:00.000-03:00

Un grupo de estudiantes del Instituto de Arte Cinematográfico de Avellaneda (IDAC) se acercó al intendente Jorge Ferraresi para plantear un reclamo en torno a modificaciones al interior de la carrera, entre otros. Pero, según denunciaron, militantes cercanos al funcionario acallaron el reclamo de la peor manera: golpeando a los jóvenes, tal como puede verse en un video.

Por Ailín Bullentini

Fotografía gentileza de Micol Metzner

Buenos Aires, diciembre 22 (Agencia NAN – 2011).- Las imágenes muestran las banderas celestes y blancas y dejan oír bombos, folclore típico de todo acto político. Aquel que sucedió el lunes pasado en la flamante Universidad Nacional de Avellaneda y que fue filmado por estudiantes del Instituto de Arte Cinematográfico de ese partido bonaerense (IDAC) tuvo como protagonista al intendente de ese municipio, Jorge Ferraresi. Hasta allí se había acercado un grupo de nueve chicos y chicas que estudian en la escuela municipal Realización Cinematográfica con orientación en Documental para recordarle personalmente al jefe comunal que no están de acuerdo con la reducción de esa carrera a una tecnicatura orientada a la televisión, tal como decidió el municipio de manera unilateral, así como tampoco con la falta de recursos para el pago de salarios docentes y el sustento del edificio, y pedirle una reunión en la cual buscar una solución entre todos. Pero la intención recibió un escarmiento que, al igual que el festejo militante, quedó registrado en imágenes.

Desde atrás de la cámara, la voz de Fabio Vallarelli pide “¡¡paraaa!!” y el cuadro se le va de control. Luego se oye a una chica gritar y algunos insultos, que culminan en la calle, en dispersión. Según denunció Vallarelli, los agresores son “militantes a favor de Ferraresi”. Y continuó: “Nos pegaron patadas, codazos y piñas. Me pegaron una trompada de atrás y nos echaron”. Ya fuera del lugar, funcionarios municipales les prometieron que en el transcurso de esta semana se pondrían en contacto con ellos, promesa que hasta hoy permanece incumplida, y una patota los corrió al menos dos cuadras: “Tomátela, tomátela”, los amenazaron. Dos hombres más los siguieron al menos diez cuadras.

El Centro Cultural Hugo Caruso, en Avellaneda, fue el escenario el lunes de la presentación de autoridades de la nueva universidad local, que abrió el año pasado. “Supusimos que iba a participar Ferraresi del acto, y no nos equivocamos. Hablamos con los chicos y dijimos de ir para pedirle al intendente que nos dé una entrevista ya que de otra manera no nos atiende”, explicó Micol Metzner, una de las estudiantes del IDAC que se acercó hasta el “Caruso”. Los intentos de acercamiento de parte de los chicos y chicas comenzaron “hace más de un mes”, cuando comenzaron a escribirle cartas, comentó Vallarelli. No obtuvieron respuesta.

Algunas semanas antes de las cartas, los estudiantes de IDAC se enteraron a través de un volante que recibieron en los pasillos de la escuela que la carrera Realización Cinematográfica con orientación en Documental había cambiado de nombre y de rumbo, y perdido algunas materias en el camino. A partir de 2012, el título que obtendrán luego de tres --y no cuatro-- años de estudio los habilitaría como técnicos en televisión, cine y video, tras recorrer una currícula orientada a la realización televisiva en la cual los contenidos cinematográficos fundamentales desaparecerían. Los cambios se aplicarán desde el año próximo y, si bien aquellos estudiantes que eligieron la orientación documental podrán terminar el camino original, “la lucha por que esos cambios finalmente no se apliquen tiene que ver con la defensa de la existencia” de la única opción pública en esa especialización que existe en Latinoamérica.

Los reclamos, el lunes pasado, interrumpieron el discurso de Ferraresi en el “Caruso”. “Su única respuesta fue la arenga contra nosotros. Empezó a decir que había gente que no entendía cómo se construía, que estábamos en democracia y todos tenían derecho a expresarse, pero que algunos iban por más, como ellos, y otros por menos, en alusión a nosotros. Y la gente se puso eufórica. Los militantes que nos rodeaban nos empezaron a increpar. Y todo se puso muy tenso. Los empujones, codazos y patadas no aflojaron en todo el acto”, describió Vallarelli, que no apagó la cámara con la que registró todo el acto y las agresiones. Entre los militantes, los chicos del IDAC aseguraron haber reconocido a miembros de la organización juvenil kirchnerista La Cámpora, a miembros de la JP Descamisados y a otros identificados con insignias del Movimiento Evita, además de “miembros de la barra brava de Ferraresi”, añadió Metzner: “Nos querían comer crudos”.

“Primero llegaron los silbidos y los cantos, que querían tapar nuestros gritos. Entonces nos empezaron a patear por lo bajo”, relató la chica, que mientras se esforzaba por superponer sus reclamos a los “¡Jorgeeeee, jorgeeee. Olé, olé, olé, olé. Jorgeeeee. Jorgeee!”, que llegaban desde varios puntos del salón, se quitaba de encima a un hombre mayor que se le acercaba por detrás y la instaba a callarse en pos de una reunión al finalizar el acto. “Me dijo que era de la municipalidad; que me calle y no grite que ya estaban hablando con otras personas para poder solucionar el tema al final del acto”, definió.

Sin embargo, pasó algo muy distinto a aquella promesa. Cuando Ferraresi bajó del escenario, los chicos reiteraron su reclamo de una reunión. “Nos dijo que no riéndose y se fue --apuntó Vallerelli--. Ahí se desbandó todo. Me pegaron de atrás, me empujaron contra la puerta de salida del lugar. Se rompió el vidrio. Nos fuimos corriendo”.

Pero en la calle siguió la persecución. Dos personas se acercaron a los chicos y las chicas que se alejaban, con miedo. “Uno era (el secretario de Derechos Humanos municipal, Claudio) Yacoy y el otro nunca se presentó y no lo conocemos”, recordó el chico. De jogging, chomba blanca y con un bolso colgando del hombro, este hombre aparece en la filmación que realizó el estudiante, a quien le habló con tono amenazante, mientras lo empujaba cada vez más lejos del "Caruso": “¿Por qué no nos escuchamos bien? ¿Por qué no nos sentamos a hablar? Vos sabés que empecé las gestiones hace un mes. Pero así no sirve. Fijate con quién están peleando. Calmalos vos a tus compañeros. Vos sabés con qué gente podés hablar y con cuál no”. Por su parte, Yacoy les prometió a los estudiantes del IDAC que “antes de fin de semana” los citaría para una reunión con él y el director de Educación Artística municipal, Horacio Di Pace. “No sabemos nada, todavía”, remarcó Metzner.

Tras la “sugerencia” que el video muestra del hombre de jogging y remera blanca, una patota gana lugar en las imágenes, con clara intención de asegurarse de que los reclamos de los estudiantes de la escuela de arte municipal volvieran a ese edificio, lejos de las autoridades municipales por pura intención de ellas mismas. “Tomátela, tomátela”, amenaza un joven de entre la patota. “Vamos, vamos”, se escucha a alguna de las chicas pedirle a sus compañeros. “Después de eso, dos tipos que estaban al lado de Yacoy mientras nos prometía la reunión, nos siguieron diez cuadras”, denunció Metzner.

Link del video: http://www.youtube.com/watch?v=VX8F33ge28g

Una biblioteca itinerante para rescatar el valor social de la lectura.-

2011-12-21T12:34:00.000-03:00

Un grupo de artistas puso en marcha nuevos circuitos de promoción de la lectura con una camioneta equipada de libros. Rumbea a parques, ferias, escuelas, clubes y sociedades de fomento, con el objetivo de que los chicos se acerquen a las letras.

Por Nahuel Gómez

Fotografías de Federico Moscoso

Buenos Aires, diciembre 22 (Agencia NAN-2011).-El hecho de que exista la lejanía debería ser motivo suficiente para vivir moviéndose. Moverse es lo que hace este cronista al viajar desde La Matanza hasta San Fernando para concretar esta nota, pero también lo que busca La biblioneta para acercar a los más chicos a la literatura. Se trata de una biblioteca rodante que desde principios de diciembre pasado visita parques, ferias, escuelas, clubes y sociedades de fomento. ¿La idea? Estar en movimiento para quitarle la “modorra” a las bibliotecas --e indirectamente a sus potenciales lectores-- yendo a espacios a donde no siempre llegan, y también, para rescatar el valor social de la lectura.

El objetivo principal es que los chicos se acerquen a la literatura. Pero no sólo a través de la lectura, sino también con narraciones orales, ilustraciones, música y actuación. Es por esto que los que aportan combustible para encender este fierro cultural son un grupo artistas de distintas disciplinas, liderados por la actriz y narradora Majo Turner. La inspiración de Majo para crear este proyecto no surge de ninguna afición por los motores, ni de nada que se le parezca. La tracción a sangre fue la que impulsó sus neuronas desde el comienzo. Conoció la historia del profesor colombiano Luis Soriano, creador de La biblioburro, quien desde hace años recorre rutas y caminos intransitables de su país repartiendo libros a lomo de sus dos burros, Alfa y Beto. Si bien esta idea la sedujo, la creadora admite, bromeando entre risas, que eligió utilizar una camioneta porque “si iba por la ciudad en burro me tenían que internar”.

La hacedora del proyecto es acompañada por Alejandra Marroquín --también coequiper de Majo en el grupo de narradores Saltimboca--, el actor Nacho Salerno, la cantante y compositora Carina Schmidt, la fotógrafa Ailén Campagnolle –-hija de Majo-- y el escenógrafo y creador de las ilustraciones que adornan la camioneta, Esteban Siderakis. “La idea es ser pasadores de cultura a través de la música, de las canciones, de los libros, que cada uno con lo que hace intente hacer un pasaje a quien se acerque”, esboza Marroquín el espíritu de la propuesta.

La experiencia de los niños ante La biblioneta abarca más que la simple lectura. Lo que predomina en los espacios donde la camioneta estaciona es la familiarización con el libro, pero no solo por su contenido escrito. “Los más chicos llevan libros con textos que no saben leer y le piden a un adulto que se los lea, al que tienen al lado, a veces ni siquiera al que los acompaña. Y los más grandes se quedan mirando los libros por sus ilustraciones, hay libros con ilustraciones para chicos y grandes con las que te podés quedar horas mirándolas”, ensaya Turner y Marroquín completa: “A mí me parece que más allá de elegir tal o cual libro, lo que los chicos buscan es la escena de compartir el libro”.

Cuando se habla del aprendizaje que llevan los chicos hoy en día, se suele caer en la visión, muchas veces exagerada y carente de fundamento, de que la tecnología va en desmedro de los hábitos de lectura. Ante esto, Marroquín rescata que “hay algo que no se perdió, a pesar de la tecnología, que es la curiosidad que impone la biblioteca”. Agrega: “Se acercan chicos y grandes a ver que hay, la curiosidad no se perdió, por ahí no es tan habitual ir a una biblioteca, por eso está bueno sacar los libros a la calle”.

Lo que incentiva a que los curiosos se acerquen al vehículo es también todo lo que excede pero también integra a la literatura, como el espectáculo musical que se propone desde sus canciones folklóricas Carina Schmidt. “La música siempre reúne, siempre es un nexo y siempre genera curiosidad, sobre todo la música en vivo, encontrarse con el sonido primero y después con los libros suma un ingrediente importante desde el lado de la curiosidad”, esboza.

La intervención artística de la propia camioneta atrae tanto a grandes como a chicos. Las ilustraciones representan paisajes argentinos, se aprecian montañas, cataratas, ballenas, glaciares y mares. “Pareciera como que la camioneta ya viajó. Todos nos preguntan por donde anduvimos, cuando recién estamos empezando. La camioneta propone que ya viene viajando desde hace mucho y, en realidad, esto tiene que ver con nosotros, que venimos viajando juntos desde hace mucho”, destaca Turner.

Multiexposición a diez años del 19 y el 20 en Matienzo.-

2011-12-20T02:27:00.000-03:00

En el ciclo de jornadas que se realizan recordando el estallido de diciembre de 2001, el sábado pasado en el Club Cultural hubo dos obras del ciclo 15/20 y una charla abierta entre el director teatral Lisandro Rodríguez y el militante popular Pablo Solana.

Por Lola Kuperman

Fotografía de Natalia Fernández Acquier

Buenos Aires, diciembre 20 (Agencia NAN-2011).- El mutis, en teatro, se compone de un movimiento básico que exige el fin de la continuidad dramática. Puede ser, por ejemplo, que el actor o su interlocutor abandonen la escena, dejando que el silencio gane terreno para darle paso una sensación de quiebre, vacío o de falta. Pero no todo es tan lineal y puede ocurrir lo contrario en determinados contextos. Como sucedió en el Club Cultural Matienzo (Matienzo 2424), en el marco de la multiexposición por los diez años de los sucesos del 19 y el 20 de diciembre de 2001, donde el director teatral Lisandro Rodríguez terminó de entrevistar al militante popular, electricista y diagramador Pablo Solana, en una charla bien amena, cerveza de por medio. Habían hablado de Maximiliano Kosteki, Darío Santillán, la forma cooperativa como método de producción, la horizontalidad en la organización social y, claro, la fatídica jornada en el Puente Pueyrredón bajo luces que tenían la misma intensidad entre el público y el escenario. Al finalizar la entrevista, los dos protagonistas jamás estuvieron más lejos del mutis.

La conversación fue precedida y seguida por dos obras: la primera de Melina Marcow y la última de Claudio Mattos. Ambas formaron parte del ciclo 15/20 (15 directores sobre el 20 de diciembre) que durante el sábado 17 de diciembre envolvió a la terraza del Matienzo de un clima ideal para disfrutar de una noche de teatro. La pieza inaugural, de Marcow, construye su linealidad entre una puesta de cartón, medias blancas como títeres y una proyección donde los actores se integran a los espectadores. En cambio, la de Mattos utiliza una ácida ironía que coloca al espectador en la difícil encrucijada de no saber si reír o llorar. Una pareja en un restaurant y un mozo musicalizan una triste cena en la que los casados se disparan barrabasadas con un micrófono y una media sonrisa en los labios. “Dije que me importabas. No debí, fuiste un Papá Noel muy triste”, escupe ella y él se ríe hasta enojarse, como diez años atrás, cuando una parte de los argentinos salió a la calle al grito de “que se vayan todos”.

El relato de una micro sociedad, el pueblo de Los Olmos, es narrado en la obra de Melina Marcow. Tres formatos son el camino para llegar hasta la debacle total. Unas medias en manos humanas relatan con las voces, ya grabadas de los actores, las frutas aún inmaduras de los saqueos que viviría luego el pueblo. Inmediatamente, los interpretes, como despertaron los argentinos aquellos días, se paran frente a sus espectadores y cuando escuchan su voz por los altoparlantes, levantan la mano. Se hacen cargo, todos, de sus palabras, de sus voces, de su historia.

Por último, la obra de Marcow logra la catarsis en una proyección que va captando la atención de los participantes de la escena, quienes desinteresados miran sus peras y comen con un incierto equilibrio entre voracidad e indiferencia. Las imágenes, proyectadas por encima de sus cabezas, van elevando su tensión hasta que los actores no pueden ignorarlas más. Hay muerte, hay violencia, hay egoísmo y hay muestras de los sitios más oscuros que posee el ser humano. El teatro en el teatro, según la crítica Anne Ubersfeld, siempre dice la verdad. Una verdad que remite directamente a la represión policial, a sus 38 muertos y más de 400 heridos.

La noche finaliza con la fotografía de Fernando De La Rúa tomándose por el cuello, un plano cerrado, sin posibilidad de un mutis y menos de un respiro. Antes, Lisandro Rodríguez había mostrado la tapa del periódico Le Monde Diplomatique donde se leía: “Argentina 2001 - Europa 2011”. “Ese modelo lo miran desde allá y no lo pueden creer”, señala Solana, sopesando cada una de sus palabras e introduciendo las pausas escénicas que irrumpen en la mente de los oyentes. Él, militante del movimiento de Trabajadores y Desocupados de Lanús y del Frente Popular Darío Santillán, repasa su experiencia una década después frente a un público que asiente ante la propuesta de “lo que somos en chiquito, en corporaciones, se puede hacer a grande escala en sociedad”.

La conversación finaliza con una canción a cargo de la guitarra y voz de Rodríguez. Él sostiene que es “al azar”, sin embargo "Cantata de Puentes Amarillos" es impresionantemente adecuada. “Aunque me fuercen yo nunca voy a decir que todo tiempo por pasado fue mejor, mañana es mejor”, canta Rodríguez y a los espectadores se nos pone la piel de gallina. La música da por terminada la entrevista, pero ningún interlocutor se mueve. Nadie quiere irse de la escena, ni para el caso, de la terraza. A diez años del 2001, ningún mutis es necesario.

*Hoy, a partir de las 18 horas, comienza la Jornada Interdisciplinaria del estallido de la crisis argentina, en Club Cultural Matienzo, Matienzo 2424, Ciudad de Buenos Aires.

Libros: “Vencidos” (Melody Geraldine, 2011).-

2011-12-19T01:10:00.002-03:00

Estructurado en una serie de doce relatos breves, Vencidos explora un inframundo de personajes frustrados, en donde la soledad, el vacío, o la lisa y llana imposibilidad de ser se encuentran a la orden del día.

Por Nicolás Alonso

Buenos Aires, diciembre 19 (Agencia NAN-2011).- “Ni aquí en la tierra de los vencidos donde el destino es el único destino y la vida llega marcada desde otro tiempo. Y la libertad no existe.” Será duro después de la contundencia de esta oración intentar siquiera explicar de qué va el universo de Vencidos (Editorial El Reino, 2011) el primer libro de la novel escritora Melody Geraldine. Estructurado en una serie de doce relatos breves, en ningún caso de más de dos o tres páginas, Vencidos explora ese inframundo de personajes frustrados, en donde la soledad, el vacío o la lisa y llana imposibilidad de ser se encuentran a la orden del día.

Si bien cada uno de estos doce apartados guarda cierta autonomía en entre sí y posee independencia, es indudable la comunicación y unidad que los permea y los vuelve un cosmos unificado. La soledad, la aislación y la imposibilidad de sostener la lucha por vivir; esa experiencia de saberse vencidos, de experimentar el puro vencimiento serán las constantes que darán una indudable sustancia y unidad a estos relatos.

Otra de las claves que sostiene la unidad del libro es, sin dudas, la particular prosa de Geraldine, que marca a fuego cada verso. Desde una perspectiva un tanto posmoderna se podría leer la prosa de Geraldine en clave románica, de cierta pompa inusual en el mundillo literario contemporáneo. La densidad en cada oración y, de a ratos, una excesiva búsqueda poética hacen dificultosa la dinámica de la lectura. Oscurece el potencial de personajes que se muestran de por sí bastante sólidos. Historia de desencuentros entre amantes necesitados, de mujeres atrapadas en su cotidianeidad, de mandatos aplastantes, herencias y mochilas de generaciones que conforman un mundo de imposibilidades y de resignaciones (“siempre tuvo que llorar sola, sin nadie que la consolara. Sola en su cuarto, escondida, donde ahora, una vez más, suena sola en el silencio”).

Vencidos recuerda aquella anécdota a la que Borges solía volver acerca de sus primeros escritos. Según cuenta, el padre le aconsejaba que no se apurase a editar, le recomendaba que se tome el tiempo necesario para que los textos maceren, maduren, con la paciencia y el esmero de quién se sabe por el camino correcto. Ese texto que el padre de Borges aconsejaba no apurar era la joya que más tarde se titularía Fervor de Buenos Aires. Evidentemente la paciencia fue recompensada. El problema es que ésa no es tarea fácil para un escritor, principalmente si se trata de uno joven e inédito y que encima no tiene (como el común de los mortales) la suerte de ser Borges. La urgencia, las ganas, el empuje, la pasión, esas nobles virtudes que suelen caracterizar a la juventud puede, a veces, ser vehemencia y convertirse en un problema si no se las sabe identificar y encausar a tiempo.

Con un poco de ciencia ficción se podría arriesgar la siguiente hipótesis: Vencidos podría ser un mejor libro si se le hubiera dado tiempo. Esto implica una vaga mirada según la cual a estos relatos les falta algo. Un algo que, podría suponerse, es aquél oxigeno regenerador que otorga el tiempo, el trabajo y la paciencia. Y más aun si pensamos en la narrativa y su imperante necesidad de depuración, de trabajo por capas sucesivas e inagotables que se van sacando hasta dar con el núcleo, con la identidad.

La otredad como construcción de clase.-

2011-12-16T12:48:00.002-03:00

En Los otros..., la autora relata el enfrentamiento entre vecinos separados por un muro real y otro imaginario, plagado de prejuicios sociales, que divide a los tienen algo y de los que no tienen nada. Desde un afuera, con certera honestidad de clase, se inmiscuye en terrenos fértiles para reflejar la precariedad y el desencanto que se transforman, muchas veces, en violencia social.

Por Natalia Arenas
Fotografía Iara Lag

Buenos Aires, diciembre 16 (Agencia NAN-2011).- Josefina Licitra, periodista y escritora, pide disculpas por los 10 minutos de retraso y, después de prestarse a una breve sesión de fotos por las angostas veredas linderas a Puerto Madero, propone un bar porteñísimo para sentarse a charlar. Los otros. Una historia del conurbano bonaerense es su segundo libro. Para contar una historia del conurbano bonaerense probó con diversos barrios y temáticas varias, hasta que -gentileza de Policías en Acción- dio con la adecuada. Una historia que parte de un asesinato, allá por 2009, y que tiene como escenario un barrio de Lanús. O dos. O un barrio y un asentamiento. O un mismo barrio separado por un muro de hormigón: de un lado, los "tanos"; del otro, los "negros". Ambos calificativos fueron inventiva pura y exclusiva de los otros: para los habitantes de Villa Giardino, los del otro lado son los "negros". Para los del asentamiento “Acuba”, los vecinos amurados son los "tanos". Para ellos , los de al lado son Los Otros. Y ya.

La otredad como concepto abstracto, pero también como figura ineludible, sobrevuela de manera constante la escritura genuinamente descriptiva y por momentos cruda e irritante de la autora de Los Imprudentes (2007, Tusquets). Ella misma es un otro para sus entrevistados, aún con las zapatillas embarradas de recorrer los pasillos de una villa o cruzar ese puente mortal en La Salada. Y lo sabe. Y lo demuestra, sin vueltas. Sin prejuicios de sus prejuicios.

--Antes de la investigación, ¿cuál era tu visión del Conurbano?

--No era un tema sobre el que yo pensara demasiado. No tenía una idea formada porque nunca me detuve a pensar en el Conurbano. Mi aproximación estaba más relacionada a la infancia. Soy platense y viajaba todas las semanas con mi abuela en el ferrocarril Roca hacia La Plata. Entonces, el Conurbano era todo lo que iba pasando por la ventanilla del tren. Allí tomé algún registro de que había una temporalidad distinta: las casas eran más bajas, el sol pegaba distinto, las cosas iban a un ritmo que, para mí, era bastante ajeno al ritmo del lugar donde yo vivía. Pero, más allá de ese tramo de mi infancia, no tuve ningún otro contacto con el Conurbano.

--¿Por qué elegís esta historia para describirlo? ¿Qué fue lo que te llamó la atención?

--Había algo del primer cordón del Conurbano que a mí me parecía interesante, una idea de la precarización. Tanto en la zona sur como en la zona oeste, muchísima gente había llegado hasta ahí con una idea de progreso, montada en la cercanía con la Ciudad de Buenos Aires, y eso fue el origen de un gran desencanto. Si bien es cierto que el cordón está, según la zona, a 10, 15 o 20 minutos de la capital, la distancia se termina midiendo de otro modo, nunca esa cercanía es real, nunca es tan fácil como uno cree insertarse productivamente en la dinámica que supone una gran ciudad. El desencanto que genera no poder entrar en una lógica de progreso me parecía que era como bastante notorio en este primer cordón, donde se juega esto de estar tan cerca y tan lejos a la vez.

--¿Cómo se refleja esa paradoja en la historia de Los Otros?

--Esta historia habla de cómo miles de familias fueron llegando en distintos momentos: en el caso de los "tanos", en la posguerra, en tiempos de Perón, fines de los ’40; y en el caso de los "negros" fueron llegando en épocas del menemismo. Ambos pensaron que iban a poder trabajar en la Ciudad, pero luego vieron que no era posible. Y eso termina transformándose –que es lo que a mi me interesaba trabajar- en una especie de bronca hacia nada en especial, que uno tiene que canalizar. Cuando vos no tenés a quien culpar porque el Estado es como un ente abstracto, necesitás encontrar a alguien con quien agarrarte a piñas, alguien tiene que ser responsable por lo que a vos te pasa. Es algo que se da en varias zonas del Conurbano, pero también pasó en el Parque Indoamericano… Hay algo de desencanto que se transforma en violencia social y en pelea entre pobres. Esa es la historia que quería contar, no sé si como el símbolo del conurbano, pero sentía un estado de violencia latente, una insistencia en equivocar el enemigo, de la que esta historia me permitía hablar.

--Vos decís que no es un reflejo y, sin embargo, hay una serie de realidades que circulan por tu historia (la falta de cloacas, la contaminación del Riachuelo, los punteros, la feria de La Salada y hasta la identidad) que coinciden con lo que podría ser un reflejo de la Argentina toda.

--Sí, claro, es un reflejo de precarización en general. Cuando yo digo que no es el único reflejo, quiero decir que hay miles de cosas para contar del Conurbano, pero había algo de una precarización social que estaba muy resumida en la historia que cuento. Más allá de que algunas situaciones se repitan en todo el país, en el Conurbano la densidad poblacional es altísima, justamente porque vienen de todos lados, del interior, de países limítrofes, pensando que les va a ir bien, y se ensartan y se quedan ahí. La densidad de la zona hace que todo emerja de una manera más elocuente.

--¿Por qué elegiste contarlo en primera persona?

--Por un lado, me pareció que funcionaba bien una idea de periodista extranjero en un territorio. Finalmente, esto es un viaje –en tanto uno se acerca a un territorio no conocido- y me parecía que eso no podía ser contado desde otro lado que no fuera la primera persona. También porque estoy cada vez más convencida de que uno tiene que explicar de alguna manera desde qué lugar de clase, desde qué prejuicios, desde qué biografía y subjetividad aborda los temas.Los periodistas no somos perfectos, parece una estupidez, pero muchas veces el periodismo se presenta como una instancia perfecta que evalúa las imperfecciones del mundo. La verdad es que el periodismo está hecho por personas que se equivocan, que tienen prejuicios, que nacieron en una casa determinada, con una familia determinada, con un nivel económico determinado, con una educación determinada, cosas que marcan la forma en que piensan y construyen sus relatos.

--Hay una frase que aparece en mitad del libro: “Soy una mujer de clase media, haciendo un libro sobre pobres”. Esa frase refleja la línea editorial del libro. ¿Coincidís con esto?

--Creo que dije algo que se tendría que haber dicho en muchos otros casos. Todos los periodistas que nos dedicamos a problemáticas sociales somos periodistas de clase media escribiendo historias sobre pobres. En este caso en particular, igual, era un punto de tensión dramática. Intenté recrear algo que me pasó cruzando un puente en la feria de La Salada, si bien no lo pensé con esas palabras, estuvo esa cosa de decir: “¿Qué mierda hago acá, si yo puedo estar en mi casa, con mi familia?”. Y, después, pensando en cómo había sido esa sensación, esa frase me permitió, por un lado, estructurar esa situación de desesperación, y por otro lado, publicar sin eufemismos y sin ningún tipo de corrección política mi lugar de clase. Porque, finalmente, yo terminaba de hacer ese trabajo, me iba a mi casa, me ponía mi televisión de pantalla plana y después me iba a dormir. Y esto me parece que tiene que aparecer en algún lado, insisto, muchos periodistas hacen esto: laburás, te comprometés, te angustiás, esperás que todo se solucione, pero después volvés a tu casa y estás re cómoda y esta gente sigue ahí. Y cuando llueve, yo estoy seca en mi casa y esta gente sigue ahí. Entonces, me pareció como un punto de honestidad, quizás medio brutal, de marcar la diferencia, de decir: yo después de todo este desastre me vuelvo a mi lugar de clase, esto va a seguir todo igual. Tal vez no lo dije de una manera amable.

--El final del libro es algo abrupto, no hay conclusiones de tu parte. ¿Desde un principio lo pensaste así?

--Creo que -y de esto me di cuenta después- hay dos relatos y por eso un final así es necesario. Uno, es el más evidente: el problema de los barrios, el asesinato, el culpable, etcétera. Y el otro tiene que ver con el relato de la primera persona y con la formulación de varios interrogantes: ¿cómo una persona puede construir una verdad personal en base a verdades opuestas? ¿Cómo hace un periodista o cualquier persona para decir ‘lo que paso es esto’? ¿Cómo se construyen las verdades? ¿Cómo hace el periodismo para decir esto es lo verdadero?. Y en ese sentido, me pareció lógico cerrar el libro con una verdad jurídica que es, finalmente, lo que se considera la verdad en el mundo: la verdad del Estado. Y aún así puede fallar. El final tiene que ver con que las verdades más objetivas están hechas por personas y está la posibilidad del error, lo que te deja en una situación de desamparo, a la deriva, sujeto a lo que piensan las personas y no el Estado, ¿no? Fue un cierre funcional, en tanto búsqueda de la verdad.

--¿Fue difícil elegir el título?

--No, salió bastante pronto. En realidad, en la editorial querían otro título. Me pareció que estaba bien esta idea de que para cada parte el otro es la amenaza. Y después también hubo otro tipo de construcciones, como que para mi ellos son los otros…

--Y para ellos, vos también lo sos…

--Exacto, todos nos construimos en base a otredades, siempre es uno versus todo lo demás, siempre. Los "tanos" piensan todo tipo de barbaridades de los "negros": que de dónde sacan sus lozas, de donde tienen todo lo que tienen, cuando, evidentemente, nunca entraron a "Acuba" porque ahí no hay ni una sola construcción en buenas condiciones. Y, del otro lado, también hay una idea de opulencia de los "tanos", de por qué nosotros no podemos tener lo que tienen ellos… y no tienen registro de que los "tanos" están en la lona. Uno va construyendo, cuando no conoce, una imaginación muy frondosa. Y esto trae consecuencias políticas y sociales nunca inocuas porque estos mitos que se van armando, finalmente, alimentan la violencia.

Polentaitum: el origen negro del tango adaptado a los tiempos modernos

2011-12-14T12:13:00.000-03:00

El sexteto que se conformó hace ocho con el objetivo de interpretar milongas cuyas letras fueran desconocidas, hoy también se le anima al tango, aunque de una forma muy particular: dentro de la formación predominan los parches, instrumentos inusuales para el ritmo del 2x4.

Por Laura Cabrera

Fotografía gentileza de Polentaitum

¿Dónde estás carnaval porteño y de Buenos Aires?
Te cerraron las calles, te impidieron cantar.
Vamos hoy carnaval, porteño y de Buenos Aires,
De los barrios las murgas comienzan a despertar.
Carnaval porteño (Polentaitum)

Buenos Aires, diciembre 14 (Agencia NAN-2011).- Era necesario que el tango y la milonga volvieran a las calles. La pregunta era el cómo, ya que en su forma clásica, los estilos parecen permanecer, casi como un homenaje a los que alguna vez hicieron de esos ritmos los más populares, esos que se bailaron en los clubes en la época en donde el carnaval se vivía en los barrios. Durante la última dictadura militar, el festival del pueblo dejó de brillar y con él la conjunción en un mismo espacio para la murga, el candombe argentino, el tango y la milonga.

Esa pregunta, y esa parte de la historia, motivaron a German Pontoriero (cantante, guitarrista, bajista y percusionista de la banda) a crear Polentaitum, junto a Diego Cueto y Alberto Corbani en percusión, Sergio Moldes en flauta traversa y saxo soprano y Vanesa Turon en el piano. Ya formados, comenzaron a investigar en el repertorio folklórico rioplatense aquellas milongas cuyas melodías rara vez dejaban lugar para que se luzca la letra. ¿Cuál fue la idea? Retomar esos temas, cantarlos e interpretarlos instrumentalmente con una base en donde los parches predominaran.

“No se trata solo de hacer temas clásicos, también tenemos temas propios porque en realidad el concepto de Polentaitum tiene que ver con recuperar las raíces negras del tango, sus células rítmicas primarias”, explica Pontoriero a Agencia NAN, para dejar en claro que todo ese caudal musical del pasado también debe ser utilizado para crear nuevos aires dentro del género, sin temer a la inclusión de instrumentos que no tengan relación con los que se utilizaron históricamente.

En escena, Polentaitum es una fiesta: una glosista deja asomar entre el público el aire de carnaval, mientras que los músicos se preparan y algunos bailarines dan los primeros pasos. Y es ése el objetivo, “que el que está abajo del escenario no sea un simple espectador de lo que sucede arriba”. Con esa consigna, los tambores empiezan a tocar, reviviendo temas de grandes compositores como Manzi, Discepolo y Castillo, incluidos en sus dos trabajos discográficos: Milongas negras y Milongas de la Ribera.

Para el cantante y fundador de agrupación, la vuelta de los feriados de carnaval representa la vuelta al punto de encuentro entre los vecinos, las familias y los amigos y además es una oportunidad más para rescatar todo ese repertorio perdido durante décadas. A pesar de ser algo positivo, entiende que la población ya lo adoptó como tradición pero que no sucede lo mismo con los músicos. “Todavía falta que más músicos se adapten a los carnavales, falta una apertura para abordar el género porque en el baile de carnaval se juntaban muchas expresiones, el tango, el rock, el jazz y las orquestas típicas. Pero creo que va a ser la misma gente la que pida al músico que responda a esta necesidad de volver a un lugar común a todos los estilos”, destacó Pontoriero, quien entiende que será cuestión de tiempo para volver a adaptarse a la tradicional fiesta del pueblo.

Parte del trabajo que realiza la banda para revivir temas clásicos tiene que ver con la importancia de utilizarlos para darles otra forma, de manera que son utilizados como fuente de inspiración. A pesar de que para las generaciones actuales hablar de un tambor para tocar tango resulta extraño, Pontoriero asegura que lo que hacen es algo que ya sucedía en los años ’20 y que con el pasar del tiempo perdió vigencia. Por ese motivo, lo retomaron y renovaron, tal como sucede casi en forma cíclica.

Esto ya pasó en otras épocas, en algún momento el tango de los años ’30 se redefinió, se agregaron instrumentos, se suprimieron otros. “La música cambia y los músicos no tienen que tenerle miedo a ese cambio”, sentencia el cantante, cuya firme creencia se basa en que lo nuevo tiene que pasar por un nuevo concepto del género y por asumir el riesgo de no quedarse en el folklore tal como está, sin agregar nuevos instrumentos, por más desencajados que parezcan cuando se los escucha por primera vez.

Si bien Pontoriero considera importante que existan orquestas clásicas de tango que reivindiquen lo tradicional, le resulta fundamental que de a poco los músicos se vayan animando a no quedarse en lo que ya está hecho y comenzar a crear sobre esas bases. “Ya lo hizo Piazzolla en los ’70 cuando utilizó un sintetizador y el resto de los pianistas se quisieron pegar un tiro. Pero esa importante evolución llevó aparejada una involución en la que se volvió al estilo de los años ’30. Hoy veo que sucede algo similar y no me agrada, de esa forma no se busca la apertura. Lo primero que hay que hacer es abrir el juego, probar, después se verá si cuadra o no cuadra, si te gusta o no”, concluye el músico.

Pablo Dacal en Ultra.-

2011-12-13T13:08:00.002-03:00

Sobre ese escenario porteño, uno de los exponentes de la nueva canción local repasa –algo que hace sin cesar— las melodías que la componen y los versos con los que la hace hablar. Por momentos solo, por otros acompañado de músicos de tendales de historia, como Fito Páez o Andrés Calamaro, tutores por elección propia, ubica un nuevo ladrillo en la estructura de su identidad artística.

Por Sergio Sánchez

Fotografía gentileza de Pablo Abarca

Buenos Aires, diciembre 13 (Agencia NAN-2011).- “¿Qué es lo que está sonando?” es la pregunta que se hace Pablo Dacal. Y Fito Páez le responde, en esa misma canción: “Tendrás que aprender a construir la melodía que hable de vos”. Y en ése camino se encuentra Dacal –y otros cancionistas de su generación-: en busca de una canción genuina, contemporánea, popular y latinoamericana. Esa esencia es la que guarda su nuevo disco, El progreso, el primero como solista luego de haber sacado dos junto a la Orquesta de Salón, Los Viajantes y otras experiencias musicales. En esta nueva etapa, el músico regresa al sonido eléctrico con una actitud revisionista pero con la mirada puesta en una nueva canción. Y eso fue lo que demostró el viernes en Ultra (San Martín 678), escoltado por Nathalia Cabrera (bajo, voz), Marcelo Ezquiaga (teclado, voz), Fernando Pereyra (guitarra eléctrica) y Andy Ravioli (batería).

La canción de Dacal –su forma de cantar y componer-, por momentos, evidencia influencias de cantautores populares como Fito Páez y Andrés Calamaro y a la vez explora en los folklores de Atahualpa Yupanqui y Ramón Ayala –de quien grabó “El cosechero” junto a la Orquesta-. Al igual que ellos, su canción es decisiva y obstinada. Aunque, claro, lo inquietan cuestiones coherentes con su tiempo y lugar. Casi en la mitad del show, salió solo con su guitarra y tocó una canción inédita y urgente: una suerte de “Marcha de la bronca” (Pedro y Pablo) pero del siglo XXI. “Más allá del bien y del mal” (http://www.youtube.com/watch?v=qtl-Nizr21s), que no quedó registrada en el disco pero que toca en las presentaciones, dice: “Profundamente soy superficial / no escondo nada aquí ni allá / independiente me voy a volver / y de mí mismo quiero depender / Los tentadores vienen llegando / más allá del bien y del mal esto tiene que cambiar". La canción critica al mercado de la música y rescata la autogestión como el bastión político que une a los nuevos cancionistas.

Pero los acordes no se encendieron con “Más allá…”: la lista abrió con “Balada para un hombre alto” y “Lo que está sonando”. En esta última, Páez suma su inconfundible voz en el disco. Sin duda, el autor de “Ciudad de pobres corazones” siente afinidad por esta generación de músicos y lo demuestra grabando con ellos e invitándolos a sus conciertos. Por ejemplo, participó en discos de Lisandro Aristimuño y Onda Vaga y a ambos los invitó a subir al escenario en el ciclo Fito al piano que hizo en octubre en el Gran Rex. Luego, el teclado de Ezquiaga marcó la intro de la existencialista “Intenso momento creativo” (“¿Quién oirá lo que cantamos hoy?”, se pregunta). Todo se puso más calmo con “Mi voz”. Frente a la banda, un auditorio atento escuchó las canciones.

En el segundo segmento del show, Dacal revisó su costado más rockero -musicalmente hablando- e invitó al público a pararse y bailar. Como la cosa venía en un clima intimista y tranquilo, se bajó del escenario y entre humoradas hizo levantar de sus asientos a unos cuantos. Entonces, la banda mostró su energía eléctrica con temas como “Canción de hoy”, “Hablarte a vos” y “La guitarra y el bolsón”. Antes pasaron “Zamba del fin del mundo”, “El gaucho vive y muere en su ley” (una oda criolla al “payador perseguido”, a dúo con Ezquiaga), “Nazarena” (en el disco se luce con participación de Palo Pandolfo) y “Todo o nada”. Entra la nostalgia y la sátira mordaz, el compositor hace de sus canciones un grito. “Si te molesta este tono fatal / o te incomoda que hable sin dudar / Mi garantía es la juventud”, fundamenta en “Más allá…”.

Un aspecto novedoso de la nueva escena es que en los shows en vivo se respira cierta horizontalidad entre artista y público, contrapuesta a la lógica mercantil fan-estrella de rock. Eso no significa que lo que sucede abajo sea igual (o más importante, como también pasó con cierta escena del rock) a lo que sucede arriba, sino que el público completa el diálogo y le da sentido a la obra. Para autores como Gabo Ferro, el show en vivo es fundamental, incluso más importante que el registro auditivo. En ésa sintonía cerró el show Dacal: el músico empezó a cantar “Desorientado” (con letra de su esposa, la poeta Tálata Rodríguez) y la terminó, sin micrófono, en medio del público. No hubo histerias ni sorpresas. Hubo un hecho musical genuino.

Sitio: http://www.myspace.com/salonerias

Discos: “Mugre” (Acorazado Potemkin, 2011).-

2011-12-12T11:11:00.000-03:00

La banda, un trío notable de músicos, lanzó uno de los álbumes más destacados del año en todos sus aspectos. Sus 14 canciones son composiciones conmovedoras, con forma de rock punk, enquistadas de poesía moderna.

Por Luis Paz

Buenos Aires, diciembre 12 (Agencia NAN-2011).- Cada vez que publican un disco, o una serie de canciones en cualquier formato y bajo el concepto que sea, los músicos enfrentan uno de los problemas más desapercibidos del Arte: ¿cuánto silencio, en segundos, poner entre el final de una canción y el comienzo de la siguiente? La respuesta común al intríngulis es darles a todas la misma separación, en el marco de un estándar que propone entre dos segundos y tres. Algunas bandas, no obstante, solucionan el inconveniente de un modo creativo: una de ellas es Acorazado Potemkin, un trío muy notable que en 2011 publicó un disco gratuito que está entre los más destacados del año en todos sus aspectos. En Mugre hay espaciados variables: algunos pueden recurrir a aquel estándar y otros sextuplicarlo, como ocurre al final de la apertura “Algo”. Así, Acorazado Potemkin le da un papel al silencio en su arte, acumulándole un minuto y medio entre estos 44 de alto rock. Y eso que inclusive se cagan en ese silencio, como Tonino Carotone en el amor, entre “Caracol” y “Quiero”.

Acorazado Potemkin es un trío de menos de dos almanaques integrado por el guitarrista y cantante Juan Pablo Fernández, ex Pequeña Orquesta Reincidentes; Federico Ghazarossian, bajista de Los Visitantes, Don Cornelio y La Zona y Me Darás Mil Hijos; y Luciano Esaín, baterista de Valle de Muñecas, Motorama y el proyecto de Flopa Manza Minimal. Los tres son músicos con un nivel interpretativo solvente y un pulso lúdico refrescante. Los primeros dos, además, son compositores de las canciones. El tercero, corista. Los tres, instrumentistas notables con una capacidad que ya le habían aportado a sus proyectos anteriores, pero que aquí se manifiesta en la composición de unas canciones conmovedoras con forma de rock urgentemente punk y enquistadas de poesía moderna.

Esto último se manifiesta, también como aquello primero, sobre el final de dos temas específicos, “La mitad” y “Los muertos”, que cortan tan en seco (sin que nada quede sonando) como los hechos que narran: el final de cierto tipo saludable de relación agonizante y la muerte. “Si es cierto que lo nuestro se termina, y si es cierto hay que hacerle un final, entonces quiero que te lleves mi hombro izquierdo, que sin tu pelo no lo voy a usar jamás”, se le oye a Fernández en el primer tema, con los invitados Flopa Lestani y Juan Ravioli armonizando con sus coros y teclados, según el caso. “Todos tienen algo que envidiarle a los muertos: no hacen colas ni se apuran y la plata no la usan; como no hablan, nunca mienten, ni se van a equivocar”, se confirma en el otro. Aquí hay grandes canciones.

Ya la primera, “Algo”, regala una cita para tatuajes: “En algo vos y yo nos parecemos, andamos buscando revancha”. El verso resume la alegre terquedad de los corazones y comprime el espíritu de una canción redentora. La segunda, “Desert”, pasa revista brillantemente por un ecosistema de conceptos modernos (la explotación, la televisión, la publicación de contenidos) e inmortales (los sueños, la empatía o el empate, y el color) con una estrofa que, si todo fuera más sensato, debería inscribirse ya mismo en el Himno Nacional: “Una noche prendí fuerte la televisión, así nadie preguntaba nada. Y la pantalla atrajo mil insectos voladores de todas clases y se armó un pequeño caos. Y alguien escribió que eso era una rebelión, lo publicó y luego me premió; y ahora beca me regala el doberman que dice: 'No hay más nosotros'. Y yo, siempre en la puerta”.

En “La carbonera” aportan una alta épica barrial y rutera, pero no sobre los ejes simbólicos del rock rutero o del rock barrial, sino sobre la simbiosis de los barrios cercanos a las colectoras. En “Desayuno”, la convivencia eventual puede parecer eterna. En “Gloria”, otro pasaje iluminado: “La gloria fue esa prostituta que me dio su nombre verdadero”. “Quiero” es pura inquietud. “Perrito”, pura ternura y metáfora. Y “Unos versos”, toda entrega. Es algo muy bueno y útil que Acorazado Potemkin haya puesto esos silencios más extensos que lo que indica la normativa, porque la pausa es precisa al acabar cada una de estas canciones severas, más por la importancia de lo que dicen que por una actitud aleccionadora. Claro, el soliloquio emocional también precisa de tener su respiro.

Además que por el lenguaje utilizado y el formato de canción, más allá de la ingeniería punk y los arreglos de calidad, las canciones de Mugre son bien accesibles porque están disponibles, todas y enteras, para su escucha en internet. Es más, Mugre está ofrecido para su descarga gratuitamente en el sitio web de Acorazado Potemkin, y es todo un gesto que uno de los más memorables discos de factura artesanal de este año sea, además de excelente, una obra democráticamente gratuita: en todo caso, aquel que no tenga internet puede hacerse de él por el precio de una hora de cyber y un CD-R.

*Acorazado Potemkin toca el domingo 17 de diciembre a las 21.30 en el anfiteatro del Parque Centenario, gratis en el marco del festival Conectar, de Estudio Urbano, en el que desde las 16.30 actuarán la ganadora del concurso Bandas Al Aire, La Taza Calva, Nunca Taxi, Rashplan, Globo e Hyperknox.

*Mugre puede descargarse gratuitamente desde Acorazadopotemkin.com.ar
También podés escuchar algunas de sus canciones en http://www.myspace.com/acorazadopotemkin

La Runfla: "El teatro callejero desmitifica al actor, pero también lo agiganta"

2011-12-09T10:45:00.001-03:00

En el contacto cotidiano con la gente, en la calle, en una vereda o en cualquier plaza, el colectivo de artistas surgido en 1991 intenta mantener vivas las raíces desde donde brotaron los movimientos más puros del teatro: el espacio público. En un hecho militante y una disputa permanente de ese espacio, a la vez, los artistas rescatan a los transeúntes y los transforman en partícipes de una historia, una situación para llevarles una idea, un mensaje. En una entrevista con Agencia NAN, Héctor Alvarellos, explica las posibilidades actuales de ese arte que tiene sus propios códigos, actractivos y singularidades, en un escenario siempre cambiante.

Por Soledad Arréguez Manozzo

Fotografía gentileza de La Runfla

Buenos Aires, diciembre 9 (Agencia NAN-2011).- Entre los baches y los bocinazos, en medio de las veredas rotas y los transeúntes anónimos, también se cuentan historias. En la calle, en el encuentro diario con la comunidad, el teatro callejero toma su capacidad lúdica y transformadora del espacio. “Esta propuesta tiene una estética y una ideología detrás. El teatro en sí mismo es un hecho militante, el espacio público está en permanente disputa”, asegura Héctor Alvarellos, director del grupo de teatro callejero La Runfla. Este colectivo hace espectáculos en espacios abiertos desde 1991, con el propósito de atrapar al caminante desprevenido, para convertirlo en espectador y luego en partícipe de sus historias. Hoy, 20 años después, el grupo sigue creciendo, ganando la calle, un espacio que se vuelve fantasía, a pesar de las rejas de la ciudad.

La definición de runfla -en lunfardo: “gente de una misma especie unida por un objetivo común”- dibuja apenas el ideario del grupo, integrado por Gabriela Alonso, Fernanda Sancinetto, Javier Giménez, Victoria Egea, Estela Rocha, Osvaldo Rocha y Alvarellos. Todos ellos investigan, producen y promueven el teatro en lugares públicos en defensa de ese espacio, que fue restringido a los artistas durante las dictaduras. Disfrutan de actuar, para todos, en la calle que muta de un momento a otro. El ruido y las interferencias de la cotidianeidad de las urbes provocan que resulte impensado para muchos actuar. “El teatro callejero se instala ahí y genera un cuento. Todo eso es una estética y para lograrlo hay que emplear una técnica. El actor tiene que estar preparado especialmente para desarrollarse en ese espacio”, explica Alvarellos. A pesar de los condicionamientos del espacio abierto, la disciplina crece año tras año. Así quedó plasmado en el sexto Encuentro de Teatro Callejero que se realizó este año con el fin de compartir experiencias entre grupos de diferentes orígenes.

En diálogo con Agencia NAN, Alvarellos repasa los inicios de La Runfla --a partir de la unión de dos grupos pioneros La Obra y El Encuentro--, la militancia de los artistas callejeros, y las metas alcanzadas como la formación de actores en la Escuela Metropolitana de Arte Dramático (EMAD).

-Las dictaduras no fueron proclives a las manifestaciones artísticas en la calle. ¿Cómo fueron las primeras experiencias de volver al espacio público tras esos años de plomo?

-Se volvió con mucha euforia, había mucha necesidad. Si bien la dictadura estaba en retirada, en el ‘83 todavía existía esa cuestión de inseguridad que uno percibía. Durante la dictadura, no se podía hacer nada en el espacio público, todo era sospechado y sospechoso. Costó mucho sacarlo a nivel orgánico: ver un camión de ejército genera una situación de stress en el cuerpo, militaras o no militaras. Hay mucha gente que piensa que hoy con mayor reja se soluciona la inseguridad. Esa es la paz de los cementerios, la calle no se controla con mayor represión sino con contacto con la gente, con mayor vecindad.

-Hoy la calle parece plantear otros desafíos...

-En los 90, la calle se va deshabitando, aparece la reja, a nivel público y privado, empiezan los temas de inseguridad. Los medios de comunicación generan ese miedo de que en cada esquina hay un chorro. Nosotros hicimos “Drácula, una metáfora” a los dos de la mañana en Parque Avellaneda, que no está enrejado y tiene la misma problemática más o menos que otro parque de la ciudad, y asistieron 400 personas.

-Miles de personas caminan por las calles de la ciudad siempre enfocados en sus pensamientos, ¿cómo se hace para captar su atención?

-Hay que rescatar al transeúnte, transformarlo en espectador y a veces en partícipe de la situación. Una vez que el espectador está captado, se va cuando quiere. Así es el espacio abierto. Es libre, nada está acondicionado. Siempre hay que dejar algo para que el espectador reflexione, para que se lleve algo. En la calle, nunca sabés porque entra o se va una persona, a veces está apurado, pasó accidentalmente, lo esperaba alguien o quería ir a la baño.

-Con todas estas posibilidades que brinda el espacio público, ¿qué modificación produce el entorno en el artista?

-Cada espacio brinda una estética diferente. Sabemos que el nivel de la interferencia de la vida y de la comunicación es muy grande: sabemos que eso hay que reemplazarlo técnicamente ya sea de forma auditiva o visual a partir de lo que uno quiere contar y en qué lugar lo quiere hacer. El actor para actuar en ese espacio tiene que prepararse: alguien acostumbrado a actuar en una sala, de pronto sale a la calle y se encuentra con un montón de imposibilidades y no sabe qué hacer.

-Entonces, se puede hablar de otra concepción del artista sobre su trabajo.

-El teatro callejero desmitifica al actor, pero también lo agiganta, porque lo pone en el espacio más puro de su origen ya que el teatro nació con en el espacio abierto. Esta propuesta tiene una estética y una ideología detrás. Hay actores que han elegido hacer teatro callejero cuando no te ofrece nada: nunca te van a pedir un autógrafo, jamás te van a decir cuánto querés cobrar, nunca vas a salir en la tele y raramente tendrás una crítica. Sin embargo, tenés otras cosas: nunca te falta público, ellos se quedan porque descubrieron algo y cuando termina la función el público está de igual a igual, salís a saludar con la ropa del último personaje que hiciste, y cuando desarmas ese espacio, y es atravesado por un pibe con una bicicleta, ese espacio vuelve a ser el mismo. Todo eso que fue magia, vuelve a su lugar. Es la violencia de su representación, violentamente desaparece y vuelve a ser igual que antes.

-¿Hay una militancia del actor callejero para dar determinado mensaje a la sociedad?

-Nosotros no ponemos el mensaje delante del hecho artístico sino que surge naturalmente por la elección de lo que hacemos. Entendemos que el teatro cuenta mucho de las historias de los pueblos, pero no va a generar una revolución en sí misma. Todos los espectáculos que hemos hecho vienen acompañados de un mensaje, pero no pensado en dar ese mensaje sino porque el teatro en sí mismo es un hecho militante: por el hacer teatro en el espacio abierto que está en permanente disputa. Y llegar a la gente que nada tiene es una militancia, como es pasar la gorra y decir usted que tiene ponga, valorice el espectáculo y no la calidad de una butaca. Crear conciencia también es una forma de militancia: el teatro si es una herramienta para esclarecer, llevar claridad sobre un tema, tiene que ser el mejor espectáculo. No es un panfleto, si quiero cambiar algo, tengo que hacerlo con calidad. El teatro callejero es una herramienta social.

-En 1993 comienzan a trabajar en Parque Avellaneda. Sin duda, pensar hoy en La Runfla, es pensar en ese lugar.

-Para nosotros, tiene un gran significado a partir que llegamos ahí, el grupo hizo trabajo con la comunidad. El objetivo es trascenderlo. Queremos seguir estando ahí porque es nuestro hábitat natural pero buscamos empezar a extendernos y ver que se generen otros nodos en las redes. Creo que hemos ganado un lugar, sería interesante que se pueda multiplicar. Hay un crecimiento con la Escuela Municipal de Arte Dramático (EMAD). Estamos muy contentos, se ha crecido en calidad y permanencia. Permanecer es una forma de seguir creciendo.

-En el 2001 se llevó adelante el 1º Encuentro de Teatro Callejero, para motivar a otros grupos. Hoy se llevan adelante espectáculos con actores egresados de la EMAD y este año celebraron el último encuentro que organiza La Runfla. ¿Qué balance pueden hacer de 20 años de trabajo?

-La Runfla nos permitió crecer a todos, artística y personalmente. Hoy somos un grupo de actores, tenemos contacto con el público de igual a igual. Insistimos en una dirección. Viene cambiando el mundo, y nosotros cambiamos con ese mundo es un hecho dialéctico, pero no cambiamos el espíritu inicial: hay que pelear por el espacio público, hay que realizar una ocupación lúdica y responsable del espacio público, sintiéndolo propio. Por eso, tratamos de embellecerlo con nuestro arte.

* Como parte de los festejos por sus 20 años, La Runfla presenta “Drácula, una métafora”, una versión libre del clásico de Bram Stoker. La cita es el próximo domingo a la madrugada, a partir de las 2, en Parque Avellaneda, ubicado en Directorio y Lacarra. Para mayor información: www.grupolarunfla.com.ar

Una historieta cargada de futuro.-

2011-12-07T01:47:00.005-03:00

Con la edición de El cuervo que sabía --libro que recopila la tira homónima-como excusa, Agencia NAN se metió en el estudio del historietista neuquino Kwaichang Kráneo para recorrer pasado, presente, futuro y llegar hasta el siglo XXIII.

Por Guillermina Watkins
Fotografía gentilez de Kwaichang Kráneo

Neuquén, diciembre 7 (Agencia NAN-2011).- ¿Puede el apocalipsis comenzar en una ciudad aún en desarrollo como Neuquén? ¿Será, como deseo el mismísimo Marx en su ideario de revolución, que el inicio del cambio se dé en una de las "colonias" como llama el historietista neuquino Kwaichang Kráneo a las provincias? En el mundo de la ficción y más aún en el mundo de la ciencia ficción todo es posible. O, al menos, eso queda demostrado en El cuervo que sabía, una de las tantas tiras que Kráneo publicó semanalmente en el sitio colectivo Historietas Reales (HR) y que este año fue recopilada por la editorial cordobesa Llantodemudo.

La obra reflexiona a cerca del conocimiento, el amor, la familia y, sobre todo, la posibilidad de construir mundos. De pronto, un día del siglo XXIII, "Mono" --el único ser humano vivo-- se da cuenta de que está solo en una parte del mundo, que para él significa todo su mundo. Así comienza la historia, el melodrama temporalmente construido después del apocalipsis, o mejor dicho: después del momento en que un orden que parecía inamovible se desmorona de repente y un joven, en la pubertad, debe comenzar a reconstruir su historia. Una historia marcada por la supresión de sus deseos hormonales para que no sufra al encontrarse como único sobreviviente de su raza.

La trama en la que el último sapiens se relaciona con otros seres, no humanos, y se da cuenta de que --además de encontrar a su padre que lo dejó allí para ir a buscar otros sobrevivientes-- debe conseguir una chica surgió, valga la redundancia, de la cabeza siempre-pensante de Kwaichang Kráneo, prolífico historietista de la ciudad patagónica, conocido en el ambiente de las viñetas como uno de los promotores del blog HR.

También supo publicar en la revista Fierro: Patria, en la que narra el conflicto entre unitarios y federales, junto con el guionista Federico Reggiani; Novelas Infinitamente Breves, con guión de Jorge Zentner; El Reemplazo, una reversión de El Eternauta, también junto a Reggiani. Es decir, Kráneo es un miembro activo entre los nuevos historietistas nacionales como Diego Parés, Luciano Saracino, Liniers, Gustavo Sala, entre otros, que buscan mantener su labor, cerquita de su amor por el cómic.

Las 112 páginas que reúnen El cuervo... conjugan lo tradicional (el amor, las instituciones familiares, y otras tantas temáticas de las que nadie aún... aún, no logra desprenderse) con un futuro oscuro. Y mientras las tecnologías cambian a velocidades sorprendentes, Kráneo convierte a su historieta en un relato por demás contemporáneo: con ese poder de imaginación (y de adelantamiento) que suelen tener los grandes historietistas.

“Pensar historias es una aberración o una deformación: es querer que las cosas sean de otro modo a como son. En el caso de la ciencia-ficción es imaginar hacia dónde vamos, cómo será nuestra historia, cómo seremos, aunque sabemos que el futuro es impredecible por definición. Moebius decía que todos tenemos nuestras perversiones, el tema es hacerlas operativas. Bueno, de eso se trata mi búsqueda”, resumió Kráneo en diálogo con Agencia NAN una tarde en su casa, repleta de dibujos y personajes irreales todos provenientes de la historieta y la ciencia ficción.

Hasta el mismo Kráneo --nacido bajo el nombre de Carlos David Lima-- es su propio invento: él no responde a otro nombre. “Suelo sufrir migraña desde chico y un amigo (también dibujante) me puso este nombre al verme llegar a su casa, por los caminos polvorientos entre las chacras de Cipolletti, como si fuese un Kwai Chang Caine (personaje de la película Kung Fu) con mi morral lleno de cuadernos con dibujos y mis terribles dolores de cabeza”, relató el historietista que todo el día piensa en historias, en imágenes sin poner en remojo sus sesos ni un minuto.

Y por eso, la historia de El cuervo... irá más allá de la tira que comenzó a publicar en HR allá por 2007 y luego devino en un libro, trascenderá las tapas duras de su edición. “La idea es contar el viaje que 'Mono' realizó hasta llegar al momento del inicio del libro. Contar dónde fue su padre, la búsqueda de la chica en la estrella, la historia la chica encerrada en un satélite como forma de curarla de su enfermedad. Hay muchas cosas que viven 'allá afuera'. Por eso, el final te deja en las puertas de algo para continuar con las historias de los personajes en diversos unitarios. Eso es lo que permite la historieta: bifurcarse en otras aventuras”, afirmó para añadir suspenso a lo que está por venir.

¿Cómo verá esta cabeza el 2012? "Recibiré el 2012 dibujando sobre el fin del mundo", advirtió Kráneo, es que desde una revista de Colombia le pidieron para publicar una tira con esa temática. Además, aseguró que estará trabajando en las nuevas historias surgidos de El cuervo... y continuará con Murmullo, una historieta que actualmente publica en HR y "narra la historia de un oso cobarde", contó sobre esas viñetas que "no son ciencia ficción", aunque permanece dudando sobre la sustancialidad de lo real como se plantearon sus maestros; como continúa investigando dentro y fuera de su cabeza.

Blog: http://www.kwaichang.com.ar/cuervo/
HR: http://historietasreales.wordpress.com/

La Caverna en Calita Fest.-

2011-12-06T12:17:00.009-03:00

Entre cuatro escenarios y más de 30 bandas distribuidas en dos jornadas, La Caverna inauguró el festival que organizó un programa de radio para que “suene la calle”. Sobre el parque que se despliega tras los andenes de Centro Cultural Estación Provincial y a fuerza de reggae, ska y rock fusión, la banda de Gonnet logró despertar y preparar a los espectadores para la fiesta que luego continuaría.

Por Carolina Sánchez Iturbe
Foto de The Dark Flack

La Plata, diciembre 6 (Agencia NAN-2011).- El sábado por la tarde se presentaba prometedor. Frente a un cielo despejado y un barrio entero dispuesto a recibir a más de 30 bandas en 48 horas, el Calita Fest se presentaba como el mejor plan del mundo para un caluroso fin de semana de diciembre. La banda indicada para dar largada a la maratón de dos días, era La Caverna, la agrupación de Gonnet que le rinde culto al rock fusión desde hace casi doce años. Así, y con un par de horas de retraso típicas de los eventos monumentales, la banda se trepó al escenario que se había montado sobre los andenes de Centro Cultural Estación Provincial y dio inicio a la fiesta.

De pie a un costado del escenario, el animador del festival, Caio Armut, anuncia la llegada de La Caverna. A los gritos, pide aplausos. Un público tibio aún mueve apenas sus manos, como si le preocupara más el viento que suele correr por el parque que da a la Circunvalación en La Plata que el evento que está por presenciar. Dispuesta a calentar un poco la situación, la banda arranca con una de sus canciones más contestatarias: “De a poquito”. Mixturando sonidos, un ska acompaña a la letra que repite una y otra vez “a ver si nos matamos de a poquito y hacemos sus deseos realidad. Les ahorramos leyes, les ahorramos disparos. ¡Y nada de ponerse a protestar!”. Entonces, la tibieza cede un poco y son varios los que celebran la llegada del septeto de músicos.

Pronto aparecen las “Historias Suburbanas” que, en tono fiestero, cuentan las andanzas de uno de esos personajes típicos de cualquier barrio; todo para luego dar paso al reggae de “Bicho de pasto”, en el que los vientos se lucen a la par que Diego, el cantante, entona “Cuando la batalla nos destruya por completo y el alma comprenda la vejez de nuestros cuerpos, moriremos en Gonnet, City Bell o Villa Elisa como una risa que se dispersa con el viento”. La localía ayuda a desterrar aún más la distancia del público que, por fin, se atreve a mover su cuerpo de acuerdo a las sonoridades.

Cuando suena “Culpables de no morir”, una rubia empuja la silla de ruedas de otra muchacha que, sonriente, eleva los brazos al ritmo de la música hasta que la rubia la acerca a alguno de los espectadores y ella --que al día siguiente ¿milagrosamente? caminaba entre la gente-- distribuye folletos que informan sobre una ONG que lucha por la inclusión. Arengando al público, la muchacha festeja la presencia de La Caverna y, como si se hubiese tratado de una visión, desaparece de la escena con el fin de la canción. Caio entonces vuelve a pedir aplausos para la banda que, pisando el sonido de las palmas de los concurrentes al festival, da paso a la ultra percusiva “En manos del agua”.
“¡Si no hay amor, que no haya nada, loco!”, exclama Diego desde el escenario y pronto resuenan los acordes de “El tesoro de los inocentes”, la popular canción del Indio Solari, que ésta vez es versionada en plan roots. Explotando las fusiones que la banda bien sabe manejar, el tributo al ex líder de Patricio Rey y Sus Redonditos de Ricota funciona como antesala de la chacarera que luego la banda interpretará en un homenaje “Por el nombre del rock”.

Cerca del final del recital de apertura de Calita Fest, es el turno de “Ese o ese”, uno de los caballitos de batalla de La Caverna gracias al estribillo pegadizo que reiteradamente se pregunta “Quién puede solo, quién te necesita, quién acompaña, quién ya no da más?”. La situación se torna irreversible mientras el público, al fin, demuestra la calidez por la que la banda abogó desde el inicio. Los aplausos se multiplican mientras algunos aullidos los acompañan.

“Nos vamos. No sé qué seguirá después”, anuncia el cantante provocando que Armut escupa la cerveza que hasta entonces degustaba para poder gritar: “¿Cómo qué no sabes, querido?”, a la par que el público lanza una carcajada. Los vientos y la danza de los espectadores vuelven a ser protagonistas cuando suena “Ahora qué le digo a la vida”, canción tras la cual la gente está dispuesta a pedir a los gritos un bis. Caio, entonces, interpela a la banda diciéndoles: “¿Después de doce años se siguen haciendo rogar?”. Los músicos se sonríen y abandonan la huída del escenario.

Una chica pide insistentemente “Cuatro de copas” y sus deseos se hacen realidad. El reggae mixturado con el ska vuelve a invadir el parque sobre el que se montó uno de los cuatro escenarios del festival. “Una copa para el cuore, dos para soltarse más. Tres para salir de pobre, cuatro pa’ quedar gagá”. Tras el último verso de la canción, la gente celebra el paso de La Caverna, que se despide triunfal tras haber cumplido con creces la tarea de abrir la fiesta que continuará.

Sitio: http://www.lacavernarock.com/

Libros: “Derrumbando la Casa Rosada” (Varios autores, 2011).-

2011-12-04T22:16:00.005-03:00

Conclusión de una trilogía, el libro vale por su capacidad de generar contexto y derrumbar el mito punk del ser antojadizo y caprichoso, motorizado por una furia elemental al sistema. Lo hace a partir de ocho encuentros fundamentales del movimiento punk metropolitano.

Por Luis Paz

Buenos Aires, diciembre 5 (Agencia NAN-2012).- El 17 de julio de 1981, Los Violadores actuaron junto a la Ronsanroll Band y Trixy y Los Maniáticos en la Universidad de Belgrano, en lo que quedó asentado en la historia oral del punk rock argentino como el primer festipunk de este país. Aquella noche, el carácter nihilista, activista y contestatario de la incipiente comuna punk porteña, conformada por jóvenes marginales y de clase media con vergüenza o asco por su origen, chocó contra el comportamiento de los rockeros de Belgrano y de varias otras zonas pudientes de la ciudad que seguían a la Rosanroll. Se armó bardo en el auditorio de la coqueta universidad y hubo tres decenas de detenidos, entre ellos el notable músico Horacio “Gamexane” Villafañe, recientemente fallecido, que fue sindicado como “líder de los agitadores punk”. La anécdota, refrescada recientemente por la muerte del ex guitarrista de Todos Tus Muertos y La Sobrecarga, entre otras bandas, justo apareció registrada textualmente en el libro Derrumbando la Casa Rosada, que bajo la aclaración Mitos y leyendas de los primeros punks en la Argentina 1978-1988 compila historias, hechos, personajes, bandas, sitios, ideas y relaciones fundamentales para comprender el comienzo de este movimiento en Buenos Aires, con capítulos dedicados a Alerta Roja (autores de la canción que da nombre al libro), Los Baraja, Secuestro, (Miles de Millones de) Cadáveres de Niños (Negros Muertos de Hambre y de Frío), Antihéroes, Marcelo Pocavida, Morgue Judicial y Sergito Anticristo y los primeros skinheads.

Este volumen viene a completar una trilogía con La manera correcta de gritar: Ska, 2-Tone y Rude Boys en la Argentina, del periodista y músico Daniel Flores (Satélite Kingston) y Gente que no: Postpunks, darks y otros iconoclastas del under porteño en los 80, de varios autores. Los tres fueron publicados en la colección Libros de una Isla del sello Ediciones Piloto de Tormenta, un destacable emprendimiento editorial que en estos últimos años ha puesto en letras lo más simpático e importante de la historia de la música underground de los últimos '70 y de los '80 de la Argentina en dictadura y durante la apertura democrática. Lo que equivale a definir a estas tres obras como una suerte de Sexus, Plexus y Nexus (la histórica “trilogía rosada” del genial autor Henry Miller, rupturista, desprejuiciada y virulenta en su expresividad), de entregas consecutivas y hasta sincrónicas, del retrato de otra expresión sanguínea como la sexualidad: la música joven de la no concordia, la denuncia y la organización de sus bases.

Buena parte de su valor, más allá de la importancia de su contenido documental y testimonial (con nombres insignes de esos movimientos como los de Flavio Cianciarulo, Patricia Pietrafesa, Palo Pandolfo, Gamexane, Fidel Nadal o Pil Trafa aportando sus recuerdos e incluso escribiendo algunos de los textos), radica en la capacidad de generar contexto de las tres obras puestas en relación. Lo que ocurre así es la deconstrucción del prejuicio del punk como un ser antojadizo, caprichoso y poco pensante motorizado por una simple furia elemental contra un sistema que, a esta altura, sigue sin ser definido en un cuadrante coherente que exceda al “capitalismo”. Lo que permiten estos textos es ver que este movimiento, como exponente duro del rock y como oponente también de la subyugación de esa cultura a la del espectáculo y la cultura de masas, fue en verdad un conglomerado de expresiones artísticas, performáticas y organizativas que tendió a la eliminación sincrónica de la dependencia de los valores preexistentes: revolución a la manera de su definición por defecto, acción directa a la manera de los manifiestos políticos y oposición sistemática a la dominación de los valores del mercado, los medios y las empresas.

A diferencia de Gente que no, basado en el estudio de casos a partir de las coordenadas de los nombres propios de bandas y músicos, Derrumbando la Casa Rosada pone su eje narrativo en ocho encuentros fundamentales del movimiento punk metropolitano, ubicados en espacio y en tiempo (incluso el curioso encuentro de Los Baraja con Moria Casán en el viejo Canal 9 y la actuación de Secuestro en la histórica ATC) para ofrecer un relato más o menos ordenado y lógico acerca de su aparición, su evolución y su ingreso a la historia musical oficial, un hecho que pese al esfuerzo autogestivo y la naturaleza paraoficial, ilegal y autolegitimante de sus proveedores habla también de cómo se desarrolla la fagocitosis en el campo cultural y de cómo la revolución tiene el camino siempre allanado para convertirse más tarde en conservadurismo.

Así, y en el marco de un juego caprichoso pero por lo común acertado de legitimaciones a “lo que es punk y lo que no es punk”, en el que caen desde Racing Club, La 12 y Moria Casán hasta el Jardín Botánico, los represores de la dictadura y el documentalista Lech Walesa (lente patente de la Internacional Punk), y sumada la breve guía de nombres aportada sobre el fin del libro, Derrumbando la Casa Rosada menciona holgadamente todo partícipe (personal, espacial, temporal y accesorio) de esta gesta (contra)cultural y se permite explorar ciertos focos relevantes para ubicar, como mediante un GPS, las redes de colaboración, influencia y conflicto entre los que se tejió la gran red punk argentina, un telar desparejo, roto, mal cosido y agarrado con alfileres de gancho, pero de una expresividad conmovedora como posapavas tejido por un niño de jardín de infantes. Lo que no está para nada mal desde que la juventud, el caldo de cultivo en el que las obras punk hicieron mitosis, es en sí un gran Caos insondable.

El poder letal del reflejo contra el olvido.-

2011-12-02T14:37:00.001-03:00

Los artistas plásticos Hugo Vidal y Cristina Piffer posaron su atención creativa en los espejos. No por su importancia en tanto objetos, sino por lo contundente de aquello que producen cuando se combinan con la luz para “simbolizar el hueco que en la sociedad argentina significa la desaparición de personas”. “El espejo es una herramienta para reflejar: situaciones, problemas, qué era, quién era. Y reivindicar aquello y no dejarlo dormido”, sentencia el hombre en diálogo compartido con Agencia NAN.

Por Nahuel Lag
Fotografía de Tomás Ballefín

Buenos Aires, diciembre 2 (Agencia NAN-2011).- ¿Cómo seguir adelante después del terror? ¿Cómo elaborar el horror? “¿Se puede escribir poesía después de Auschwitz?”, lanzó el filósofo alemán y crítico Theodor Adorno para pensar la humanidad tras el Holocausto. Por estas tierras tenemos, al menos, 30 mil incógnitas abiertas sobre ¿cómo se pudo? y ¿cómo seguir? Sin duda esa tarea comenzó antes de la vuelta a la democracia, aunque la reflexión quedó relegada por la acción hasta conseguir el fin de los indultos. Por estos días, con centenares de represores siendo procesados y otros tantos ya condenados, los edificios donde el terror ocurrió transformados en espacios para la memoria invitan a revertir aquel legado, pero ¿cuál es su reflejo? ¿Cómo poner luz donde hubo tanta oscuridad? Con una “geometría artística” proponen los artistas plásticos Cristina Piffer y Hugo Vidal en la instalación El brillo de tu mirada (Serie: Labor de Luz), inaugurada hoy en el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (exEsma). Redondos, convexos, cuadrados, rectangulares, enmarcados con madera, cinta adhesiva o sin; cedidos por madres, padres, compañeras, compañeros, hijas e hijos de desaparecidos o no, los espejos inundan de luminosidad la historia y traen con ellos la “mirada cautiva de quien se miró en él, de los que están, de los que no, de los que siguieron luchando y de los que vendrán”, resume Piffer.

La instalación –que podrá visitarse hasta el próximo 24 de marzo-- condensa una historia mucho más larga del vínculo entre la pareja de artistas y la luz como materialidad para simbolizar el hueco que en la sociedad argentina significa la desaparición de personas. El primer intento de “revertir esa carga terrorífica por la luminosidad de quienes ya no están”, según explica la artista la carga poética de la luz, fue la presentación, en 1999, del proyecto “la cruz del sur”, junto a Claudia Cronteras. Una instalación con boyas lumínicas sobre el Río de La Plata que reflejara la constelación homónima, el proyecto quedó preseleccionado para el Parque de la Memoria, pero no llegó a concretarse.

“Fue la primera vez que elegimos trabajar con la inmaterial de la luz, algo poético que podía transformar un espacio en cálido y simbolizar, recuperar esas vidas, esos recuerdos, esas imágenes, esas miradas luminosas de compañeros, después de tanta muerte”, indica Piffer, y Vidal agrega: “La luz tiene otra particularidad: se ve sólo cuando nos llega sino parece no estar. Con los desaparecidos ocurre algo similar, si no llega la preocupación, si no llega el reclamo, no pasa nada. Entonces, la intangibilidad no es tal, hay razones químicas o eléctricas por las cuales la luz se produce. En el caso de los desaparecidos toda la maquinaria que los hacía desaparecer tampoco era intangible, todo estaba muy bien planeado”.

La luz se hizo en otras intervenciones públicas de la pareja de artistas como en 2003cuando las trabajadoras de la fábrica Brukman lograron saltar el vallado policial que las separaba de sus puestos de trabajo con punteros lásers, que también las ayudaron a señalar y denunciar las oficinas de los empresarios que se habían marchado y dejado a ellas en la calle. Pero fue en 2006 cuando Hugo Vidal comenzó a acercarse a los familiares de las víctimas del terrorismo de Estado para conocer sus historias y plasmarlas en los libros de hojas vacías que completaron una muestra en el exDepartamento de Inteligencia D-2 y actual Museo de la Memoria de Córdoba.

En 2009, tras varios de esos encuentros, de la luz como poesía y de la capacidad de los espejos para atraerla al interior del D-2 se realizó la primera instalación. Aquellos espejos e historias se multiplicaron hasta quedar colgados en el interior del Haroldo Conti, a la espera de los que seguirán alimentando esta Labor de Luz, que de la exEsma continuará camino en 2012 hacia la Casa de la Memoria del Chaco, edificio donde funcionó la Brigada de Investigaciones de la Policía provincial durante la última dictadura. Y en cualquier de ellos el impulso creativo surge de una misma pregunta: “¿Qué aportes podemos hacer los artistas en lugares donde funcionó el horror?”, señala Piffer. Y una punta del ovillo puede ser:

--¿Cómo infiere la arquitectura de los distintos espacios al momento de realizar una instalación?
Cristina Piffer:-- La escala, la arquitectura, el funcionamiento y las transformaciones o la conservación de los espacios modifican lo que se hace en el lugar. El Haroldo… se ha transformado en un centro cultural, por lo que ya tiene otra energía. Si vas a un edificio que ha sido menos tocado, se instala distinto. La ventaja de trabajar con luz es que brinda la posibilidad de no modificar absolutamente nada, lo que en muchos casos es importante (en muchos excentros clandestinos se realizan inspecciones oculares para los juicios en curso). Hay que aprovechar la arquitectura y la energía del lugar para generar tensiones.
Hugo Vidal:-- Un edificio modificado, como el Haroldo…, tiene otra impronta. Si el edificio estuviese en las mismas condiciones tendría la misma energía de entonces, continuaría siendo un lugar para el más aguerrido, para el que iba a entrar igual. Al maquillarlo parece un poco más seguro, entonces una persona que viene como simple espectador, a escuchar música o ver una obra de teatro, en un momento, se distrajo y participó, rompió una barrera, dio un paso: del “yo no puedo hacer nada porque no sé” comienza a ver cómo está implicado.

--¿A partir de la apertura de los juicios a los represores hay menos para revelar de aquella historia? ¿Desde lo estético, es un nuevo desafío para simbolizar, para contar?
HV:-- La idea madre del proyecto es saber si se alcanza a movilizar algo que no se movilizó con anterioridad. Hay muchos de los que escribieron las historias que acompañan los espejos que trabajan activamente para los juicios, pero también conocimos a la hermana de un desaparecido que nunca había dicho, y menos firmado, lo que contó… Los juicios ya tienen sus carriles, ya están en marcha; nos interesa aquello rezagado que aún está trabado, tratar de destrabarlo, de alentarlo. Si nos comparamos con Brasil, Uruguay o España hemos avanzado mucho, pero diría que todavía es más lo que no sabemos. Hay mucho remanente, mucha historia que las familias aún no cuentan, mucho que se tiene que elaborar para salir afuera. Por eso, a partir de los espejos como desencadenantes, algo tan doméstico, se puede comenzar a hablar. El espejo es una herramienta para reflejar: situaciones, problemas, qué era, quién era. Y reivindicar aquello y no dejarlo dormido.

--Una herramienta estética para llegar a lo más sensible…
HV:-- Vos podés traer todo a la memoria con imágenes crueles, pero el que está paralizado va a seguir paralizado. Los que estaban en el poder hicieron crueldades para que la crueldad inmovilice: te metían veinte balazos, con uno te morías, diecinueve eran para el resto. Quién era, qué quería, qué soñaba; era rubio, era negro, era amarilla; era amargo, era simpática. Es mostrarlos a ellos y hacia dónde miraban, no el miedo.
CP:-- Una chica de HIJOS nos trajo para la instalación una foto de su papá cuando era chico. Y eso significó traerlo a él mientras busca el espejo, cuando lo carga y lo traía hasta acá, cuando habla sobre él con nosotros… y, por un ratito, hacerlo brillar. Por ese lado viene la instalación, esa es su tarea. Es una herramienta poética de memoria y reparación.

--¿Con el avance de los testimonios en los juicios empieza a surgir un relato de lo íntimo? ¿Dejan de ser los 30 mil y empezamos a conocerlos por nombre y apellido?
HV:-- En un principio fueron los propios organismos los que no querían marcar diferencias: “somos todos los mismos”, “todos iguales”, “todos lucharon”. Era una etapa, había que fortalecer el reclamo. Una primera individualización se podría ver en lo gráfico de los nombres de las organizaciones: “detenidos-desaparecidos”, “ex-presos políticos”, “familiares”. Entonces, en un momento, se pensó que el dirigente Gutiérrez, reclamaba por los Gutiérrez y como era el dirigente de la organización iba a encontrar primero a su hijo, pero Gutiérrez no podía abocarse a reivindicar o averiguar por él mientras buscaba justicia para todos. Son etapas, los organismos avanzaron de una u otra forma, según creían lo más conveniente. En algunos organismos había profesionales y militantes; en otros eran padres y madres, amas de casa, que se encontraron con un protagonismo político que ellos no buscaron. En muchas de esas casas a habido desencuentros entre los hijos de desaparecidos y sus abuelos: ¿Quién habla por quien desapareció? Ahí está faltando una voz. A la larga es un problema para todos: cómo procesamos la historia que falta, hay una voz que no está y la reemplaza otro que no es. Hay un hueco que lo cubrís con lo que tenés. Falta un pasaje, un puente, una experiencia.

El IDAC resiste a su desaparición.-

2011-11-30T12:03:00.004-03:00

El Instituto de Arte Cinematográfico de Avellaneda quedó tomado desde el 21 de noviembre pasado para defender la carrera de Realización Cinematográfica, excluida del próximo plan de estudios, impulsado por la Comuna. La nueva orientación apunta a formar técnicos para contenidos digitales de la televisión, en perjuicio del actual que favorece la realización de audiovisuales independientes. Los estudiantes además denuncian que la Municipalidad, que ya intentó cerrar el mítico establecimiento, intenta “sacarse de encima” la escuela.

Por Carla Perelló

Fotografía Mario De Fina

Buenos Aires, noviembre 30 (Agencia NAN).-“El arte nos hace libres.” La premisa en aerosol en una pared del Instituto de Arte Cinematográfico de Avellaneda (IDAC) es la bandera de los estudiantes que resisten el nuevo plan de estudios. Hace una semana tomaron el establecimiento para repudiar la desaparición de la carrera de Realización Cinematográfica, específicamente la orientación documental --la única pública en Latinoamérica--. En dialogo con Agencia NAN, advirtieron que la nueva currícula amputa la esencia artística que transmitió a lo largo de 40 años de vida. Ni más ni menos que el premio Oscar Juan José Campanella se formó en sus claustros. También reconocidos realizadores como Lucrecia Martel y Jorge Nisco, entre otros. “Quieren hacer de una carrera artística una tecnicatura orientada a la mano de obra de la televisión”, denunció Martín Díaz, estudiante de tercer año. Desde la Secretaria de Cultura y Educación local, su titular Hugo Caruso, negó cambios en el mítico instituto.

“Queremos ser libres.” Micol Metzler, una joven estudiante, retomó la consigna. Ella y sus compañeros estudian en el IDAC porque la cámara es su herramienta para narrar lo que otros dejan de lado. Pero hay piedras en la carrera. “La Municipalidad considera un gasto todos los institutos de arte de Avellaneda”, remarcó Damián Barrera, profesor de guión. Pero no se rinden: exigen la renuncia del rector interino del IDAC, Raúl Tosso, que asumió en 2009 sólo por seis meses. Los reclamos de los estudiantes y docentes incluyen: la creación de un Concejo Académico resolutivo; la baja del nuevo plan de estudios; presupuesto para reparar el edilicio y comprar equipos; y asegurar la inscripción para el próximo año a la carrera de Realización Cinematográfica.

El conflicto comenzó hace tres semanas, cuando a las manos de los estudiantes llegaron folletos que anunciaban un nuevo nombre y estatus para la carrera que están cursando: el próximo año será Técnico en televisión, cine y video. Y la nueva currícula se orienta a la televisión. Así, la carrera de cuatro años pasaría a tres, las dos orientaciones serían vaciadas de contenidos, el segundo año apuntaría a la formación en televisión y desaparecerían contenidos cinematográficos fundamentales de tercero y cuarto año.

Además hay una demanda de fondo: la oficialización del título (hoy tiene sólo reconocimiento municipal) a través de la Dirección Provincial de Educación General de Enseñanza Privada (Dipregep). Es un reclamo con 10 años de antigüedad. Pero con la oficialización, que fija un piso de materias orientadas en televisión digital, la Municipalidad borró de la currícula asignaturas orientadas en la realización de ficciones y documentales. “Se eligió Avellaneda como un bastión de la televisión digital”, cuestionó el estudiante Martín Díaz.

Por lo pronto, el rector interino Tosso finalizó dos semanas antes las clases para evitar definir el conflicto entre estudiantes y funcionarios. “Tenemos la sospecha de que Tosso entró para cerrar la escuela”, conjeturó Barrera. Mientras tanto, los pibes tomaron la escuela el 21 de noviembre pasado. “Los primeros interesados en que no se reduzca y que tenga más prestigio somos nosotros, tanto en documental como en animación”, dijo Caruso, desde su despacho. Pero, con voz nerviosa y a la defensiva, intentó explicar la nueva currícula: “No se va a quitar nada del plan, todo lo contrario si se quiere agregar algo se agrega. Se está aplicando un plan oficial, nada más. No se va a cerrar nada, ningún docente va a perder el trabajo ni los alumnos la posibilidad de estudiar”. Sin embargo, los documentos ponen en duda sus palabras.

Por un lado, la medida afectaría a docentes: se filtró una lista de docentes que serán renovados. En ella Barrera fue dado de baja, aunque aún no fue notificado oficialmente. Por otro lado, perjudicaría la lógica pedagógica “familiar” gestada entre docentes y estudiantes. “El IDAC funciona como una escuela taller, tenemos un trato continuo con el docente y un proceso de evaluación personalizado que desaparecería”, lamentó Fabio Vallarelli, vocero de la asamblea de estudiantes.

No obstante, no es la primera vez que los funcionarios manipulan su poder para cambiar el curso de la escuela. El año pasado intentaron que la flamante Universidad Nacional de Avellaneda absorbiera al instituto. No lo lograron. “La finalidad está clara, lo que quiere la municipalidad es sacarse de encima la escuela, que pase a ser un organismo mixto con provincia para dejar de pagar el salario de los docentes y que la provincia se haga cargo del 60 por ciento del presupuesto”, remarcó Vallarelli. Mientras, los equipos para las prácticas son comprados la cooperativa de alumnos que recauda 30 pesos entre quienes pueden aportar. “Por ahora lo que estamos buscando es el título, porque todo el resto lo sostiene el municipio: los sueldos de los profesores y el mantenimiento del edificio --deteriorado--. Si algún día subvencionan, bienvenido sea”, minimizó Caruso.

Sin embargo, los funcionarios han destacado públicamente la “salida laboral” de la nueva currícula orientada a la televisión digitales. “Nos dicen que esto es lo que se viene, que hay que preparar gente, la realidad es que hay muchas veces que uno se plantea que prefiere hacer arte fuera del mercado”, sostuvo Julio Vega, de tercer año. Metzler graficó las ventajas actuales: “En primer año podes manipular los equipos, es como hacer un corto todos los sábados. Te enseñan a hacer cine con dos mangos, que es la realidad de la mayoría de los que estamos estudiando”.

“Lo que hace falta es gente que tenga cosas para decir, no técnicos que cumplan con lo que ellos quieren mostrar”, apostó Barrera. Y defendió el actual plan de estudios: “Del IDAC también salieron muchos técnicos de televisión, por ejemplo, la mitad de los que hay en Polka son egresados de acá”.

En los folletos, además, advirtieron que la tesis deberá respetar las pautas de televisión digital. “Nosotros queremos hacer un cine independiente que responda a nuestra manera de expresión. Va más allá de ponernos bajo un parámetro comercial”, explicó Metzler. Y agregó: “Es una mirada más personal. Queremos tener contacto con la comunidad y mostrar esas cosas que no ves todos los días, cómo se vive en los barrios, su realidad, que no es realmente lo que muestran los medios”.

Por lo pronto, en el IDAC -–que por estos días sirve además de cocina, baño y dormitorio-- permanece tomado por los estudiantes, que llevan adelante clases abiertas en protesta al cambio de paradigma.

Blog: http://realizacionidac.blogspot.com

El pozo donde se encuentran en Timbre 4.-

2011-11-29T10:53:00.002-03:00

En una obra que es todo menos tibia, la violencia de género es el mal encarnizado con mayor o menor grado de represión en los quince actores dirigidos por Román Podolsky.

Por Lola Kuperman
Fotografía gentileza de El pozo…

Buenos Aires, noviembre 29 (Agencia NAN-2011).- “¿Estás para el pozo?”, pregunta un joven sobre una banqueta en el principio de un largo pasillo en cuadrillé de una casa chorizo. La respuesta afirmativa del espectador lo llevará a la antesala de El pozo donde se encuentran: un cuadrilátero limitado por bancos y una pequeña cocina con un mate aún por cebar. Tras avanzar en fila india hasta la sala final del gran complejo que es Timbre 4, las sillas, la única escenografía de la obra, le advierten al espectador que deberá sentarse lejos. Lo más lejos que pueda: lo que está por ver será todo menos tibio.

El resultado final del Taller de Montaje de egresados de Timbre 4 habita en un único hilo conductor que fragmenta la historia en pequeñas escenas. La violencia de género es el mal encarnizado con mayor o menor grado de represión en los quince actores dirigidos por Román Podolsky. La tensión nacerá con los pasos de los intérpretes bajando la escalera al costado de la sala y con ellos se deslizará el efímero artificio de ficción. Sin embargo, por la cruda temática y la vasta posibilidad de identificación que ella ofrece, la violencia verbal o física trascenderá los pactos ficcionales como una daga al corazón del espectador.

“Te quiero tanto que te molería a golpes”, sentencia un hombre a su pareja. “Si la matás, es peor”, le confiesa un asesino a otro, mientras sus mujeres deambulan por el escenario con el maquillaje corrido, desalineadas, golpeadas, muertas. El rouge rojo que se desliza por los labios hasta el mentón y el delineador negro esparcido de modo irracional entre los ojos y los cachetes unirán a las víctimas hasta hacerles perder su identidad: son todas mujeres maltratadas.

El “cómo” será diferente en cada caso y aquí la dirección actoral se hace presente. Una de las mayores virtudes de El pozo… es no caer en el preconcepto mediático acerca de la violencia de género. Las parejas que retrata la obra están formadas sobre cimientos heterogéneos: se caracteriza a una mujer sumisa a su pareja, pero también a la mujer independiente en una relación aparentemente saludable. Sobre estas líneas, el enredado dúo ficción/realidad se desmenuza ante la mirada del actor sobre el público: la violencia de género no es efímera ni fantástica sino real.

Sin dudas, El pozo donde se encuentran lleva detrás un proceso de creación colectiva. Los actores Juan Manuel Apat, Gonzalo Bueno, Ignacio D´Olivo, Hernan Lewkowicz, Fernando Sala, Harri Gardenia y Sebastián Romero aparentan unirse bajo una misma arma de doble filo: la honestidad. Las víctimas, quienes más que ellas: Magdalena Barril, Silvia Bassi, Mercedes Carbonella, Verónica D´amore, Romina Ganovelli, Eladia Grosso, Mariana Nobre y Josefina Scaro. La participación escénica será el único equilibrio que habrá en la obra. El resto: un mini componente que reproduce canciones descalibradas o la violencia latente en las extremidades de los hombres desestabilizan al espectador hasta el punto de quiebre. Quien vea esta obra se llevará consigo una hipersensibilidad a los gritos que expirará tras un par de días.

La obra transcurrirá como el espejo de una relación enfermiza, en que el terror se anticipa y se palpita hasta que explota en el apogeo del aplauso final. Jugar/hacer y ser/parecer son las dicotomías neurálgicas de la historia. “Pero la palabra más importante de la lengua tiene sólo dos letras: es”, escribió Clarice Lispector y los mujeres maltratadas de El pozo… parecen coincidir. Si es, no se está jugando ni está pareciendo, está siendo, y lo que es jamás puede no ser.

*El pozo donde se encuentran se presenta los domingos a las 21 en Timbre 4, Boedo 640, Capital Federal.

Discos: “Los Ellos” (Concepto Cero, 2011).-

2011-11-28T22:04:00.005-03:00

El sello independiente de La Plata rescata la creación de Héctor Oesterheld y Francisco Solano López tanto en lo artístico como en lo ideológico: bandas indie, artistas plásticos y diseñadores le dan forma a un trabajo que se atreve a mostrar lo que “El Eternauta” le enseñó al under musical de Buenos Aires.

Por Facundo Arroyo
Imagen gentileza Concepto Cero

Buenos Aires, noviembre 28 (Agencia NAN-2011)-. Si hay algo que se siente cuando Los Ellos empieza a recorrer su propio camino es la lectura actual de varias de las bandas que representan, fielmente, la escena under nacional. El sello platense Concepto Cero (www.losellos.com) se propuso, a través de dos largos años, realizar una obra que se desprenda de la historieta “El Eternauta” sin desentender su historia y su importante aporte. Con una fuerte impronta en la diversidad artística --la obra no es sólo musical, también hay ilustraciones, fotografías y diseño independiente--, el disco pasa a formar parte de uno de los trabajos más interesantes que se han hecho en relación a la historieta.

Esta relectura creativa, bajo licencia Creative Commons, contiene las siguientes firmas: “A.H.G.O” (Excursiones Polares), “En el aire” (La Patrulla Espacial), “Athesa” (Pommez Internacional), “Nunca” (Mostruo!), “El tiempo ha borrado” (Brahmán Cero), “Quien te ama, te odia” (La Perla Irregular), “226” (Bradien), “Mirando por la ventana mientras caen los copos, pienso” (NormA), “Zumbidos” (Casimiro Roble), “Vespucio Liberti” (Dietrich), “Son nuestros” (Shaman y Los Hombres en Llamas), “La guerra psicológica” (El Perrodiablo), “Lo humano” (Tata Laxague), “El asedio de River” (Fútbol), “No” (Supersivo), “Hora cero” (Cinemática), “Verdaderamente negro” (Los Dientes) y un bonus track: “Todos somos Juan Salvo” (Diego Boris y Cristian Aldana).

Esa amplia lista de temas se mezcla, además, con las ilustraciones de Acampante, Dr. Alderete (encargado de ilustrar una edición mexicana de la historieta), Corina Arrieta, Marina Fages, Freshcore, Antonio Gagliano, Los amigos de la imagen, Marcos Moreno, Emmanuel Orezzo, Pacheco, Valentino Tettamanti y Tormenta --con motivos rotativos para la tapa que permite ir cambiando las postales--; la fotografía de Cata Moncal y Francisco Laxague y las realizaciones audiovisuales de PI Producciones.

Entre los momentos más interesantes del trabajo hay en la canción de Mostruo! dos postales estremecedoras cuando la proyección de los instrumentos dan vuelo propio a las frases “Nunca habías visto nevar” y “vas corriendo por el túnel del subte pensando en los días que quedaron atrás”. O cuando Shaman y los hombres en llamas gritan con ansias oscuras que “Son nuestros” y no más de ellos. También pasa con Fútbol que le da frenetismo a un asedio invasor y con el bonus track de Cristian Aldana (presidente de UMI y líder de El otro yo) y Diego Boris (músico agitador de la cultura autogestiva) donde aseguran que todos podemos llegar a ser los protagonistas de grandes historias.

Una despedida canchera, y pensando en que el blues siempre nos tendría que despertar a la mañana, podría ser El Eternatura que propone La Patrulla Espacial. Imaginen un “The end” boceteado en lápiz mientras vemos a un tipo yéndose a buscar un poco de luz en el punto de fuga.

Le Premier Enfant: "Un disco nuestro va a estar formando parte de un linaje que nos dejaron las bandas de los ‘60".-

2011-11-25T10:00:00.004-03:00

Nativa de Burzaco, al sur del conurbano bonaerense, la banda sintetiza electrónica con rock. “Nuestro objetivo es, en realidad, ser una alternativa a lo que es la movida del rock, del indie rock, de lo que está sonando ahora en las bandas emergentes”, esbozan. Con un año y medio de recitales, ultima los detalles de su ópera prima.

Por Juan Castiglione

Fotografías gentileza de LPE

Buenos Aires, noviembre 25 (Agencia NAN-2011).- Tal vez haya sido por el traqueteo del tren, rítmico, casi binario. O la atmosfera industrial-obrera de Burzaco. Pero lo más seguro es que lo que en realidad haya sucedido es que un cúmulo de casualidades, historias y cierta pizca de mística hayan convergido en un mismo lugar, en un mismo momento y en las medidas justas. Porque lo último que uno pensaría es que la renovación más fresca de esa comunión que conforman el rock y la música electrónica iba a manifestarse desde un altillo húmedo y asfixiante, perdido en algún rincón del interminable partido de Almirante Brown.

En ese cuarto, que durante un tiempo hizo las veces de habitación y sala de ensayo, comenzaron a juntarse, a mediados de 2010, Federico Saint-Esteben y Yani Gladitz, sin buscar nada especifico más que la simple comunión de ideas y terminando por encontrar un lenguaje personal, intransferible, propio, llamado Le Premier Enfant.

Un año y medio después, la banda ya ha recorrido un camino más que notable para su acotado tiempo de vida. Se encuentran ultimando detalles de lo que será su disco debut, ya han grabado un EP y rotan permanentemente en los principales escenarios de Zona Sur y la Ciudad de Buenos Aires. Ahora, con la incorporación de Andrés Burztyn en la sección rítmica, están listos para tomar por asalto los oídos de la generación cobijada bajo el dominio indiscutible del Mp3.

--Están por lanzar un disco, tocando más seguido, lo que implica más obligaciones para con la banda. ¿Cómo hacen para convivir con ellas, ya que tienen otra vida además de la banda, y ésta aún no es un sustento económico?

Federico Saint-Esteben:--Primero y principal, para nosotros es un sustento, pero de vida, en el sentido de que nos saca de la cotidianeidad del laburo, del estudio. Claramente no es un sustento económico, pero sí de otras cosas. A su vez, en relación a lo económico nosotros tuvimos la suerte de entrar a un sello (Triple RRR) donde nos consiguen las fechas. No ganamos un mango, pero tampoco perdemos mucho. Es como que salimos hechos de eso, y en realidad lo que ganamos es más el beneficio personal de estar tocando. Hoy en día no es lo más fácil tocar en vivo y además sacar un disco.

--¿Cómo es la grabación de su primer disco?

Yani Gladitz:-- En general grabamos en una toma, ya que ahí se captura la esencia más pura, en la improvisación, en la espontaneidad. Esta es una de las características la banda. En vivo la improvisación también cumple un rol importante.

F.S.E.:--Quizá antes era más improvisado en vivo y ahora está más armada la estructura de las canciones, pero en lo que es el armado de los temas surge todo de la espontaneidad, y también en la grabación. La banda surgió de lo espontáneo, de decir “bueno, a ver que sale de esto” y salió, por eso es si nos rigiera la espontaneidad. Esto se termina manifestando en otras situaciones. Por ejemplo, hace un tiempo teníamos hora de grabación y había que grabar determinado tema. Un rato antes se me ocurre un tema y digo “bueno, vamos a grabarlo” y él (por Yani) se lo terminó aprendiendo en el estudio, en plena grabación. Dejando para después el otro tema. Creo que ahí está la PUC, dicho en términos publicitarios, la propuesta de comunicar nuestra: una espontaneidad que surge de la química que hubo desde el principio, una química que no es forzada y en la que, realmente, la producción de los temas y la composición fluye. No nos ponemos a pensar que tenemos que componer, sale de la nada.

Andrés Burztyn:--Esa espontaneidad no significa una improvisación de 10 minutos. Es muy simple, muy sintético, es como la síntesis de la espontaneidad. Cuando entré a la banda lo que encontré es que los chicos tenían una idea y la llevaban a cabo enseguida y no necesitaban 10 minutos para hacer un tema, en 3 lo terminaban.

F.S.E.:--No tenemos prejuicios para nada, en hacer temas instrumentales, una canción… si no tiene que haber letra no habrá letra, si tiene que haber, va a estar, sin estribillo, sin estrofa. Nunca hacemos letras que sean estribillo o estrofa. O son estribillos o son estrofas. En el disco habrá dos temas instrumentales.

--A pesar de esa impronta pop, no se casan con esas estructuras.

F.S.E.:--Más allá de que estamos encontrando de a poco una formula de sonido propia, no nos casamos con ninguna estructura. Pero ese sonido surge de la química antes referida y no tanto de pensar en una estructura, ni nada de eso.

--¿Y a ese sonido lo encontraron en los recitales o en el estudio?

F.S.E.:--Lo encontramos en los ensayos. Nosotros somos los primeros fanáticos de la banda. Cuando empezamos a componer y a ensayar en mi casa nos mirábamos y sonreíamos diciendo “no puedo creer lo bueno que esta esto”. Pero no de una manera banal, sino que realmente nos gusta escuchar esto, hacemos lo que queremos escuchar.

--Volviendo al disco, ¿cómo se involucran en el proceso de grabación?

F.S.E.:--Al principio, en los primeros temas tomamos una posición pasiva, de decir “está bien, tenemos productor. Que él se encargue de la mezcla y de la producción en sí, de agregar samples, etcétera. Nos dimos cuenta que de esa forma se perdía la personalidad de la banda. A partir de entonces empezamos a involucrarnos más en lo que es la producción, en la mezcla más que nada, sobre todo después de haber grabado el tercer tema. Es la primera vez que grabamos de manera profesional, si se quiere decir. Es una banda que tiene un año, un año y pico. Aprendimos a grabar en el momento.

--Entonces, ¿más adelante ustedes pueden ser sus propios productores?

Y.G.:--Es lo que queremos. El segundo disco nos gustaría que fuera producido por nosotros.

F.S.E.:--Mas allá de que Matu Bk es un productor de puta madre y que, realmente, si él lo hubiera producido tal vez salía un mejor disco, o más original, tampoco queríamos perder nuestra personalidad.

Y.G.:--Así se aprende.

--A la hora de tocar en vivo, ¿la dinámica del disco como la trasladan?

F.S.E.:--Primero, al estar laburando en el estudio, te da la oportunidad de agregar determinadas cosas, como samples, programaciones. Se labura de una manera más integral, mas compuesta, más barroca. En vivo somos más sintéticos, no nos gusta usar pistas y queremos que sea todo más natural. Así que hay cosas que no pueden estar. Y esto desencadena en una forma de tocar “más rockera”.

A.B.:--Con el mismo tempo que en el estudio, pero con más fuerza. Cambia la intensidad.

Y.G.:--Por eso, en los últimos meses lo incluimos a Andrés para lo que es tocar en vivo, porque nos ayuda con el aporte de baterías, dándole más matices a la bases. Las bases rítmicas se mantienen, pero al integrar una mano humana adquiere otro matiz.

Le Premier Enfant sintetiza la electrónica con el rock. Así, la banda de Burzaco rompe con la recomendación de Pappo a DJ Deró (pibe, búscate un laburo honesto): funde ambas propuesta. “Más allá de que nosotros creo que utilizamos a la electrónica, no sé si nos consideramos una banda de ese estilo. Nuestro objetivo es, en realidad, ser una alternativa a lo que es la movida del rock, del indie rock, de lo que está sonando ahora en las bandas emergentes. Nosotros buscamos ser una alternativa y que la alternativa esté más allá de la composición y la creación, donde si confluyen elementos electrónicos”, esboza Saint-Esteben.

A.G.:--No está explotado mezclar la electrónica con el rock. Hay muchas bandas que meten un sintetizador pensando que hacen electrónica y siguen haciendo rock. En cambio no está explotado el tema de hacer electrónica pero desde una perspectiva mas rockera. Por lo menos acá.

Le Premier Enfant se encuentra grabando su disco debut en un momento de la historia donde el formato se ha convertido en un mero fetiche consumista, y donde el downloading aparenta ser imparable y una práctica irreversible. A años luz del conflicto Metallica versus Napster, hoy, propuestas como la de Saint-Esteben, Gladitz y Burztyn, miran con otros ojos que su primera producción sea descargada de forma frenética, y hasta ven un aspecto positivo en ello.

--Una banda que invierte tiempo y dinero en producir un disco, ¿con que ojos mira el hecho de que pueda ser bajado?

A.G.:--Ya desde el vamos la mitad de los discos van para regalo

F.S.E.:--Nunca nos pusimos a pensar en las ganancias. El punto es tener una obra propia, de sentirse orgulloso de estar contribuyendo en la música de un país donde siempre salieron bandas de la concha de la lora. Un disco nuestro va a estar, quieras o no, formando parte de un linaje que nos dejaron las bandas de los ‘60, que a su vez nos dejaron el legado de sacar discos. Yo quiero pertenecer a esa historia. Que haya gente que lo escuche, eso es lo importante. Nos importa más que se escuche. Además es estúpido pensar que no lo van a bajar, es más, pienso que sería un punto positivo que alguien quiera piratearnos, porque eso significa que alguien va a querer bajarlo. Si alguien piratea es porque hay demanda, y eso a mí me enorgullece.

A.B.:--Igual pienso que si a la gente le gusta, lo va a terminar comprando. Por ahí llega a sustentar parte de la grabación.

F.S.E.:--El disco funciona como una manera de hacerse conocer, como un virus que se va expandiendo. Después si a la gente le gusta nos va a venir a ver. De donde más rédito económico se saca es de las fechas. Por más que la gente sea reacia a pagar una entrada de 10 pesos, que es un 33,33 por ciento de lo que sale una entrada a un boliche. Uno está exponiendo música y arte, y son reacios a pagar eso, pero después viene cualquier banda de Inglaterra o Estados Unidos y pagan 400 pesos. Además son los mismos que después en la cancha cantan el que no salta es un inglés. Por otra parte, de esos 10 pesos, nos quedamos con nada. Hay gente que llega a un bar, ve que toca una banda y dice “¿sale 10 pesos? mejor voy al bar de la esquina a tomar una birra solo y a escuchar a (Ricardo) Montaner”. Somos el único país de Sudamérica que tiene 50 años de rock, ¿cómo puede ser que en la gente no exista todavía el impulso inconsciente de querer escuchar una banda? No lo puedo creer. Pero en cambio si pagan 50 pesos más un daiquiri para ir a bailar a un lugar de mierda donde te pasan los mismos temas todos los días.

Para Le Premier Enfant no existen los tabúes. Incluso se animan a contar los pormenores de una grabación donde el exceso de cannabis estuvo a la orden del día. Históricamente las drogas han impactado de manera explícita en la música, aportando atmósferas que solo pueden ser logradas alterando ciertos campos de la percepción. Por ejemplo, el ultra fumado Paul’s Boutique de los Beastie Boys, el estado de trance extático de Sreamadelica de Primal Scream o la dureza blanca de Raw Power de los Stooges. Pero ¿hasta qué punto influyen las sustancias?

Y.G.:--Las drogas estuvieron presentes en el disco todo el tiempo.

F.S.E.:--Imagínate entrar en un estudio, que se respira más marihuana que oxigeno.

Y.G.:--Salís de ahí con un olor a porro que es como tirarte Glade de cannabis. En el disco es inevitable que se vaya a notar eso.

F.S.E.:--Nos pasó varias veces que escuchábamos algo en el estudio, en ese ambiente y escucharlo después en tu casa tomando un tang y pensabas “¿esto grabamos?, ¿qué mierda pasó? Pasó muchas veces eso.

--Su sonido parece de otra época, remite a los ’80, ¿lo piensan como si estuvieran tocando en esa década?

F.S.E.:--Nuestras graficas están inspiradas en el arte ruso, en la modernidad, el constructivismo.

A.G.:--Somos nostálgicos de los ‘80.

F.S.E.:--Somos bastante románticos, sin ser retro. Lo bueno es la novedad. Obviamente, buscamos la novedad, pero hay influencias claras.

A.G.:--A las bandas metaleras que ensayan en la misma sala que nosotros les encanta la banda. Y ahí existe una conexión. Pero hay una diferencia, no apuestan a la novedad. Tienen una visión retro, romántica, pero sin ansias de cambiarla, mejorar.

--Es decir, están parados en 1984, como queriendo cambiar el futuro.

F.S.E.:--Claro. Somos como un DeLorean.

La izquierda se unió… en viñetas.-

2011-11-23T16:17:00.008-03:00

Nacida en el seno de la Facultad de Ciencias Sociales de la UBA, Comux es una publicación de humor gráfico que parodia a la realidad estudiantil universitaria y, particularmente, la militancia de izquierda de una manera antes inexplorada.

Por Nahuel Gómez
Fotografía de Federico Moscoso

Buenos Aires, noviembre 23 (Agencia NAN-2011).- Todo lo que involucra al ámbito de una facultad no se acaba una vez finalizada la clase. Tampoco cuando los estudiantes se vuelven a su casa o se van a laburar. La mayoría de los estudiantes se lleva consigo anécdotas --que todo espacio social posee-- o bien una buena cantidad de apuntes que, en muchos casos, emplea para entablar nuevas discusiones o hacer alarde de sus conocimientos. Siguiendo esta línea, las facultades de Ciencias Sociales, de Filosofía o similares tienen una particularidad: además de reinar en ellas un clima intelectual (no descartemos el prefijo “pseudo” para este último adjetivo) toma relevancia un pensamiento de izquierda o una militancia de izquierda que, al menos discursivamente, se manifiesta en cada pasillo y atraviesa todos los claustros.

Comux es una publicación de humor gráfico de distribución gratuita que surge para tematizar sobre la realidad estudiantil universitaria de una manera antes inexplorada. La revista apela en cada una de sus viñetas a situaciones comunes de la mayoría de los estudiantes universitarios haciendo especial hincapié en el humor de izquierda e intelectual, mejor dicho, en un humor crítico de “la izquierda” y de “lo intelectual” que rodea a la Facultad de Ciencias Sociales de la UBA. Nace en este ámbito en el año 2010, meses antes de la toma de sus edificios, evento que la catapulta al reconocimiento por parte de un gran número de estudiantes: la revista comenzó a distribuirse de mano en mano y de boca en boca en las asambleas.

Pero a no confundir: hacer humor crítico no es lo mismo que hacerle el juego a la derecha. Max Pérez Fallik, uno de los creadores de Comux, resalta esta diferenciación y aclara al respecto: “Dentro del staff somos todos muy diferentes: uno milita en Izquierda Socialista, otro es militante peronista, otros políticamente indefinidos. Hay de todo”. Y continúa: “nosotros hacemos chistes sobre lo que nos es más cercano. Le mostré la revista a mi viejo, que es militante de izquierda de vieja cepa y me dijo: ‘estás demacrando la imagen de la izquierda, no tirás nada contra la derecha ’. Y es verdad, no tenemos ningún chiste contra la derecha. Tenemos miles de chistes sobre la izquierda porque no hay ningún chiste sobre la izquierda. Nadie está metido en la militancia como nosotros, es nuestra realidad. Vivimos en una facultad de discurso de izquierda, hacemos referencia al paradigma en el que nos movemos”.

El staff principal de Comux, compuesto en su mayoría por estudiantes de Ciencias de la Comunicación de la facultad --aunque cada vez más se incluyen estudiantes de otras carreras-- emprendió la dura travesía de todo proyecto independiente, con una tirada inicial de 400 ejemplares totalmente autofinanciados, sin la ayuda de publicidad y repartidos sólo en la Facultad de Sociales. A pesar de todos estos obstáculos y la consiguiente precariedad de las publicaciones, la comunidad estudiantil recibió a la revista con los brazos abiertos. Con el impulso que les dio la toma de la facultad, sacaron un número especial dedicado a la huelga estudiantil y pudieron lograr un nombre --al menos dentro de Sociales, sus inmediaciones, el barrio y otras facultades como la de Filosofía y Letras de la UBA-- que les permitió salir a buscar anunciantes con más chances.

Otra de las claves que permitieron una mayor difusión fue la respuesta que se obtuvo por parte de quienes fueron retratados dentro de las historietas. Al ser una revista que constantemente hace referencia a personajes reconocidos de la facultad, como profesores y directivos, el despertar del interés por parte de estos fue algo que los editores tuvieron muy en cuenta. “Nosotros podemos repartir las revistas en los pasillos o dejar los revisteros en los centros de estudiantes, en esos casos un estudiante las recibe, las comenta con sus amigos y así crece el círculo. Pero con un solo profesor que la comente en clase, estamos ganando entre veinte y treinta personas que van a ir a buscarla; entonces, nos propusimos llevarlas a sala de profesores. La difusión creció mucho más gracias a eso”, comenta Max.

Este reconocimiento también les permitió acceder a un subsidio otorgado por la Secretaría de Publicaciones de la facultad, para el cuarto número de la revista, recientemente editado. “Fue sólo por una vez. Nuestro mayor desafío es el próximo número, porque este último lo hicimos con tapa a color, papel ilustración, y una tirada de 2 mil ejemplares, un numerito difícil de igualar” señala Fallik.

La buena onda tampoco se hizo esperar desde los compañeros del centro de estudiantes, quienes cedieron una de las paredes del espacio cultural del edificio de Constitución, para pintar en ella un mural, con un estilo que recuerda a la serie y revista ¿Dónde esta Wally? En el mural se esconden objetos característicos de la facultad, pero también personajes vinculados de alguna u otra manera con ella (desde profesores, directivos, estudiantes, hasta políticos y autores abordados en las carreras).

El lector que tiene en sus manos una Comux no debería esperar ilustraciones de gran calidad. La mayoría de los colaboradores no son grandes dibujantes, y los que sí se las arreglan en esas artes, tampoco lo hacen profesionalmente. La propuesta está abierta para quién tenga un chiste y quiera dibujarlo, siempre y cuando exista espacio para hacerlo. El que disfruta de esta publicación lo hace porque es cómplice de las situaciones que se presentan en ella, del lenguaje que se emplea, de los temas que se tratan o de las formas de contar y de ver un mundillo tan particular como el universitario. Es por eso que a veces se recrean chistes que parecen encontrar su gracia para un público claramente delimitado.

“Hay algunos chistes que mandan los colaboradores que tratan, por ejemplo, de una discusión de Althusser con Lacan, que entiendo yo y cinco flacos más. Y cuando el chiste se lo damos a alguien que no tiene nada que ver con la facu dice: ‘se nota que es gracioso, pero no lo entendí’. Entonces a partir de ahora estamos poniendo dos o tres chistes por revista que tengan humor bien clásico. La idea es ir abriendo los temas sin perder la especificidad, no queremos ser endógenos, aunque encerrarnos un poco le da un toque especial a la revista”, arguye Max.

Detrás del sol en Centro Cultural Islas Malvinas.-

2011-11-22T10:59:00.001-03:00

Chico Ninguno, Camión, La Patrulla Espacial, Reno, Antolín, Diegomartez, Cuco, Gustavo “Tano” Caccavo y Valeria Laferrara le rindieron tributo a Nick Drake a través de ocho canciones versionadas que conforman "Detrás del sol", un disco que reúne interpretaciones de las canciones del cantautor inglés.

Por Carolina Sánchez Iturbe

Fotografía gentileza de Nacho Babino

La Plata, noviembre 22 (Agencia NAN-2011).- Nick Drake es un nombre que no todos logran recordar. La depresión no vende y bueno, Drake y su música eran verdaderamente depresivos. Pero también eran profundos, especiales como la mirada de alguien que no quiere venderle nada a nadie. Así, cada tanto hay algunos pocos que se acuerdan de Drake, pensándolo como un genio al que tal vez ningún productor logró comprender lo suficiente. Y eso fue lo que pasó el viernes por la noche, cuando algunos músicos platenses creyeron que era momento de rendirle homenaje al muchacho inglés de ojos rasgados, versionando sus canciones para espantar al olvido.

Reunidos por De Garage, la publicación que se dedica a narrar la prolífica escena rocker independiente de La Plata, doce artistas emprendieron hace dos años la tarea de encontrarse con Nick Drake (o reencontrarse, si es que acaso tenían el placer de conocerlo), bucear en su breve pero fértil discografía, seleccionar una canción y adaptarla a sus propias sensibilidades y tiempos. Todo eso pasó y “Detrás del sol”, el disco que reunió todo ese trabajo, se grabó. Así, con las tintas frescas y la agitación tras la corrida que es necesaria para llevar a cabo cualquier tipo de producción independiente, más de un centenar de ejemplares del long play se distribuyeron orgullosos el viernes sobre una mesa junto a la entrada al auditorio del Centro Cultural Islas Malvinas y desde ahí esperaron a que los músicos revelaran lo que esa grabación guardaba.

“Al entrar en el mundo de Nick Drake, como me pasó al comenzar mi versión, es imposible no ponerse muy triste. Pero no es una tristeza común la que te regala su obra, sino una tristeza dotada de una belleza increíble que es difícil de alcanzar pero que vale la pena conseguir. Como entrar a un tren fantasma o a la casa del terror más hermosa del mundo”. Cerca de las 21 y desde un vídeo que se proyecta contra el escenario del lugar, Antolín cuenta su acercamiento a Drake. Junto a él, Buki Cardelino (Camión), Tomás Vilche, Koyi Kabutto, Reno, Tato Alcaraz (Chico Ninguno), Diegomartez, Leíto (Cuco), Gustavo “Tano” Caccavo, Valeria Laferrara y Juan Irio hacen lo propio. A lo largo de la proyección, en todos recae el peso de la tristeza y de la introspección del músico inglés, aunque también están presentes sus virtudes como guitarrista y la experimentación sonora que se permitía abordar.

Luego del vídeo de presentación, empieza la maratón. En menos de tres horas, nueve de los doce músicos del disco deberán tocar las canciones de Drake y algunos temas propios. Así, no es mucho el tiempo que Tomás Vilche se toma para acomodarse y, junto a La Patrulla Espacial --la banda que lidera--, interpretar una lograda versión psicodélica y en habla hispana de “Know”. Probando sonido a la par que la canción se desarrolla, la banda no termina de acomodarse cuando, tras interpretar dos de sus canciones, ya se tiene que bajar del escenario. A partir de ese momento, el tránsito es constante. Los músicos se mueven sobre el escenario al ritmo del reloj, a la par que el público entra y sale del auditorio para fumar algún que otro cigarrillo que nunca logrará terminar antes de que un músico nuevo se apostre en el centro de la escena del lugar.

De ese modo, el Tano Caccavo y Valeria Laferrara dan rápida continuidad a la noche de Drake desde dos sillas en las que se sientan para entonar, acompañados por el teclado de Leandro Giordano Echegoyen, la canción que le da nombre al disco: “Things behind the sun”. La afinada voz de Laferrara llena el espacio, conmoviendo a la par que cada una de las estrofas es pronunciada en inglés. Detrás de ellos, y durante toda la noche, proyecciones de imágenes de Drake entremezcladas con burbujas de colores y movimientos de árboles completan la escena. Poco después, Diegomartez, otro cantante que sorprende por las virtudes que resguardan sus cuerdas vocales, toma la posta dando vuelo a su interpretación de “From the morning”, una versión acústica que, al igual que la anterior, puede prescindir del exceso de sonoridades e instrumentos musicales sin, por ello, dejar la impresión de melodía desnuda en quien la oiga.

Hacia la mitad de la noche, llega Camión dispuesta a quebrar el tono intimista que Caccavo, Laferrara y Diegomartez habían logrado establecer. La creación de atmósferas asfixiantes que se acentúan con los golpes de las guitarras distorsionadas hace de “River Man” una de las versiones en las que es posible imaginar la densidad que podría haber sentido Drake inmerso en su introspección. Luego, es el turno de “Fly”, la canción a la que eligió ponerle su sello Antolin. Una vez más, el intimismo se apropia del escenario, mientras que el artista juega a entonar los versos como si se tratasen de lamentos. En el mismo sentido, lo siguen Reno y su versión ultra rasgueada de “Three Hours”, que sólo es interrumpida por la caída de un papel enorme que, desde el fondo del escenario, hacía las veces de pantalla gigante.

Cerca del final, Cuco se trepa al escenario dispuesta a interpretar “Pink Moon”. El grito gutural de Leíto, el cantante de la banda a la que alguna vez retaron por “hacer ruido” en Radio Nacional, despierta al público, obligándolo a mirar de frente el homenaje que se lleva adelante. Lo tribal pasa a ser protagonista, abriendo las puertas hacia la utilización de sonidos impensados que conducen hacia un cantar dulce que, de a ratos, estalla en gritos violentos. Después de presentar su versión de Drake, Cuco sigue con su ritual. Leíto se acomoda en el centro del salón y desde ahí invoca a Grace Zabriskie, una de las actrices de David Lynch, todo para luego volver al escenario y tocar una canción instrumental que parece electrificarlo al punto de hacerlo saltar. Con un público que de a ratos emite aullidos, la banda se despide y Chico Ninguno se hace cargo de la escena. Mixturando la electrónica que suele utilizar en sus composiciones con su costado más acústico, Tato Alcaraz (el cerebro de Chico Ninguno) realiza una versión en español de “Place to be”. La guitarra y el cello se encuentran con las programaciones que Paco Salazar dispara desde una computadora y nada desentona.

Después de la psicodelia, el intimismo, la densidad y el grito tribal, llega la esperanza mientras Alcaraz entona: “Cuando era joven, nunca vi la verdad colgando de la puerta; ahora soy más viejo y la veo cara a cara”. Como si después de que nueve músicos entonaran canciones dedicadas a él, Drake se atreviera a salir de detrás del sol y así, por fin dejarse ver.

Web: http://www.degarageweb.com.ar/

Libros: “Burocracia” (Santiago Ambao, 2011).-

2011-11-21T12:16:00.001-03:00

Ambao ofrece un universo sombrío, burocrático, clausurado, que reduce al mínimo la esperanza en el alma de quienes lo habitan. La historia, construida con reminiscencias a Huxley, Orwell y al vernáculo Arlt, se teje en base a paranoias y confabulaciones; intrigas políticas, crímenes e interrogantes existenciales. La oferta de Ambao es negra, como el género al que se adapta.

Por Esteban Vera

Buenos Aires, noviembre 21 (Agencia NAN-2011).-“¿Cómo podría un hombre, un mínimo engranaje de una maquinaria gigantesca y corrupta, mejorarla?” A partir de esa pregunta el escritor Santiago Ambao --con residencia en Barcelona-- desarrolla la trama de Burocracia (Gadir Editorial). Se trata de una novela negra ambientada en una distopía, es decir, un relato sobre el peor de los mundos posibles. El autor narra un universo sombrío, anclado en una ciudad imaginaria con trazos porteños y españoles, pero con un registro lingüístico rioplatense.

En esa ciudad, el Estado vigila y castiga a través de un aparato burocrático gigantesco ante el temor de supuestos ataques terroristas. “El fantasma de los portales (ventanas inexplicables que permiten escuchar conversaciones que tienen lugar en la ciudad) era más peligroso que los portales mismos”, conjetura el narrador. Pero además reprime y excluye del contrato social a deudores de impuestos y, sobre todo, a ancianos: los aísla en los márgenes de la ciudad.

Aunque la novela transcurre en años analógicos (no hay Internet, todos se comunican con telegramas), al leerla es imposible no mirar este presente, impregnado de los discursos de derecha sobre seguridad y vigilancia.

En esta ciudad, el poder es paranoico, kafkiano. Todos pueden caer en las redes punitivas y ser declarados culpables sin saber de qué se los acusa, como le sucede a Josef K, el protagonista de El proceso. La novela sigue la línea inaugurada por Un mundo feliz (Aldous Huxley), Fahrenheit 451 (Ray Bradbury) y 1984 (George Orwell), ficciones que plantean felicidad o libertad, aunque Ambao reformula: libertad o seguridad.

Isidro Rawson --perfilado con rasgos arltianos de Los siete locos, como la angustia existencial de Remo Erdosain-- es un inspector del Ministerio del Interior dedicado a verificar la presencia de portales sonoros y a determinar su grado de interés para la seguridad nacional. El control está en manos de un aparato burocrático que --en su faceta más represiva-- persigue a deudores, quienes son condenados a cárceles-fabricas o a la marginalidad en un barrio de “no ciudadanos”.

Y la historia, además, arriesga intuiciones literarias sobre como narrar una novela, algunas utilizadas por el autor en Burocracia. Una de ellas, las alternativas de varios desenlaces posibles. En esencia, es un relato distópico de paranoias y confabulaciones, respaldada por una historia de intrigas políticas, crímenes e interrogantes existenciales.

Photoheerholga: el arte de lo inesperado.-

2011-11-18T00:59:00.001-03:00

En plena era de la fotografía digital, una serie de pequeñas cámaras soviéticas de espionaje dio origen a un grupo de fotógrafos que reivindica una estética experimental con base en el rollo y el papel. Son fotos --alejadas de los cánones-- con distorsiones sutiles, efectos de luz y abstracciones. Se conocieron a través de Facebook y comparten experiencias, inquietudes, data y trucos. “La cámara tiene una estructura que te permite obtener resultados diversos. Nunca sabés bien cómo va a quedar la foto”, ilustran.

Por Laura Bernatené
Fotografías gentileza de María Belén Cean (1) y Pablo "Fotogramas" Raele (2)

Buenos Aires, noviembre 18 (Agencia NAN-2011).- En la era de las comunicaciones es en vano sostener que las relaciones también se tejen a través de Internet. Photoheerholga es un ejemplo: nació de la mano del fotógrafo Fredy Heer, atraído por la lomografía (fotografías tomadas por una pequeña cámara creada durante la Guerra Fría para los agentes de la KGB) y, sobre todo, por las cámaras Holga (pocket chinas de buen rendimiento pero de baja calidad) creó un grupo en Facebook para compartir experiencias, inquietudes, data y trucos. Son 100 seguidores, algunos amigos, que comparten su entusiasmo por estas fotos inusuales, de colores y abstractas, alejadas de los cánones. Mientras preparan una muestra en el Imaginario Cultural (Bulnes y Guardia Vieja, Ciudad de Buenos Aires), Pipy Lupindo, Florencia Pagano, Ceci Martínez Amanzi, Shavi Alli, Mariela Bú y Pablo “Fotogramas” Raele, se reunieron con Agencia NAN para sumergir a sus lectores en la foto experimental.

Lomo… ¿qué?
En el ambiente de la fotografía, la palabra hace estallar una tormenta de ideas que remiten a colores saturados, filtraciones de luz, imágenes surrealistas, experimentación y diversión. Pero, ¿de qué se trata? La lomografía es un movimiento internacional que nació de casualidad, cuando Matthias Fiegl y Wolfgang Stranzinger, dos estudiantes vieneses de arte, hallaron en un pequeño local de saldo una Lomo Kompakt Automat. Deslumbrados con esa pequeña cámara soviética, capaz de registrar color y movimiento, sin necesidad de flash y sin ninguna deformación, comenzaron a tomar fotos sin más, y al revelar los rollos quedaron sorprendidos por la atmósfera única en las fotos impresas. Los muchachos comenzaron a promocionarla en su país a través de la Sociedad Lomográfica: un nuevo estilo estaba naciendo.

Pero, ¿de dónde habían salido estas cámaras? Lomo son las siglas de Leningrandeskoye Optiko Mekhannichskoye Obedinyeniye (en español, Unión de Ópticos y Mecánicos de Leningrado), una fábrica rusa que nació en los comienzos de la Primera Guerra Mundial para fabricar instrumentos ópticos para la armada. En los ´70, la factoría vendía telescopios, equipos para la marina, componentes de cohetes y... cámaras de fotos. “El origen de la cámara tiene un concepto medio comunista. Fueron hechas con materiales muy baratos para que todo el mundo tuviera acceso --reseña Pipy--. Y al ser una cámara económica, con lente de plástico, la estética era berreta y la gente no lo usaba. Ahora remontó como algo kitsch.”

Sus componentes y ensamblaje provocan que al obtener la copia algunos resultados no cuadren en lo “normal” y esperado que se obtiene con otra cámara. Las imágenes no tienen una nitidez lograda, se forma un oscurecimiento en forma de círculo negro hacia los bordes (en la jerga, viñeteo), las filtraciones de luz dan diferentes efectos, y se pueden lograr imágenes superpuestas disparando sin haber corrido la película. Hoy hay modelos: panorámicas, con flashes de colores incorporados, con lentes súper angulares (ojo de pez) y con más de un lente incorporado.

La tía Holga y sus sobrinos
Photoheerholga es coordinado por el fotógrafo Fredy Heer, quien quiso compartir su pasión por estas cámaras y se fue poniendo en contacto con “amigos” que en un principio no se conocían, pero que compartía la misma curiosidad.

--¿Cómo es el grupo?
Ceci Martínez:--El grupo es como una clase constante. Cada uno experimenta con la cámara desde su óptica y su forma. Es un flash. Es arte que todo el tiempo se está actualizando. Es un grupo donde no hay lados oscuros u ocultos. Por ahí alguien probó superponer un poquito menos y te dio un efecto de no sé qué. Uno pregunta “¿cómo lo hiciste?”, y lo decís. No es un secreto con autor y firma. La verdad es que da la casualidad de que nosotros somos los que más nos vemos y se empieza a generar esa cosa medio de amigos que comparten esa cosa que nos mueve desde adentro.
Pipy Lupindo:--Los loquitos por las fotos somos pocos. No lo podés hablar con cualquiera. Y a veces está la necesidad de juntarse con gente que está en la misma.
Florencia Pagano:--Hace que no te quedes estancado. Hay cosas nuevas, planeás hacer algo con alguien. Charlás de esos pequeños inconvenientes o de las cosas que te pasaron. Nosotros no tenemos edad, estamos todos juntos y tenemos un tema en común que nos encanta. Y qué mejor que hablar de algo que te gusta. Es genial, sabés que siempre la pasás bien.
Shavi Alli:--Una de las cosas buenas del grupo es que no se encasilla en la lomografía estrictamente ni en la fotografía purista, sino que da lugar a todos. Si hay alguien que dispara por disparar y, aunque a mí no me gusta, está bien que los dos podamos convivir sin que sea una cuestión estructurada.

--¿Qué les llamó la atención de estás fotos?
F.P.:--Lo inesperado y el tener que esperar. Tardás uno, dos, tres meses en terminar un rollo. Te olvidás, después revelás, y tenés la sorpresa, lo inesperado. Te olvidaste de correr el rollo y se te superpusieron dos fotos y quedaron geniales. Todo es un conjunto de cosas que esta cámara te permite y que quizás otras no.
Mariela Bú:--Lo incierto: la cámara tiene una estructura que te permite obtener resultados diversos. Nunca sabés bien cómo va a quedar la foto. Yo por lo menos no estoy esperando el momento justo.
P.L.:--Lo mejor es que todos tenemos historia detrás de alguna foto. Es como querer complicarte un poco la vida meterse con estas cámaras.
C.M.:--¡Además, Holga es como una prima!
S.A.:--Una tía.

A veces sus amigos preguntan por ella como si fuera una persona, como si tuviera vida propia. La idea de que lleve un nombre no es para nada descabellada si se tiene en cuenta que muchas de las características de las fotos surgen del azar y de las características de cada cámara. Photoheerholga está asociado con la lomografía y comparte con este movimiento uno de sus atributos más importantes: la experimentación. Sin embargo, el grupo no funciona como una “sucursal” más y al citar algunas de las máximas que figuran en el decálogo lomográfico, como “actuar rápido”, “no pensar”, “disparar desde la mano y no desde la cámara”, los miembros del grupo toman diferentes posturas. Shavi es tajante: “Para mí el grupo Photoheerholga no es Lomografía. La lomografía es otra cosa”.

Sus colegas admiten una escala de grises, pero coinciden en la regla número uno: “Lleva siempre la cámara contigo”. Es decir, estar siempre preparado para hacer fotos, en cualquier momento para poder disparar, hacer de la cámara una parte del cuerpo, del ojo un instrumento para mirar, y de la fotografía un estilo de vida. Su pequeño tamaño, su peso liviano y que no necesita lentes, facilitan la misión del fotógrafo. “Yo creo que lo interesante es no encasillar. Lomografía, no lomografía. Es fotografía. Punto”, sentencia Shavi. “Una Holga sale lo mismo que un kilo de bola de lomo”, compara Pablo para intentar establecer una relación entre las cámaras y el movimiento.

El mentor
Shavi, quien hizo solamente un rollo con Holga, admite que no hubiera sacado fotos con esta cámara si no hubiese sido por Fredy Heer. “Yo me siento casi afuera porque soy muy nuevo en lo que es la fotografía Holga. Y los escucho a ellos y es la tribu de la Holga. Como toda tribu, uno siente que hay alguien, un cacique, que armó una choza y todos vamos ahí. Y ese cacique es Fredy”. Fredy Heer es un fotoreportero con más de treinta años de profesión. Aunque la primera Holga la compró en Nueva York en 1997 no la usó mucho, hasta hace uno o dos años atrás cuando una alumna lo animó a hacerlo. Se fascinó tanto que empezó a traerlas desde China, y de ahí al grupo.

Tres sillones, una banqueta y varios fondos sin fin enrollado por encima de la puerta. El estudio de Fredy ocupa la habitación delantera de su casa en un tercer piso de la avenida Scalabrini Ortiz, o la Canning de los porteños melancólicos. Un cocker café con leche deambula entre las plantas, los libros, las pinturas y las fotografías y cámaras de todo tipo, mientras Fredy coloca tres de sus fotos hechas Holga contra el sillón. El Mercado de las Pulgas, un club de barrio y un paisaje marplatense inmortalizados en forma cuadrada, blanco y negro, montados sobre cartón.

--Pero… ¿fueron sacadas con Holga?
Fredy Heer:--Sí, sí, todas. Lo que pasa es que algunos sacan con Holga así todo… con doble exposición y cosas así... Y yo saco más derecho. En la muestra voy a poner una foto que hice con la cámara vieja, que es igualita, solamente que no tiene algunos detalles. Pero sí le entraba más la luz. La Holga a la que no le entra luz no es Holga, y por eso estas fotos no parecen de Holga.

La fotografía de Fredy es más purista y menos experimental. Las imágenes en blanco y negro tienen un contraste perfecto, así como la composición, mientras que la luz tiene la medida justa, una nitidez perfecta. En resumen, hay una intención y un resultado buscado. De lo inesperado, nada. Entonces, ¿cuál es la razón de usar cámaras Holga? “El objetivo es la imagen. Yo hago un retrato, si lo hago con la Holga o con la digital no importa. ¿Te gusta la foto? Y bueno, qué te importa con qué está hecha”, explica el fotógrafo.

--¿Qué le permite una Holga?
F.H.:--Permite meterse en un mundo de no disparar inútilmente muchas fotos. Yo tengo amigos que trabajan en France Press. Y van a la casa de gobierno y de golpe sacan 500 fotos en una reunión de Cristina (Fernández), y de golpe tienen una foto linda de ella, con una morisqueta. Y digo: “¿La viste?”. “No”, responden. La gente no piensa más porque como saca tanto le parece que alguna va a salir linda.

Un proyecto sin límites
Fue el espíritu viral contagioso de Facebook por el que el grupo comenzó a expandirse hasta contar con cien integrantes. Una muestra a mitad de año, una próxima que tendrá lugar el 1° de diciembre próximo y, como si fuera poco, también un libro. Lo que en un comienzo fue algo pequeño, poco a poco fue creciendo. Dejó de tener un tinte más casero y, por el boca en boca, dejó de ser algo de unos pocos locos para ser el interés de muchos. “El grupo está en un momento en el que para pueda seguir adelante se tiene que transformar en un colectivo donde no sea sólo uno el que lleva la mochila sino que haya varios que lleven la mochila juntos”, analiza Shavi

--¿Qué pueden adelantar de la exposición?
F.H.:--En la muestra no hay curadores. Vienen ponen la foto que quieren, cuanto mucho me dicen “che, cuál te parece”, pero no quiero ser el rey. Soy un apasionado. Empecé en el ‘64 y no dejé nunca. No voy al baño sin una cámara, si tengo que pasear al perro a las 7 de la mañana llevo la Holga. Y digo “mirá si hay un muerto en la calle, un auto antiguo.... no concibo la vida sin una cámara”. Aquí nadie paga más que la copia que hacés.

Son pocos los lugares --casi ninguno-- donde los fotógrafos apasionados por este tipo de fotografía pueden reunirse. Mientras que el Malba reclama la exclusividad de la marca Lomografía, restringiendo los usuarios, el grupo está abierto para que cualquier interesado pueda hacer su aporte y servirse de las contribuciones de los demás. “Hay una movida re fuerte con estas cámaras. El otro día iba en el subte --cuenta Ceci-- y un chico sacó su Diana. Hay un interés real y por ahí estaría bueno que estemos nucleados.”

Espacio Disparate, en “momento de cosechar”.-

2011-11-16T01:59:00.001-03:00

Este espacio multifacético de Lanús este opera desde la “resistencia”, sostiene Mariana Ortíz Losada, una de las fundadoras de la compañía teatral. Su nacimiento fue un “disparate” para su época –la del reinado de Quindimil--. Hoy cuenta con 200 alumnos.

Por Natalia Arenas
Fotografía gentileza de Espacio Disparate
Buenos Aires, noviembre 16 (Agencia NAN-2011).- No hay posibilidad de equivocarse. Saliendo de la estación de Lanús hacia el lado este, cuando uno dobla en Sitio de Montevideo al 1200, una casona vieja, con prolijos tonos naranjas y amarillos, se asoma entre los impecables edificios que parece estrenar el barrio. A lo alto --aún más alto que la enorme puerta-- un cartel luminoso anuncia: Espacio Disparate.

El “Disparate Violeta” se constituyó hace 11 años como una compañía de teatro y afines. Y es esta última palabrita un concepto fundamental para contar lo que hoy son. Y lo que hacen, porque, en definitiva, si hay algo que lograron durante todo este tiempo es hacer lo que son y ser lo que hacen. De eso se trata la autogestión, después de todo.

Después de pasar seis años de prestado en la sede de SUTEBA de Lanús y deambular por otros espacios con talleres y espectáculos para niños, surgió la necesidad del espacio propio. Y encontraron la casa que hoy alquilan y habitan como grupo. Una casa tipo chorizo, inmensa, con varias habitaciones y un pasillo amplio que es un patio, con baldosas negras y blancas. Unos metros más arriba, enredada en si misma y ocupando parte de las paredes enfrentadas, la parra, bajo la que pasan frescos momentos de mate y charlas al aire libre.

“Iniciamos la empresa de montar, en principio, la casa del grupo. Pero a partir de la estructura de esta casa, enseguida el proyecto creció y ya teníamos en la cabeza un centro cultural, que es lo que hoy, seis años después de ese ímpetu, somos”, cuenta Mariana Ortíz Losada, una de las fundadoras de la compañía. En el “Dispa”, como se escucha a Mariana llamarlo, se dictan talleres no sólo de teatro, sino también de música, trabajo corporal y artes visuales. La “casa de artes” cuenta, además, con lo que le da continuidad de ser al grupo teatral: una sala de teatro.

“De entrada, fue una propuesta muy bien recibida en el barrio y eso hizo que se pudiera sostener y autogestionar, porque no fue sólo un sueño, sino que fue más bien una necesidad para poder darle cauce a un montón de trabajo que ya existía”, detalla Mariana, aunque reconoce que sostenerlo “siempre es una remada”. Porque, claro, la autogestión en si misma lo es.

El Disparate cuenta hoy con unos 200 alumnos, en su mayoría niños. Se autoproclaman el único espacio independiente del distrito y acusan una larga militancia sobre tablas.

--Hace poco hablamos sobre la Red Teatral Sur y, al referirte al Espacio Disparate, lo definiste como un espacio de resistencia. ¿Un espacio de resistencia a qué?
--No sé si ahora es un espacio de resistencia (risas). La militancia artística en el Conurbano creo que es un espacio de resistencia, no sé si específicamente el Disparate. Compartimos esta cosa de la invisibilidad, del prejuicio. Hay que resistir el prejuicio del que te dice en la cara “en Lanús no hay nada” y vos estás hace 12 años remándola. O el que te dice “yo me voy a Capital, porque lo que hay acá es malo”. Como si no hubiésemos estudiado todos en los mismos lugares. La mayoría de los artistas del Conurbano nos formamos en Capital. Decidir invertir, apostar y replicar esos saberes en el barrio de uno en el medio de callecitas donde no hay carteles ni marquesinas es una militancia… y fue una resistencia. Tal vez ahora estamos más en un momento de cosechar, pero la siembra fue en circunstancias adversas, es cierto.

--¿Cuál es la vinculación entre lo disparatado y lo artístico?
--Disparate Violeta es un nombre que inventamos, fruto de un cadáver exquisito. Lo inventamos con Juan Cruz, el hermano de Sofía, mi hija, cuando él era chiquito. Es una raíz que tiene que ver, tal vez, con un posicionamiento artístico. Es un juego surrealista, un punto de vista que nosotros tenemos. No por definirnos surrealistas, pero sí por estar muy ligados al absurdo y al juego con las formas como artistas. De ahí viene Disparate Violeta que tiene el chiste de no tener nada violeta en su logo ni en su imagen. Espacio Disparate alberga a la compañía, es un nombre que pensamos con mi hija Sofía, de diez años. La génesis de este proyecto tiene un espíritu muy familiar. Algunos éramos familia desde antes y otros nos constituimos como familia en todo este tiempo.

--¿Qué recordás del momento en que surgieron?
--Lo disparatado implica cierta cosa de aventura, de asumir empresas disparatadas. De por sí, pensar un lugar como Disparate en el momento en que lo pensamos en Lanús era un disparate. En esa época, en Lanús estaba (el ex intendente, Manuel) Quindimil, no había espacios culturales, nosotros trabajábamos como payasos contratados en la Secretaría de Cultura, donde siempre nos trataron muy bien, pero el proyecto estaba muy invisible porque no les interesaba dar difusión y no había una gran inversión ni de dinero ni de energía en lo cultural. Era un disparate poner un espacio cultural en Lanús, con tanta puerta cerrada como había. Ahora es distinto. Y no es casual, me parece. El país es distinto ahora. Hoy sigue siendo bastante disparatado para nosotros sostener la sala de teatro y, tal vez, la escuela de teatro está súper instalada como una opción del distrito. Somos un referente de lo que es la vida cultural de un distrito, que es chiquito a nivel superficie, pero somos muchos, es fácilmente abarcable la oferta que hay.

--En cuanto a esa invisibilidad, ¿qué estrategias utilizan para hacerse visibles?
--En principio, siempre fuimos muy transparentes sobre cuál era nuestro modo de laburo. Nosotros damos talleres de educación por el arte, no formamos niños actores, no trabajamos con la expectativa de que los chicos hagan castings y sean estrellitas. Ese es nuestro posicionamiento ideológico con respecto a la formación artística, que hizo que circulara un boca en boca claro, porque era una propuesta que no existía en el distrito, con esta estructura institucional. Nosotros invertimos mucho dinero en que nuestra gráfica sea representativa y en comunicarle a la gente quiénes somos. Los primeros años explicamos mucho cuál era nuestro posicionamiento ideológico en cuanto a la educación artística, hoy ya no necesitamos hacerlo, la gente que viene sabe adonde viene. También abrimos mucho las puertas a los vecinos, todos los años hacemos una fiesta a fin de año, cortamos la calle y recalcamos: “acordate que acá a la vuelta hay un espacio donde encontrarte, un lugar donde tomar un taller de arte o ver una obra…”. Tratamos también de recepcionar qué es lo que está pidiendo el barrio.

Con precios populares (“entendemos que el barrio no puede bancar una entrada de 30 pesos para un espectáculo infantil”), el Dispa se sostiene como escuela de artes y, de a poco, también se va instalando como la opción para ver una buena obra cerca de casa. Los disparatados, chochos. “Tal vez no vivimos específicamente de la actuación, pero sí podemos decir que vivimos del teatro: de dar clases, de pensar proyectos, de dirigir, de armar, de gestionar”, relata Mariana y define, tal vez sin proponérselo, el perfil del teatrero del conurbano. Como lo serán algún día los que andan por los pasillos del Dispa, estudiando, practicando, aprendiendo. Ahí, a pasos de la estación.

*Espacio Disparate está ubicado en Sitio de Montevideo 1265, Lanús Este. Teléfono: 4241-6975.

Visitas en IMPA Fábrica Cultural-.

2011-11-15T00:43:00.001-03:00

Con elementos sorpresa que dominan toda la puesta, el primer espectáculo de la compañía Las Lacias --formado por las actrices Josefina Recio y Jimena González y el director Matías Nan-- combina el uso poético del espacio y la iluminación con escenas claramente delimitadas en las que se representan personajes incomprendidos y fantasmáticos.

Buenos Aires, noviembre 15 (Agencia NAN-2011).- Si un adjetivo le cabe a Visitas, primer espectáculo de la compañía Las Lacias, es“inesperado”. Esa palabra llena de misterio representa lo que pasa en la obra desde el primer momento, desde antes, incluso, de entrar en la “sala”. Las comillas no son casuales: la sala es el tercer piso del IMPA Fábrica Cultural, que a la medianoche no es nada agradable y menos si se tiene en cuenta que la única luz que conduce al público hasta allí es la de una linterna gastada de una actriz/ayudanta que simula ser una enfermera (se agregarán más a lo largo de la función). Lo que viene no es mucho más deseable: esa misma enfermera anuncia que está próxima la entrada al hospital (escenario ficticio de la pieza) y que hay que agarrarse de las manos y caminar todos juntos “por las dudas”.

Protagonizada por Jimena González y Josefina Recio y dirigida por Matías Nan (!), Visitas acerca a un mundo poco conocido: el de seres incomprendidos, fantasmáticos, solos. Mujeres al borde de un ataque de nervios y también mujeres nerviosas que atacan los bordes, aquellos delgados límites entre la vida y la muerte que hacen pensar que nunca es suficiente para recuperar un alma agonizante. Así, con brillantes actuaciones en todos los casos, las actrices se van corporizando en distintos personajes –en algunos casos hacen intervenciones juntas, en otras pequeñas escenas solistas con monólogos bien logrados- que habitan todos los rincones de ese oscuro y silencioso hospital (mental). Personajes que se van sucediendo en la oscuridad (hay un uso de la iluminación que acentúa lo poético de la pieza y le otorga sentido), y a los que los espectadores deben seguir, deambulando de pie junto a ellos por la sala.

En las escenas en las que trabajan juntas, González y Recio interpretan a una dupla de doctora y enfermera (van rotando los roles) que conversan, hacen participar y hasta incomodan --aunque siempre con humor-- al público, que durante todo el espectáculo debe tener un rol activo si no quiere perderse del efecto de ninguno de los elementos de la representación, que son varios y combinados entre sí de manera orgánica e inteligente. En las escenas en las que trabajan por separado, cada una se luce con un personaje muy distinto al anterior, donde la voz y la palabra, pero también la caracterización (se destaca, en este punto, el uso de pelucas de todo tipo), tienen un papel fundamental. Escenas en las que el hospital se ve desde otra óptica, desde un lado B, que sin embargo no es más que la realidad de lo que pasa dentro de las paredes de esa institución tan tenebrosa.

Lo más inesperado, más allá del lugar, la oscuridad, las abruptas apariciones y los ruidos de las máquinas de otras salas de la fábrica (ah, sí, porque de noche el IMPA no duerme), son sin dudas las apariciones, cortas, inesperadas, de “las lacias” (se entenderá, una vez que se vea la pieza, el porqué del nombre del grupo) en estado de trance, caminando el silencio hacia una nada que ni siquiera ellas registran. Es en esos momentos en que el público está más desconcertado, pero seguro de estar viviendo una experiencia que excede por mucho lo puramente teatral.

Con todo, Visitas es una puesta difícil de digerir, lo que no quiere decir que no sea placentera. Lo es, y eso es gracias a sus logros escénicos y de dirección: arriesgado uso del espacio y la iluminación, correcto manejo de los tiempos (y climas) dramáticos, astucia en la manera de contar historias que en realidad son más radiografías de personajes que paquetes cerrados de relatos coherentes y manipulación de lo inesperado. Ese maldito adjetivo que no deja respirar hasta que la enfermera se pone nuevamente al frente de la fila para conducir la salida.

*Visitas se exhibe los viernes a las 23 en IMPA Fábrica Cultural, Querandíes 4290, Ciudad de Buenos Aires

Por Paula Sabatés
Fotografía gentileza de Sebastián Videgaray

Discos: “Reina y los Cancheros del Mundo” (Las Cancheras, 2011).-

2011-11-14T14:25:00.001-03:00

Un grupo de jóvenes reunidos por el amor en el barrio, el amor a la música, el amor en el Tío… Un grupo de jóvenes reunidos alrededor de una Reina (Ledesma) de la brevedad, de la intensidad; una reina que da vuelta las trilladas historias de romance en 19 minutos.

Por Luis Paz

Buenos Aires, noviembre 14 (Agencia NAN-2011).- En un gesto estridente contra la lógica de las telenovelas, a Reina le bastan 19 minutos para contar al amor, la paranoia, el miedo, los celos, la altura, el vicio, la soledad, la necesidad, el orgullo, la sexualidad, el embole, la humillación y el disgusto. Reina Ledesma hace unas canciones tremendas en las que la mitad del cuento no está dicho en las canciones, sino en esa manera brava de encararlas, con una altura imponente y una clase total. Ella es una veinteañera que vive en una villa y hace canciones. Zonas menos y más bravas del sur del conurbano bonaerense aportan músicos a este disco con canciones tan buenas y tan fuertes, en una o dos bandas (Las Cancheras/Los Cancheros del Mundo) variables de chicas y muchachos de la zona, flotadores de ese huracán creativo que tiene su ojo en el Tío Bizarro, y que se bifurca en remolinos cerca de las estaciones de GNC con playeras en calzas blancas que la capital no tiene.

“Sos el chico lindo más listo del barrio”, dice Reina. Y uno la adora (uno que es chico y de barrio) por lo sencillo que le resulta conmover. O sea, la chica está destacando de un barrio --en donde las normas dicen más o menos que si hay un chico listo o un chico lindo, lo más probable es que sea un boludo-- al chico más listo entre los más lindos. Y ahí, el chico pasa a caminar orgulloso su vecindario. Es toda una hermosa historia contenida en un, dos, tres, cuatro, cinco, seis, siete... ocho palabras.

Todo suena tan bien de la mano de este piberío talentoso y vecino, que incluye dos generaciones. Santiago Rial Ungaro (ex Perdedores Pop en DChampions y co-compositor de las canciones), Juan Manuel Posse Achorena (Copiloto Pilato, DChampions), Francisco Viggiano (Cnnbs), Nicolás y Tomás Corley (los hermanos Rex de Los Reyes del Falsete) y su compañero Juanchy Manchy, Las Cancheras (Magui Jones Visconti, Marian Agalastino, Stella Maris Previsdomini) y otras cancheras del mundo como Micaela Torres, Flor Anaya y Lula Morales tocan en él. En la técnica, Pity, los Rex, Matu “BK” Naso y Amílcar Amarante (Temper) grabaron, mezclaron y masterizaron de modo aleatorio y epocal aportando sus sellos. Y una tapa fantástica de Gastón Olmos (107 Faunos). En Reina y los Cancheros del Mundo hay casi veinte jóvenes que, si de pintar aldeas se trata, dejarían piola cualquier barrio, cambiando sus reglas para siempre y a favor de las generaciones futuras.

Reina firma “Naranjas”, una vitamínica psicodelia sobre la composición o una composición sobre la psicodelia o las dos. También “Palabras raras”, canción breve y canto a la brevedad que usa su puente de estribillo, un único estribillo, en algo que funciona en las teleseries pero las telenovelas no perciben: algo tan pichi como intentar cambiar el orden de unas cosas para ver qué sale. Este disco parece, suena y, de hecho, es el fruto de un juego de amor y creación por parte de un grupo de artistas, que en vivo puede abrir el notable poeta Nicolás Domínguez Bedini. Este disco parece, suena y, de hecho, es el arte de la creatividad para unos enamorados jugando en grupo. No importa: es una gran historia, tiene final abierto y sus páginas de educación sentimental.

Con Santiago Rial (Santi Amor) asientan belleza en “Como una guitarra” con dedos como telarañas, cuerpos como guitarras y Reina tocando notas de amor, tocando melodías de pasión. A él le dedica “Multicolor”, ese tema con dopamina por la nueva década sobre el chico lindo más listo. Luego de pasearse cachonda y oronda por “Miel”, vuelve sobre aquella idea del mañana del amor en “La nueva primavera”, poniéndole los puntos al mundo sobre música disco de fogón en la calle: “Querés comerte a mi novio pero no lo vas a lograr: yo estoy bien y vos estás desesperada. La nueva primavera viene de la mano de mi amor. Soy tan floral, soy tan frutal”. Y “Multiorgásmica”, sí, sí. En un país canchero, con este disco, Reina sería la ídem de los carnavales del verano.

http://www.myspace.com/reinayloscancherosdelmundo

Puel Kona: “Un pueblo que pierde la alegría está condenado a desaparecer”

2011-11-11T00:13:00.001-03:00

Puel Kona es más que una banda de ska-rock formada por siete miembros de la comunidad mapuche neuquina: se trata de un colectivo de comunicación y arte que lleva el mensaje de los pueblos originarios por todos los frentes y continúa la lucha desde la cultura.

Por Guillermina Watkins

Fotografía de Claudio Espinoza

Neuquén, noviembre 12 (Agencia NAN-2011).- “A nuestra generación le tocó la tarea de recuperar el orgullo de ser mapuche. De reconstruir esa identidad que fue devastada con la llegada de los españoles, con las `conquistas´ del siglo XIX y también con el olvido y la represión silenciosa durante el siglo XX. Todas esas generaciones vivieron la peor parte: el destierro, la marginación, la pobreza absoluta. Nosotros la vamos recuperando al volver a hablar Mapuzugun, recuperando las ceremonias, haciéndonos visibles desde diferentes expresiones de la comunicación”. El encargado de resumir el espíritu de este puñado de jóvenes --que no sólo le dan vida a Puel Kona, la banda de ska-rock que sorprende a la sociedad neuquina, sino también a un colectivo social, político y artístico que lleva adelante la lucha de los pueblos originarios que viven por la zona-- es Lefxaru Nawel (guitarra y voz). La música, las tecnologías, el cine y la comunicación, son los vehículos que los “Guerreros del Este” utilizan para llevar adelante su resistencia pacífica, como tradición histórica y genética. Y, como forma de volver a levantar el puño en sociedad, se presentarán el sábado en el Teatro del Viento, para desplegar su mixtura de sonidos que incluyen instrumentos occidentales y otros tradicionales.

A orillas del Río Limay

“Sos nuestra Colón”, arenga uno al enterarse que esta cronista los “descubrió” de casualidad una noche, de las tantas frescas por el sur, cuando estaban tocando. Casualmente, ya los conocía. Pocas semanas atrás, muchos habían sido miembros activos del Primer Festival de Cine Indígena en la Patagonia, organizados en el Centro Kona Producciones, que le dio vida a tremendo proyecto. Ellos también llevan adelante la Mapu Radio desde la Ruca (casa), donde se brinda educación mapuche a los miembros del Lofce Newen Mapu (comunidad “Fuerza de la tierra”), y participan de cuanto espacio, momento o lugar aparezca para defender sus derechos.

“Y sí –comienza a pensar al aire Kurruf Nawell, o “viento y tigre” en nuestro idioma, que es el encargado de ejecutar el sikus, la xuxuka y el xompe y tiene un rol fundamental en la Patagonia como parte de la Coordinadora Latinoamericana de Cine y Comunicación de los Pueblos Indígenas. Nos robaron el territorio, la lengua, pero no la alegría. Porque un pueblo que pierde la alegría está condenado a desaparecer. Entonces, si hoy estamos vivos, es porque nuestros abuelos, que se quiebran y lloran al hablar, nos siguen contando nuestra historia de lucha y resistencia, pero también de felicidad. Por eso los Puel Kona luchamos desde la diversión”.

A orillas del Limay, en ese río que deviene justamente de una leyenda mapuche de desamores y peleas, Ayliñ Ñamkucev (voz y Kulxug), Malen Nawel (saxo y coros), Amaru Nawel (teclado y coros), Umawtufe Wenxu (bajo) y Antu Kuruwala (batería), desandan su historia y su camino musical que combina a la perfección el ska, el rock, el punk, el reggae, el hip-hop, el reggaetón y el chamamé.

Como hermanos

“Nos conocemos desde chicos porque todos somos miembros del mismo Lofce (comunidad) que es la que h abita la zona de Neuquén. Después de cumplir horario en las respectivas escuelas, nos encontrábamos en la Ruca y tomábamos clases de idioma, telar, alfarería, etc. De más grandes, en 2008, y como muchos tocábamos instrumentos, decidimos armar una banda que fusionara la música de nuestra generación con un mensaje sobre la lucha de los pueblos”, agrega Lefxaru Nawel o “Carancho Veloz”.

Sus letras hablan de la historia. Una historia triste, de desarraigo. Sin embargo, también hablan del presente porque “están acá, en este tiempo y en este espacio” y ése es uno de los mensajes que quieren llevar adelante, según acota Umawtufe o “Dormilón”.

“Una de las canciones nuevas retrata algo que han atravesado todos los jóvenes de nuestro pueblo: la aculturación. Un ejemplo de eso es como un niño mapuche es obligado a asistir a la escuela, aprender un idioma que no es el suyo y que lo que le enseñen no tenga nada que ver con lo que él ha aprendido toda su vida. Por eso, sostenemos y creemos que nuestra principal lucha será la de recuperar nuestra identidad”, agrega Amaru Nawel o “Serpiente en quechua”.

En sus letras también se reflejan cuestiones culturales más generales, como en la canción a la “Wenu Foye” (la bandera nacional mapuche), o la problemática del territorio y los invasores (huincas).

Además, el año pasado, colaboraron en el que será el disco de Noelia Pucci (cantante neuquina que emigró recientemente a Buenos Aires para formar parte de Goy & Los Cagrejos, ex Karamelo Santo), en una canción que combina Mapuzugun con castellano.

“La letra la hicimos en conjunto para el 25 de noviembre, Día de la no violencia hacia la mujer, y habla sobre que así como de la naturaleza brotan las diversas vidas, de las mujeres brotan los hijos y la fuerza, por eso los invasores les temen”, agrega la hermosa Ayliñ Ñamkucev.

2012, el año de la profecía

“Esperamos llegar vivos al 2012”, comentan todos con gracia. Sin embargo, y sin preocuparse por el miedo colectivo, los jóvenes guerreros que cada vez van abriendo más su camino en la escena local, tienen planeadas varias presentaciones y nuevos proyectos. “En diciembre tenemos una fecha en El Bolsón y en enero y febrero en el interior de Neuquén. Pero, en realidad nuestro primer proyecto va a ser grabar nuestro primer disco formal: ya tenemos un poco más de 15 canciones. Esperemos que los Dioses se conjuguen con los astros”, concluye irónicamente Lefxaru Nawel, que, sin hacerle honor a lo que su nombre significa, habla con demasiada tranquilidad, mientras el Limay comienza a poblarse de los primeros veraneantes.